Art... what else?

Desnudez Latente

2012-01-19T07:25:00.000-08:00

La exposición “El Desnudo en el Arte” es una selección de pintura, escultura y fotografía cuyo eje central es un recorrido por el arte del desnudo desde el siglo XX hasta nuestros días. Nos encontraremos con obras de unos treinta artistas como Fernando Botero, Josep Clará, Man Ray, Alberto Schommer, Ouka Leele, Rafael Botí, Roberto González Fernández, José Luis Raymond, Eduardo Úrculo y Marina Abramovic entre otros. La muestra ofrece un recorrido por las distintas manifestaciones del cuerpo humano como tema central en las composiciones artísticas del siglo XX, así como trata de evidenciar la importancia del cuerpo como medio de expresión, capaz de transmitir emociones, sentimientos y pasiones. Se muestra una selección de obras muy variadas, de artistas de distintas nacionalidades y generaciones que nos permite adentrarnos y descubrir las diferentes perspectivas que se poseen a la hora de mostrar y concebir el cuerpo humano. Como también lo podremos observar a través de la lectura de las diversas citas que nos conducen a lo largo de nuestro recorrido, como por ejemplo: “la belleza del cuerpo es muchas veces indicio de la hermosura del alma” por Miguel de Cervantes, o esta otra del poeta Novalis: “Hay sólo un templo en el mundo, el cuerpo humano. Nada es más santo que esta forma suprema. Inclinarse ante un hombre es un homenaje a esta revelación en la carne (…) Se toca el Cielo cuando se acaricia un cuerpo humano”. Con todo, nos percatamos del culto casi idolatrado hacia el cuerpo humano que se ha ido desarrollando con el paso del tiempo.

Lo realmente fascinante de esta exposición es la contraposición así como las diferentes apreciaciones y sentidos que se le da a la desnudez. En mi modesta opinión, me ha resultado particularmente curiosa la obra fotográfica “Sin título,2007” de la artista gallega Victoria Diehl, quien nos explica que: “En un momento en el que los géneros artísticos se confunden, en mis imágenes hay un encuentro entre la historia del arte a través de algunos de los mitos clásicos y el presente, mostrando un lenguaje que funde lo visual y lo conceptual para hablar de la representación del cuerpo en unas imágenes que remiten a la pintura, a la escultura, en un efecto de fotografía apropiacionista. Mi estrategia artística se desarrolla a través de un viaje de búsqueda en los museos, donde encuentro en los cuerpos desnudos de tacto frío que nacieron en la antigüedad, las mismas marcas que sufrimos y mostramos en nuestro propio cuerpo; así en un proceso inverso, en mis imágenes, exhibo la piel humana, calida y nacarada sufriendo en lugar de las cicatrices quirúrgicas las fisuras que el tiempo ha marcado en la piedra. Para la siguiente serie de fotografías me he basado fundamentalmente en las fuentes italianas, principalmente en la Fontana dell’ammannati, que hoy día fuera de funcionamiento se encuentra seca en el patio del museo Bargello. La visión de esta representación femenina que encarna la divinidad símbolo de fecundidad y fertilidad, creada para abastecernos de agua (símbolo de vida), desde sus propios senos resulta al humanizarla en las fotografías, tan tierna como hiriente, pues me remite a un vacío interior, a la sensación de hueco”. Mientras que la yugoslava Marina Abramovic, en su video “Nude with Skeleton” deja constancia de la relación tan íntima entre el artista y el ya no solo espectador, mediante una performance que realizaba varias veces al día en diversas exposiciones durante el 2002, 2005 y 2010. En el video que aquí se exhibe vemos una mujer tumbada –Abramovic- respirando desnuda bajo un esqueleto, lo que nos lleva a pensar y reflexionar de forma explícita sobre la vida y la muerte, como decía Bruce Nauman: “el arte es una cuestión de vida y muerte. Suena melodramático, pero es verdad”. Y es que se nos presenta una obra un tanto inusual con una combinación de matices -tanto sexuales como aterradores-, al igual que en buena parte de sus trabajos. Así pues, “Nude with skeleton” se podría considerar una “vanitas” contemporánea, entre una de las múltiples interpretaciones posibles.

El espectador, por tanto, podrá sumergirse en una atmósfera artística enriquecida gracias a los distintos medios de expresión artística, como son la fotografía, pintura, dibujo o escultura. Así pues, la visita a esta muestra produce una especie de relación, simbiótica, entre el artista y su obra con el espectador. Lo que origina una conexión inmediata entre ambas partes, prácticamente al instante, puesto que nuestras miradas quedan interconectadas, inconscientemente, al sentirnos reflejados con el sujeto representado. Es más que probable que al tratarse de un tema, claramente identificable y reconocido por todos, la exposición les resulte a la mayoría de sus visitantes cercana y entretenida.

Los expertos y teóricos del mundo del arte, casi siempre, coinciden en que toda obra de arte es un desnudo ya que la mirada del artista desnuda el objeto en busca de lo más íntimo. Pero, esta vez, la muestra tan solo pretende transmitir su acepción más literal, es decir, exhibir el cuerpo humano sin velos que lo cubran porque, paradójicamente, nada perturba y atrae más como un cuerpo desnudo. Resulta curioso que esta atracción, me atrevería a clasificar de innata en el ser humano, permanezca siempre latente a lo largo de nuestra historia. Por lo que los amantes y entusiastas de este género pictórico, podrán ver en esta exposición una serie de valiosas piezas que no nos dejarán indiferentes y que, sin duda, nos deleitarán.

Según los promotores con esta interesante iniciativa, se facilita la posibilidad de apreciar la gran calidad de una serie de artistas españoles, con esta exposición se busca "resaltar el gran interés suscitado en torno a esta figura humana. Una figura no exenta de críticas pero que, sin embargo, ha sido fuente de inspiración para muchos autores y corrientes artísticas de todo tipo. Se trata pues, de un excepcional ejemplo para conocer cuál ha sido la tendencia moralista imperante respecto a esta representación del cuerpo humano, a lo largo de la Historia del Arte".

Para el crítico de arte Ignacio Henares Cuéllar, "las distintas estéticas y autores presentes en esta exposición contienen y renuevan un discurso artístico que históricamente ha significado el más completo modelo cultural del humanismo". Mientras que para la comisaria de la exposición, Marisa Oropesa, "esta muestra tiene como argumento el desnudo en su acepción más literal: la forma de arte que exhibe el cuerpo humano sin velos que lo cubran. A veces, para poner de manifiesto la belleza que emana de la máquina más perfecta que existe en la naturaleza. En otras, para subrayar sus imperfecciones. Y siempre con el atractivo de la aproximación a lo que habitualmente está oculto e incluso prohibido".

Una de las características, a destacar de esta colección, que se expone por primera vez en Castellón, es la variedad de estilos y tendencias que se han dado la mano para describir la belleza física del ser humano, testimonios pictóricos que puedan generar ante el espectador emociones y reacciones muy dispares, desde el rechazo a la admiración, curiosidad, pasión o hasta incluso indiferencia.

A través del recorrido que propone María Oropesa con esta instalación, se van desvelando la multiplicidad de significados y valores que representa el desnudo en el arte contemporáneo a lo largo de la historia, bajo la mirada poética de cada uno de los artistas aquí reunidos. Esta muestra, fundamentalmente, invita a la experimentación, a la búsqueda de lo más íntimo que durante muchos siglos ha sido un tema tabú y se ha visto sometido y relegado a representaciones mitológicas a lo largo de los años o bien, oculto con recelo, al considerarse indecente e impúdico. Cuando realmente, la desnudez se debería tratar con sencillez y naturalidad.

Para concluir me gustaría dejaros con una de las citas, que también acompañan a la exposición, del célebre dramaturgo inglés John Fletcher: “La belleza, cuanto menos vestida, mejor vestida está”.

Isidre Manils: Luz Contrastada

2012-01-19T07:14:00.000-08:00

Isidre nos propone un recorrido misterioso y ambiguo, al mismo tiempo que nos introduce en un espacio que primero nos confunde y luego nos arrastra con fuerza hacia una serie de pinturas que se cimientan en torno al tema que lleva años trabajando, de manera casi obsesiva, como la interpretación y representación de la luz. La luminosidad en sus diversas versiones, desde la luz natural -inherente a las cosas- hasta la que se vislumbra en un primer trazo. Bajo el título Palimpsest, Manils trabaja sobre todo en la desmaterialización del objeto como elemento artístico que hace que las imágenes se renueven continuamente bajo un clima dinámico.

El título de esta exposición viene dado porque nuestro artista conserva las huellas de imágenes o resquicios anteriores que lentamente se van desvaneciendo artificialmente. De ahí que en la mayoría de sus obras en acrílico Manils adopte una actitud clásica hacia el estudio de la “naturaleza muerta” para conseguir atraer la luz interior que reside en cada uno de los planos pictóricos.

“Yo gozo, cada vez mas, encontrando la imagen que se esconde en la tela. Me gusta esta reflexión que se hace sobre la escultura: el mármol contiene la imagen y hay que ir a sacarla, buscarla, liberarla”

Se podría decir, que la obra de Manils está abierta a la contradicción -hace coexistir lo racional con lo irracional- y al movimiento, creando así la tensión propia de la obra misma. Sin lugar a dudas, la imaginación juega un papel fundamental en la interpretación de su trabajo para los futuros espectadores. Es innegable la formación iniciática del artista: el cine. Y él no lo esconde. Afirma que debe más a Hitchcock que a Picasso: “en el cine aprendí “que “pintar”; pero no en el sentido literal, de temas, sino mas profundo; lo que seria el tema principal de mi pintura; el “como” que es lo que me da mas guerra”. Del mismo modo alega que: “la emoción del cine es el hecho material de una luz proyectada sobre un lienzo blanco. En pintura piensa en eso: en la luz; pero no proyecta la luz, sino que la saca del interior del blanco. Cree que la materia principal de la pintura y del cine es la luz”. De esa manera consigue concebir una pintura inmaterial, totalmente nítida, fortaleciendo la impresión de una delicada pátina de pintura sobre lienzo. Lo realmente fascinante y sorprendente es la sensación de inmaterialidad que se transmite a través de su trabajo.

En definitiva, todas las obras ofrecen un acabado perfecto alcanzando un resultado próximo a la fotografía debido al esfuerzo de Manils por deshacerse de todo rastro del proceso creativo.

Es curioso como Isidre entra en contacto con la luz a medida que avanza en su trabajo y se sumerge en ella para, a partir de ahí, crear y desarrollar paulatinamente sus impulsos. Así pues, en los carbones sobre papel observamos como poco a poco se dispersa la oscuridad para dar paso a la luz.

Es particularmente interesante y habría que destacar los claroscuros que se forjan en sus intrigantes e interesantes dibujos, que nos recuerdan un tanto a las fotografías del fotógrafo húngaro, André Kertész. El silencio, la penumbra y los volúmenes así como los colores se desarrollan en función de la luz que incide de forma natural. Aunque sobre todo, paradójicamente Manils pretende acentuar y enfatizar el potencial del negro, para que absorba a la par que brota dotando a la obra de nuevos destellos de luz. Con todo, Isidre consigue crear una atmósfera única de sensaciones que sorprenderá al espectador.

Toño Camuñas: Putrefacción latente

2011-09-28T15:12:00.000-07:00

Su motivación a la hora de realizar ‘Traga’ podría provenir de una sensación personal de descontento ante la sociedad en la que vivimos. Su obra, ya de por sí, aberrante, es un reflejo de la distorsión que proyecta nuestro mundo y de la angustia desmesurada de vivir al límite de las posibilidades de la moral, la falsa moral y en definitiva de la no moral. Muestra un mundo de supervivientes que vagabundean bajo el influjo lunar que impera en el submundo de yonquis, prostitutas y viejos lobos de mar tatuados hasta la médula y con los ojos desorbitados por su propio infortunio así como por la tragedia que nos aguarda amenazante.

Sus temas recurrentes se podrían asociar al estilo de delincuencia y pasotismo que recoge muy bien la subcultura ‘underground’. Así pues, Camuñas recurre a la estética ‘Low Brow’ típica de los 50 y 60 y la combina de alguna manera con toques propios típicos de la década de los 90 como los tatoos, los graffiti y los piercing. Algunas de sus imágenes las arranca de los muros de las calles de Berlín, al igual que muchos de sus objetos los consigue en el mercado de la Lagunilla de México DF o vuelan directamente desde el Lejano Oriente, que posteriormente interviene creando una nueva versión lúgubre de ensoñaciones opiáceas de las famosas estampas del arte erótico japonés. Se trata, pues, de un arte contemporáneo muy accesible y representativo para todo tipo de público.

Su arte es atractivo a la vez que paradójico y contradictorio ya que puede resultar al mismo tiempo divertido y macabro, bello y violento, y elegante pero siempre con una sarcástica carga política. Sus temas están de moda y reflejan la actualidad pero su trabajo tiene repercusiones más allá de la situación mundial actual. Camuñas denuncia la hipocresía, el miedo producido por la manipulación socio-política. De la misma manera, refleja los desastres que acechan en nuestro entorno, las guerras, la pobreza, las enfermedades, la avaricia, la violencia, el terror…, así como el control político y de las grandes multinacionales, que se forjan conjuntamente con el capitalismo, con el desarrollo económico y el consumismo.

Su obra nos sumerge en el mundo de lo abyecto bajo una mirada perversa que describe el submundo que amanece al caer la noche oscura, nos muestra lo que no vemos o no queremos ver y conscientemente marginamos de nuestras vidas como algo que nos es totalmente ajeno. Camuñas destapa y muestra sin tapujos el devenir de todos los presentes, que muchos se niegan por aceptar mientras que otros abusan de excesos que les atajan el camino a ese final agónico preludiado desde el mismo momento que nacemos. Y es que hay cosas que están escritas de antemano y solo es cuestión de esperar el momento de la revelación, de la epifanía macabra, es decir, de la muerte.

En relación con la muerte -latente en sus obras-, habría que recalcar esa influencia de la cultura mexicana, donde la ‘muerte’ va más allá de lo folclórico o lo religioso, ya que en ella participan todos los sectores de la vida social del país; tampoco se trata de un proceso estático que involucre ciertas tradiciones inamovibles sino que, por el contrario, se va transformando y adaptando, y eso precisamente es lo que aprendemos a lo largo de la visita, que la muerte no es en ningún momento un tema superficial y que queramos o no, Hades nos aguarda.

Resulta especialmente paradójico observar cómo la belleza desfallece y se descompone junto al molesto aleteo de moscas insaciables. En definitiva, reina el espíritu de la putrefacción. Los personajes tatuados que aparecen a lo largo de toda la exposición esconden en su cuerpo llaves de alusiones a un mundo todavía más pesado, raro, duro y sucio urdido por confabulaciones metafísicas del destino caprichoso.

Camuñas concibe y etiqueta la experiencia de vivir en sociedad como algo de por sí esperpéntico, con unos alicientes casi siempre burdos y estrambóticos.

La obra de Toño siempre ofrece un deleitable conjunto entre lo repulsivo y lo fascinante. Lo sombrío y macabro en su obra exuda un guiño que es claramente masculino, mientras que eluden a un sentimentalismo manifiesto. Una escena puede representar sangre y vomito y la muerte, pero se trata con humor y sensualidad presentándolo bajo unas superficies atractivas y seductoras, sin olvidarnos de sus personajes que resultan, contradictoriamente, adorables. Utiliza, pues, su propia fantasía onírica, particularmente extravagante, para examinar y comentar una cultura que ha fracasado ante la vista de todos.

Aunque el artista tiene un apetito pronunciada por lo iconoclasta, mezcla y combina las influencias en su trabajo con un igualitarismo que ignora las distinciones entre la cultura alta y popular. Su arte puede ser ostensiblemente visual, pero, sin duda, tiene una predilección por temas narrativos. Esta narrativa subterránea, procedente del mismísimo inframundo, se basa en un fluir continuo de realidades muy dispares entre sí bajo un universo simbólico de significación, sumergiendo cada una de estas estampas diabólicas en un ambiente salpicado por la ponzoña, descabellada y letal que predominan en los suburbios al anochecer. Camuñas las muestra como postales del subconsciente desordenado tras una serie de representaciones que destapan la energía oculta y en general tóxica que se esconde detrás del ser humano. Su visión oscura se opone a la cultura homogeneizada y estandarizada del mundo en el que vivimos personificado hoy por la compañía Walt Disney. Su trabajo retoma ese sentido del humor tan peculiar de los dibujos animados, con ayuda de sus personajes, que al igual que sus dibujos se han convertido en su obsesión: insectos, mujeres y figuras demoníacas pueblan sus historias. Sin lugar a dudas, Camuñas ha sabido crear su propio lenguaje visual donde los problemas del mundo moderno no existen como fenómenos externos y ajenos que hay que resolver, sino como algo que nos acecha desde el sentido más profundo de nuestro ser. Irónicamente, podríamos considerar que dota de expresión artística todas las cosas feas y sucias que son retocadas fuera de nuestros medios de comunicación y que, a primera vista, rechazamos en nuestra sociedad.

Construcción de la sencillez: Mar Arza, Marta Espinach y Anna Talens

2011-09-19T23:17:00.000-07:00

A l’abast de la mà’ es el título de la nueva exposición con la que la galería Cànem inaugura una nueva etapa cultural que da comienzo en nuestra ciudad. Para ello cuentan con obras de artistas como Mar Arza, Anna Talens y Marta Espinach, que nos muestran una visión de la vida que nos es cercana a todos. Lo curioso de este proyecto expositivo radica en que es fruto de la colaboración de Cànem junto a otras dos salas de arte: Sicart y PazYcomedias.

El galerista catalán Ramón Sicart explica la temática de las obras de estas tres mujeres con sus propias palabras: “--el paso del tiempo, el paraíso de la infancia, la experiencia de la vida, en definitiva-- nos habla de lo cotidiano a partir de la sencillez, de cómo los actos más insignificantes --el tic-tac de un reloj, el sonido de las campanillas, el juego de los dados sin numeración, los cuentos infantiles, los tejidos de alambre...--y los objetos que tenemos asequibles --papel y lápices de colores, hilos, agujas, una libreta de ahorros--, revelan una atenta mirada a las pequeñas cosas que nos rodean para llegar a expresar la poesía contenida y necesaria para transformar la visión que tenemos del mundo, haciéndonos cercano y descifrables tanto palabras como silencios, miedos y osadías, seguridades e incertidumbres, ingenuidad y conocimiento. Obras hechas desde el silencio y la meditación, elaboradas con un cuidado excepcional desde un sexto sentido y puestas a nuestro alcance para el disfrute de nuestros cinco sentidos”.

Lo que estas artistas pretenden transmitirnos mediante sus obras es que, a pesar de las diferencias y peculiaridades características de cada ser humano, siempre hay emociones o situaciones que compartimos aunque sea bajo puntos de vista distintos.

Anna Talens reivindica la belleza, lo delicado y lo hermoso, que muchas veces, y por desgracia, es tildado de ingenuo y poco realista en nuestra sociedad. En la actualidad, se valoran más los discursos provocativos que nos revuelven el estómago que aquellos que se susurran melódicamente a través del viento. Lo cierto es que el arte abyecto ha ido desplazando poco a poco lo sublime y lo bello dentro del mundo del arte, estéticamente hablando, ya que muchos consideran que lo bello es un signo de vacío, debilidad y superficialidad. Pero, en contraposición, todavía hoy en día, existen razones para demostrar que la belleza genera la felicidad, gracias a la poeticidad que irradia el mismo objeto, el poder expresivo de los materiales, la delicadeza, etc., siendo igual de necesaria y realista que todo lo abyecto que nos circunda.

Por su parte, Marta Espinach nos acerca a esa cotidianeidad a través de una serie de personajes y situaciones tomadas de cuentos infantiles, que reconocemos y asimilamos rápidamente, porque la gran mayoría de nosotros hemos crecido escuchando esos cuentos, que, de forma consciente, advierten a los niños de los peligros que acechan fuera de casa. Así pues, podemos encontrarnos todo tipo de animales feroces, desde un lobo a un oso bajo un bosque oscuro y peligroso, cuestionando abiertamente el mundo onírico que envuelve y conoce el niño. Con todo, se pretende tentar al niño con ese paisaje misterioso, desconocido y tan dañino para que, a su vez, despierte y se quite la venda de los ojos y tome conciencia de su propia existencia, así como aprender a llevar la iniciativa a la hora de vivir su vida. Sin lugar a dudas, la artista nos invita a reflexionar sobre el juego contradictorio que se establece entre la fascinación que trae consigo irrumpir en un paraje desconocido lleno de peligros y las múltiples advertencias que recibimos desde nuestra infancia para que no nos adentremos puesto que podemos acabar en la boca del estómago del gran lobo feroz.

Finalmente, Mar Arza nos plantea el tiempo como otro de los elementos que tenemos en común los seres humanos, escultor de voluntades que somete el transcurso de la vida a lo inevitable. Para contrarrestar su ritmo, la artista juega con las palabras, en un intento de paliar sus contraindicaciones. Arza nos da a entender que el lenguaje retiene el tiempo, al mismo tiempo que detiene, sorprende, reconforta y simultáneamente es capaz de caminar y seguir adelante arrastrando todo el peso de su trascendencia. Se podría decir que, siguiendo el hilo conductor de la exposición, la artista castellonense proclama la necesidad de sentir el ritmo de las emociones y los placeres del ser humano. En definitiva, la experiencia que se adquiere con el paso del tiempo y el cúmulo de sensaciones y vivencias que registra el ser.

Como remarcábamos al principio, esta muestra es una iniciativa conjunta entre la galería Sicart de Vilafranca del Pendés, la galería pazYcomedias de Valencia y la galería Cànem. Con este proyecto se logra crear una red socio-cultural, conformando una interacción social, definida como un intercambio dinámico, abierto, en construcción permanente que involucra a conjuntos que se identifican con las mismas necesidades y que se organizan para fomentar el arte y la cultura --algo que apoyamos desde Cuadernos, ya que es algo que nos enriquece a todos--.

La Galería Cànem en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Santander 2011

2011-07-31T10:36:00.000-07:00

Una vez más, y ya son varias, Castellón destaca en el panorama artístico tanto a nivel nacional como internacional gracias a la participación de la galería Cànem en ARTESantander 2011.

En esta vigésima edición Cànem participó junto a otras 44 galerías en el palacio de Exposiciones de Santander, donde este año se ha visto reflejado un gran cambio debido a esos malditos efectos de la crisis y la necesidad de adaptarse a los nuevos tiempos. A mi modesto parecer, estos “cambios de rostro” me parecieron positivos, puesto que el espacio contenedor cambia y, a diferencia de ediciones anteriores, se concentraron los estands en una sola planta para responder a dos necesidades básicas: el dinamismo y la accesibilidad. El nuevo formato facilitó la visualización de las obras de los artistas mostrando una distribución más precisa, diáfana y depurada. En otras palabras, contemplamos un concepto de feria menos denso, más ameno y atrayente.

Podríamos afirmar que la feria santanderina ha dado rienda suelta para comenzar una nueva etapa. Algo previsible, por otra parte, ya que al finalizar la XIX edición, su director, Juan Riancho, dejó claro que se había cerrado un ciclo y que tenían intención de “emprender un camino renovador”. El principal objetivo que querían perseguir pasaba por abordar una feria que camine hacía el futuro y se transforme en lo que muchos denominan ‘Festival de Projects’. Algo que parece ser han logrado, si tomamos en cuenta las afirmaciones que desde la organización ofrecieron al término de la cita artística. “Analizando las galerías y contenidos se ha detectado un incremento de la calidad muy destacable”, confesaron. Este hecho indica que ARTESantander conjuga a la perfección con ese concepto de ‘Festival de Projects’, un proceso que “ha obligado a los galeristas a afinar más y a adaptar su propuesta a los gustos, necesidades y características de la feria”. De ahí que la galería castellonense Cànem apostara por la instalación de la artista italiana Irina Novarese ‘The glorious flight of Rile Lesov’, compuesta de diferentes medios, textos, dibujos y video.

el arte de novarese

La instalación que presentaron Irina Novarese y Cànem parte del concepto del ‘objet trouvé’ como material e idea. Irina trabaja entorno a la integridad de la narración y acerca de la clase de información que tenemos necesidad de absorber para crear un narrador; en este caso, en concreto, se podría clasificar de tipo heterodiegético puesto que cuenta la historia, desde fuera, de la vida del serbio Rile Lesov hasta su desaparición por culpa de un tornado que tuvo lugar en Texas en 1964. Esta increíble historia se la contó la mujer de Lesov, Milka, en el cementerio Groblje de Belgrado en el 2007 durante una residencia artística. La intención principal del proyecto es contarnos esa historia aparentemente real que, más tarde, nos damos cuenta de que es totalmente inventada. Novarese nos ofrece un juego que parte de fotografías que ha ido encontrando en Belgrado, París, Australia, California... y de ahí ha ido desarrollando un cuento sobre la posible vida del hombre que figuraba en la fotografía, el cual, según aprecia la artista tenía que ser alguien especial para contar su historia.

Con el tiempo, Novarese se fue interesando en asociar la información que iba recopilando acerca de desastres naturales con la imagen, intentando crear así un campo de ficción plausible, comparada solo con los acontecimientos históricos --se parte de un estudio, se pretende experimentar con la probabilidad de lo improbable--. Así pues, a través de un proceso simple de asociación Irina ha forjado una historia ficticia, en la que los elementos reales están interrelacionados únicamente de manera artificiosa.

En definitiva, la artista multi-disciplinar ahonda en la metaficción destacándola como una práctica habitual en la percepción del mundo contemporáneo como, por ejemplo, dar por sentado que es cierto todo lo que se encuentra publicado en la red hoy día.

Desde aquí, apoyamos la labor magistral de difusión que realiza Cànem en el mundo del arte contemporáneo internacional, así como la calidad de sus propuestas.

EACC: 5x5 2011

2011-07-25T02:53:00.000-07:00

Hoy en día existen pocos centros que apuesten de forma tan abierta y arriesgada por el arte contemporáneo y, sobre todo, por generar y consolidar con el tiempo una colección incuestionable a nivel internacional como el Espai d’art contemporani de Castelló. Sin lugar a dudas, parte de que esto sea así viene dado por el Premi d’Art Internacional Diputació de Castelló, ahora denominado ‘5X5’. Este es un proyecto expositivo que ha ido evolucionando con la finalidad de crear un diálogo entre las distintas generaciones de artistas e insistir --y esto es lo importante-- en la creación de una gran colección, por parte de las instituciones participantes, mediante las obras que cada año son premiadas.

¿coherencia?

Es imposible intentar formar un hilo conductor durante la muestra del ‘5X5’, puesto que cada uno de los veinticinco artistas proviene de ámbitos muy diversos. Es más, desde aquí invito al espectador a que se libere y deje que las sensaciones y las percepciones fluyan con cada una de las propuestas de los artistas. Y es que, cada obra es un mundo en sí mismo y se percibe totalmente aislado del resto, aunque paradójicamente se logra una atmósfera de incertidumbre e inquietud que se mantiene durante toda la exposición. Por tanto, el EACC, una vez más, apuesta por generar un diálogo que permite conocer cómo se expresan actualmente las nuevas generaciones de artistas a nivel internacional, cómo responden los espectadores y qué opinan éstos al respecto.

Me gustaría subrayar que la exposición que actualmente podemos visitar en el Espai, está generando un sinfín de conexiones entre la ciudad y sus habitantes, originando una serie de comentarios de lo más variopintos. Desde mi punto de vista, se está especulando mucho acerca de cuál de los artistas puede llegar a ganar el prestigioso y suculento premio de 60.000 euros. Habrá que esperar.

Podría aventurarme a afirmar que lo propio de filosofar durante la visita es suscitar ese intercambio dialectal, es decir, convocar, reunir y polarizar al público bajo la sorprendente heterogeneidad de la propia exposición. Así que, indudablemente, el EACC se convierte en un eje, abriendo sus puertas a la conversación, suscitando la posibilidad de la conciencia hacedora de historia y destruyendo el entendimiento del museo como puro artefacto construido y por construir, es decir, de producto y pura mercancía.

El diálogo que se establece en este proyecto expositivo es necesario para cualquier centro de arte contemporáneo que se precie hoy en día en el panorama artístico internacional. No se trata de que todos nos expresemos bajo un mismo lenguaje, sino de que ampliemos nuestras virtudes y establezcamos una relación entre nosotros y las diversas obras participantes, donde se rompa la identidad individual construida a partir de la hegemonía de la razón, como centro meramente físico, para reintegrar la naturaleza y lo social como sede y alma del arte contemporáneo. De esta forma, se posibilita el encuentro y los diálogos, así como las propias experiencias de los visitantes ante cada una de las obras.

nueva perspectiva

Con todo, los artistas y participantes del proyecto, así como los visitantes, se encuentran de igual modo, sumergidos a través de esta experiencia expositiva en lo que Marc Augé denomina “los no lugares”, puesto que se abre una nueva perspectiva de conceptuar una antropología de la sobremodernidad a través de las experiencias artísticas. En este sentido, se crea un espacio propiamente contemporáneo de confluencia de anónimos, donde personas en un tránsito contínuo se detendrán durante un tiempo ante cada una de las obras, pudiendo establecer un cruce de miradas de complicidad con más de uno de los visitantes con los que seguramente nunca más volverá a coincidir a lo largo de su vida. Es decir, se forma y se deshace una atmósfera que se crea gracias al propio público y su relación con el entorno a través del fortuito caso del azar.

Durante la exposición, el público tiene únicamente conocimiento del punto de partida pero no posee mayor información que la documentada durante su propio proceso de participación. Puesto que la exposición se mantiene viva y en movimiento, gracias a obras como ‘Right Cube_02’ de la artista Luz Broto, en la que se relaciona el espacio visible y expositivo con un elemento ajeno a ésta. En este caso en concreto, hace que gotee de una de las aberturas del conducto de ventilación del propio recinto una sustancia negra, que se va expandiendo en forma de una mancha aleatoria. Su única intención es crecer sin detenerse y crea, así, una tensión latente entre tiempo y espacio, y otra entre lo cierto e incierto, ya que paradójicamente el desarrollo y fin de la obra está pactada, a su vez, con la institución.

Para concluir, quisiera destacar que al no poseer un guión marcado, nadie sabe que será lo siguiente, por tanto esta es una exposición que, a diferencia de otros proyectos, no posee la intención de conducir al espectador o de expresar algo en concreto, simplemente se le brinda al espectador la oportunidad de observar e interactuar libremente con las veinticinco obras participantes.

Mar Vicente: Azul y verde sobre rojo

2011-07-06T08:03:00.000-07:00

“El espacio real es intrínsecamente más poderoso y específico que la pintura en una superficie plana. Obviamente, lo tridimensional puede adoptar cualquier forma, regular o irregular, y puede establecer todo tipo de relación con la pared, el suelo, el techo, la habitación o habitaciones y el exterior, o no establecer ninguna en absoluto. Puede utilizarse cualquier material, en su forma pura o pintado.”

Donald Judd

La obra de Mar Vicente nos evoca el espíritu más primario del arte minimalista que acuñó el filósofo Richard Wollheim en la década de los sesenta. Su trabajo posee una simplicidad libre de detalles redundantes, devolviendo así la percepción a los requisitos básicos como el punto de vista y la iluminación, dejando aparentemente a un lado cualquier tipo de valor asociativo, ya sea simbólico o intelectual. Aunque, paradójicamente, suelen utilizarse muchas palabras para hablar de lo que no necesita palabras.

El minimalismo destaca por ser un arte que rechaza el contenido, por lo que no puede ser un arte formal; podría decirse que su verdadera razón de ser se disfraza tras la relación entre el espectador y el objeto. A lo largo de su trabajo, vemos cómo pasa del tradicional plano bidimensional a la tridimensionalidad para que el espectador experimente un cambio en el punto de vista, y de igual manera variar lo observado.

En Azul y verde sobre rojo Mar Vicente alcanza lo que Merleau-Ponty definió como ‘geometría y presencia’ puesto que su obra actúa entre la fisura que se abre entre el conocimiento y la experiencia que posee y adquiere el público.

Un punto fundamental a destacar en su trabajo es que se vale de los mismos soportes convencionales pero los coloca perpendiculares a la propia pared, crea sub-espacios o mini-espacios dentro del mismo espacio, es decir, utiliza el espacio determinado para convertirlo en un ‘espacio pictórico’. Ella misma afirma que su trabajo no se trata únicamente de superficies sino de espacios, el soporte es la pared al igual que lo puede ser una columna o una esquina. La forma y el espacio se complementan, la pared deja de ser pared para pasar a formar parte activa e integrante de la obra. Así pues, crea un repertorio de lúcidas superposiciones y disoluciones de ángulos, de barreras y espacios luminosos, que interactúan de forma directa con el espacio privilegiado con el que cuenta la galería Coll Blanc.

La producción de Mar Vicente se caracteriza por un espacio diáfano, de colores, frío y cálido simultáneamente, con fuerza, pureza, rigurosidad y precisión. Su obra desarrolla y alcanza el triunfo de los sentidos sobre un sistema ascético. Sus formas primarias, principalmente cuadrados, se disponen en serie en módulos abiertos o cerrados, creando una impresión óptica que nos remite a una perfecta discordante armonía. Por otro lado, la armonía que procesan sus obras se condensa en la forma básica en sí misma.

Vicente nos ofrece un contraste con la confusa y fugaz visión del mundo tal y como se presenta, nos invita a reflexionar y a ralentizar por unos instantes el nivel de percepción al que estamos habituados. La artista utiliza la palabra ‘efectiva’ para referirse a su obra y, ciertamente, es real y verdadera, a la par que completa., puesto que aúna pintura, escultura y arquitectura mediante sus composiciones de colores y sus juegos volumétricos que interactúan con el espacio, destacando un área limpia, simple, diáfana y minimalista gracias al impecable tratamiento de luz que reciben sus obras.

Twombly: He`s gone up bubbles all his amorous breath!

2011-07-06T07:47:00.000-07:00

Ayer justo después de rozar la sublimidad con mis dedos en una tarde maravillosa de playa, mi hermano me sorprendió con la triste noticia de la muerte de Twombly, una muerte anunciada por otra parte, pero que no deja de inquietarme. Después de todo, he pasado de dos a tres años de mi vida buscando información sobre su obra, leyendo y visitando sus exposiciones. Se podría decir que forma parte de mi, es el único artista con el que he sentido un verdadero flechazo.

¿Se puede alguien enamorar de las obras de un artista?, yo, sin lugar a dudas, sucumbo ante sus obras, hasta el punto de idolatrar a su artista. Para mi se ha ido uno de los grandes artistas de nuestra era, un artista con mayúsculas, con inquietudes, pintor, escultor, fotógrafo…un hombre culto y atemporal para su época.
¿Quién era Twombly?, me han preguntado cientos de veces. Pues bien, Twombly para mí al igual que para algunos teóricos del mundo del arte representa a la perfección la filosofía oriental del Tao Te King. Ya que su arte no pretende aferrarse a nada, se sostiene, flota y se mueve entre el deseo y esa elegancia con la que renuncia a todo afán de conquista.

“Produce sin apropiarse de ello,

Hace sin esperar nada.

Cuando su obra está acabada nada le añade

Y por no añadirle nada

Su obra permanece”

[Tao Te King]

Tachones, garabatos, manchas con trazos de escritura que irrumpen en la silenciosa calma del blanco roto con sorprendentes sacudidas de color. Esos son los ingredientes para adentrarnos en el universo primigenio de Cy Twombly.

El arte para TW no está muerto, solo olvidado. Por ese motivo, TW es un artista que reinterpreta la tradición; de ahí que su espíritu resida y actúe de memoria. TW brinda a todo espectador la oportunidad de acceder y de volver a sentir la cultura a través de los sentidos. Podríamos decir, que nos guía por un mundo que ha redescubierto mediante las diferentes fuentes históricas y literarias. Su inquietud por dichas fuentes, así como por la mitología, le han llevado a abordar preocupaciones culturales que contrastan con el camino más transitado de la contemporaneidad. He aquí el lugar donde habita el espíritu twomblyano. Un espíritu en el cual, el mismo trazo de TW se muta en un cuerpo que atenta contra su forma. Mediante la destrucción, construye su propia continuidad en el tiempo. El norteamericano rehace la palabra, la libera y la reconfigura como imagen.

En definitiva, creo que no se puede clasificar ni etiquetar a Twombly y es por eso que me gustaría pensar que un garabato se ha apropiado por última vez de sus palabras, se separase de la pintura, y una vez solo, permaneciese en silencio en un blanco infinito…

Charles Bignon: I Don't love NY

2011-06-05T03:37:00.000-07:00

I Don’t love NY, Extended Versión’es el título del proyecto artístico que Charles Bignon presenta en Coll Blanc. La exposición deja entrever el idioma de una cultura contemporáneamente urbana, a punto de ceder ante el lado oscuro de una sociedad sumergida en la globalización y el consumo diseñada por el mundo publicitario y los medios de comunicación que propagan el estilo de vida capitaneado por los americanos. Bignon lanza una mirada de provocación ante los espectadores, que invita a la reflexión sobre el funcionamiento y el futuro de nuestra sociedad. El artista francés ha recurrido a una mezcla de estilos provenientes de la cultura estadounidense como la ‘white trash’, el informalismo, el ‘pop art’ así como el expresionismo abstracto y los ‘grafitti’. Muchas de estas tendencias se asocian a la era de la globalización, es un arte principalmente de protesta, reivindicativo con fines concretos. Se pretende trasladar el arte a las calles, al alcance de todos y, para todos, de ahí la importancia y repercusión de la denominada cultura urbana La obra es, sin duda, de lenguaje ágil y lectura rápida, de igual manera su técnica es enérgica e inquieta con un cierto carácter inquisidor y de denuncia. El hilo conductor de la muestra parte de su propio viaje a la ciudad de Nueva York, en diciembre del 2008, con la intención de sumergirse en los suburbios contrastados con la cultura intelectual de la elitista Manhatan. Curiosamente ese intercambio artístico-cultural y su paradójica atracción/repulsión es lo que hace nacer esta idea, que surge al vivir en una ciudad de gran envergadura y aire cosmopolita.

El entorno fue una constante fuente de inspiración para el artista. A partir de la observación de los individuos urbanos empieza el trabajo de investigación sobre los estados de ánimo, comportamientos, motivos como banderas, cifras, marcas, armas, política, carteles, etc. Y es, en ese momento, cuando comienza el proceso creativo de Bignon que va de lo digital a lo natural, primero interpretando con ordenador para después pintar a mano alzada. La confrontación a sus mitos en primera persona le sitúa en una posición difícil, ya que valorar y criticar esta realidad no es tarea fácil. Por lo que Bignon crea una atmósfera irónica constante de su trabajo en la que él mismo también es un personaje activo de la propia crítica. Esa cultura urbana que quiere resaltar y de la que somos todos partícipes es la que hace florecer la idea de reflexionar en forma de contracultura, en forma de: ‘I don’t love NY’. El tamaño de sus pinturas y su profundidad dotan a la obra de una presencia enigmática y fascinante que destaca gracias a la particularidad que le otorgan los colores: blanco, negro, azul y rojo. Bignon se esfuerza en mostrarnos su propia visión sobre la cultura americana, destacando la incoherencia, la decadencia urbana y la lucha por la supervivencia de una sociedad relativamente joven e inexperta en la que, sin embargo, el hecho de crear es constante. La veintena de piezas que podemos observar en esta muestra intentan desenmascarar una sociedad en la que proliferan las escenas y los momentos “take away” y “fast food” que desgraciadamente estamos importando. De igual modo, el artista norteamericano James Rosenquist ya advirtió el futuro consumista de esta sociedad así que lo incluyó en su modus vivendi y en su proceso artístico: “pienso que tenemos una sociedad libre, y la acción que se produce en esta sociedad libre permite traspasar límites, como una sociedad comercial. Así que me preparé, como un anunciante o una gran empresa, para esta inflación visual de la publicidad comercial, que es una de las bases de nuestra sociedad.”

En definitiva, el título ‘I Don’t Love NY’ juega irónicamente con las palabras como un flash, es decir, se trata de una estrategia de seducción visual, invitándonos a vivir y retar al mismo tiempo al famoso sueño americano. Finalmente, aunque estemos atrapados en una sociedad capitalista cegada por la fiebre consumista, el arte ofrece a nuestro artista la posibilidad de utilizar los materiales que le liberan y alejan de la globalización.

Alejandro Mañas: Misticismo

2011-06-01T05:53:00.000-07:00

Las telas de Alejandro Mañas son un proceso en sí, un estado, un reflejo sin una referencia directa al mundo percibido visualmente, es decir, son paisajes místicos, propios del ser humanos interior. En sus obras podemos apreciar cómo el artista se sumerge en un estado de éxtasis místico en busca de nuevas experiencias estéticas, que enriquezcan su propio yo.

Alejandro crea su propia realidad: paisajes pictóricos cuya tensión formal procede del contraste entre los espacios vacíos y silenciosos y las configuraciones dotadas de forma, entre lo positivo y negativo, entre azar y orden, libertad y control, realidad y ficción. Algunas de sus obras son totalmente enigmáticas, que se escapan de una explicación racional, aunque parecen aportar el testimonio de existencias vividas en un pasado lejano. Da rienda suelta a lo improvisto de las materias, libera el lienzo a través de manchas que se guían por el azar y la aleatoriedad del gesto, rechazando de algún modo el dibujo y el control minucioso de la concepción pictórica tradicional. Es una obra autónoma que el espectador debe interpretar libremente. Aunque, en un principio, pueda suponer un esfuerzo arduo para el público descifrar su mundo interior, finalmente el observador se sumerge en él.

Estos paisajes místicos que presenta, a menudo oscuros, aparentemente monocromos, están atravesados por una gama de colores muy significativos. Sus cuadros parecen apartados del contexto del tiempo presente, poseen una extraña serenidad y dignidad a la vez que excentricidad y movimiento que desencadena en una reacción natural ante los enigmas del universo. Mañas deja que pincelada tras pincelada fluyan sus convicciones y sentimientos sin trabas en una energía en blanco, negro, amarillo y rojo, compuestas por formas desordenadas. Se podría decir, que fabrica signos para transmitir significados, otorgándole así un sentido trascendental a sus tramas.

La tela se presenta ante el artista como un campo sin límites, en el que brotan paisajes desconcertantes mediante trazos cargados de expresividad. Su trabajo se caracteriza por la espontaneidad del gesto, el automatismo, el empleo expresivo de la materia, así como la inexistencia de ideas preconcebidas; la experiencia de lo no hecho hace nacer la idea. La obra misma es el lugar y el instante, la finalidad del momento se sustenta con el impass creativo. Es como si en lugar de expresar sus impulsos íntimos en el área de la pintura, ordenara inconscientemente el plano en forma de vastos paisajes expansivos, a menudo vacíos, y formas simples y generosas que han recibido una estructura desordenada. Así pues, se establece un dualismo entre blanco/negro y amarillo/rojo, identificándose con lo positivo y lo negativo, la luz y la oscuridad, la visión o la ofuscación, aprehensión visual o la negación del espacio en el que se produce. El blanco y el negro representan a lo largo de la historia del arte la negación del color. Mientras que el rojo y el amarillo encarnan el color, la luz, la pasión, el calor, la energía, la fuerza, el amor…; y nos elevan a un nivel superior de consciencia.

Mañas consigue sumergirnos inconscientemente dentro de su misticismo de manera hipnótica, donde abandonamos nuestra consciencia y cedemos el paso al silencio majestuoso, solamente interrumpido por pinceladas eléctricas que nos devuelven al aquí y ahora, y nos obligan a afrontar la realidad. Las formas penetran insospechadamente en el plano pictórico desde el interior, tienden a superar los límites y a expandirse. Combina, así, una reflexiva inteligencia con una energía pictórica y una sensibilidad vulnerable. Gracias al movimiento que generan sus gestos circulares nos traslada a un espacio dominado y sublimado por espirales laberínticas que debido a la rapidez de su ejecución acaban convirtiéndose en manchas chorreantes, casi sangrantes. Da rienda suelta a la dejadez del trazo y al azar, a la improvisación y a la liberación sublimada del inconsciente.

La dualidad mística entre cuerpo y mente también la refleja mediante su propio cuerpo, concretamente, a través de su rostro fotografiado, que convierte en el escenario perfecto para representar su campo de acción: actúa, destruye, reconstruye, rasga, tacha, mancha, corta… gracias a líneas nerviosas, manchas y elementos punzantes entre otros muchos elementos con los que manipula su realidad más cercana para transformarla en otra más mística e inexplorada; totalmente ajena y desconocida, pero que logra provocar en nosotros un mayor interés. Es como si a través de la tortura y la flagelación que recibe su cuerpo, analizase las tensiones que le rodean para descubrir las diferentes personalidades que le son desconocidas y que habitan en su subconsciente alcanzando así un estado de gloria, de proximidad con lo etéreo y de gracia eterna. Alejandro vive su misticismo a través del arte gracias a su pasión y fascinación por los santos y sus martirios como podemos apreciar en sus pinturas; él mismo apunta que: “después de la experiencia mística quedo como San Sebastián, como joven desnudo, atado, melancólico y con manos atadas, sin poder hacer nada. Y, cómo no, con flechas clavadas en mi corazón y mi cuerpo como las de Santa Teresa y San Sebastián que consumen mi cuerpo. No hay más hermosura de santos que ellos dos, junto con la literatura de San Juan de la Cruz”. Mañas juega con la realidad, hace desaparecer la imagen conjuntamente con la identidad que ésta forja en nuestra sociedad mediante elementos tanto banales y profanos como religiosos y filosóficos, que introduce de forma, a veces, violenta, para transformar lo racional en irracional y lo lógico en ilógico. Desata así su ‘yo’ más profundo y, con él, el halo de misticismo que nos circunda.

En Misticismo, el artista consigue plasmar sus experiencias y su modo de ver, sentir y experimentar la vida arrastrando las sensaciones a límites extremos bajo formas aleatorias para agudizarlas y transformarlas en un acto espiritual de carácter místico frente al aletargamiento profano de nuestra sociedad.

Pilar Beltrán: Otredad Contrastada

2011-05-29T09:31:00.000-07:00

El trabajo de la artista castellonense Pilar Beltrán ha estado directamente condicionado por la relación entre su lugar de origen y su lugar de residencia. Durante estos últimos años gran parte del tiempo, ha vivido en el extranjero y, este hecho ha inspirado trabajos que hablan del sentimiento de pertenencia -a un lugar, a una cultura, a un núcleo familiar, etc.-. Este sentimiento, acentuado por largos periodos de tiempo y la distancia, se convierte en constante reivindicación de la propia identidad de nuestra artista. Paralelamente, y motivadas por esa condición de ser otra persona que uno adquiere cuando vive en un lugar ajeno, surgen una serie de obras -comprendidas bajo el titulo ‘Other Journeys’- que reflexionan sobre los movimientos migratorios actuales, sus características y sus repercusiones sociopolíticas a nivel local.

Concretamente, la exposición que se podrá visitar en la galería Cànem hasta el 17 de junio, recoge dos trabajos realizados entre los años 2009- 2011, bajo el título ‘Colegio Público’.

La instalación ‘Colegio Público, I’, es un retrato colectivo actual de un grupo de alumnos de preescolar de un centro público. La pieza refleja el grado de multiculturalidad que en pocos años ha alcanzado la sociedad española y espacialmente la de la Comunidad Valenciana. Tanto las imágenes de los niños como el comentario que se incluye entre los retratos (recogido de una de las madres de los escolares) o los mapa mundi le sirve a Pilar para contrastar el paisaje de un colegio público de nuestros días con la realidad de los colegios de hace 35 años, donde ella misma estudió. Así pues Beltrán profundiza en la diversidad cultural que nos rodea en la actualidad así como también desafía la desaparición del sentimiento de ‘otredad’ de estos niños que nacen y viven integrados en nuestra sociedad.

Pilar pone al descubierto un juego entre homogeneidad y heterogeneidad, es decir, una de las piezas recoge un retrato colectivo de su grupo de ex alumnos fotografiados casi todos en su lugar de trabajo actual. Pese a la homogeneidad de origen (todos españoles nacidos en Castellón y en su gran mayoría residentes en esta ciudad), el retrato nos devuelve una visión plural y heterogénea. Por el contrario hoy en día en el mismo colegio donde ella estudió, 35 años después aparece un grupo de niños totalmente heterogéneo proveniente de ámbitos y nacionalidades diferentes bajo una misma identidad que nos remite a un halo de homogeneidad cultural.

Para llevar a cabo este proyecto Pilar parte de una fase previa de investigación y documentación, en la que ha sido imprescindible una labor de búsqueda y localización de sus antiguos compañeros de clase, no sólo a través de vínculos todavía existentes entre algunos, sino también mediante consultas a expedientes académicos así como el uso de Internet y sus redes sociales. Se incluye también dentro del proyecto toda fase de documentación como por ejemplo los planos locales en los que se detalla específicamente dónde ha sido realizado cada retrato y la relación de ese punto con el colegio donde los participantes coincidieron años atrás.

Junto a ‘Colegio Público, I’ se puede contemplar también ‘Colegio Público, II’ aunque es todavía una obra en proceso de desarrollo que consta en la actualidad de unos 55 retratos. Beltrán quiere aprovechar la oportunidad que esta exposición en la galería Cànem representa para reunir de nuevo a los participantes y seguir localizando y fotografiando a aquellos que todavía no ha logrado encontrar. Se podría decir, que Pilar está tejiendo su propia red social a través de las diversas conexiones que ha restablecido mediante su análisis de búsqueda. Es importante distinguir red social o redes sociales de los "servicios de red social" como Facebook, entre otros. Las redes sociales como campo de investigación tienen unos campos de aplicación mucho más amplios que los de los "servicios de red social" que hoy están tan de moda. Así pues, la red que ha creado Pilar es una forma de interacción social, definida como un intercambio dinámico entre personas, grupos e instituciones en un contexto concreto. Un sistema abierto y en construcción permanente que involucra a conjuntos que se identifican con un mismo punto de partida en el largo camino de la vida, el mismo centro escolar. Con todo, la conexión de los diferentes alumnos permite sobre la artista permutas que de otra manera podrían ser difíciles de concebir y genera nuevos vínculos de igual manera que refuerza los ya existentes.

Patrick Borchers: Protestmelody

2011-05-19T08:55:00.001-07:00

Zona de Artes Visuales presenta bajo el título de Protestmelody la exposición del artista alemán Patrick Borchers. Se muestra un proyecto con carácter reivindicativo, en el que se ponen de manifiesto los movimientos de protesta que se han llevado a cabo alrededor del mundo en poco espacio de tiempo. Este artista maneja sorprendentemente la información, la mira y la destruye reconstruyéndola bajo su propia perspectiva a través del dibujo, el video y la escultura. El visitante se enfrenta ante un espacio diáfano casi etéreo de lo más minimalista que contrasta con el ambiente propio de las manifestaciones en las que predomina el ruido y la aglomeración de gente. Por lo que Patrick juega con fuerzas contrarias, es decir, crea un juego totalmente paradójico entre el ruido/silencio y entre la aglomeración/vacío.

En su instalación deja rienda suelta a la propia protesta bajo una pancarta en blanco sin dejar de destacar la bandera que siempre encabeza las manifestaciones, en este caso verde, color típico de la religión musulmana –haciendo referencia a las revueltas ocasionadas en oriente medio-. Al conjunto le acompaña un banderín rojo, color que representa la fuerza y la pasión con la que se llevan a cabo estas manifestaciones. Para acabar coloca una serie de chapas representativas alrededor del suelo simulando las riadas de gente participantes en dichas protestas junto a unas balas de papel con diferentes signos, a modo de iconos de las diferentes caracteres de las manifestaciones: económicas, culturales, socio-políticas, etc.

De igual modo, los dibujos que acompañan la instalación dejan trazos vacíos para que sea el visitante quien trabaje para alcanzar la propia experiencia, cada uno se encarga de concluir y recapitular la información que el artista nos facilita. Por lo tanto, estamos hablando de un trabajo conjunto entre artista y visitante. Su dibujo es igualmente muy limpio y diáfano, se podría incluso considerar lírico, ya que perfila siluetas que contrastan con la afluencia multitudinaria de las manifestaciones.

En la exposición destaca también el video, sin sonido que contrasta una vez más con el motivo principal de protesta, en él tan solo se ve a un hombre alzando una bandera roja en señal de protesta y revolución en lo alto de un árbol, es como si el artista creara un espacio especialmente para que el visitante alzase su propia voz.

El punto de partida para su obra gráfica es la prensa diaria así como las imágenes y videos que circulan por Internet. Su mirada se centra en la experiencia individual extraída de ciertos individuos y grupos, como podemos apreciar en Protestmelody, donde su mirada se concentra exclusivamente en las distintas manifestaciones que tienen lugar en diferentes culturas y países. Por lo que su percepción se desarrolla en el ámbito socio-político, en el que cuestiona de forma controvertida la información que manejan y ofrecen los medios de comunicación en nuestro día a día.

Su trabajo se centra en la percepción individual obtenida de ciertos individuos y grupos, reduciendo su contexto espacial original y comprimiendo la apariencia a simples líneas. El dibujo se desarrolla bajo un procesamiento gráfico, como uno más de los medios de los que se sirve Borchers para subrayar su cometido artístico-social, mediante la manipulación de la fotografía principalmente como uso de herramienta. Generando así un espacio entre la catástrofe y el espectador y creando la distancia necesaria para que podamos analizar los hechos expuestos recurriendo a nuestros conocimientos previos.

Borchers combina diversos enfoques ofreciendo al espectador diferentes lecturas, que pueden completarse con la narrativa lineal que traza con su discurso narrativo. Así pues, dispone una concatenación de diferentes formatos en hojas sueltas que se colocan en la pared de manera libre y asimétrica, otorgando cohesión y, englobando una individualidad parcial dentro de un conjunto. El artista dirige el ojo del espectador a los detalles específicos que capturaron sus retinas deteniendo por un instante la imagen que ha decidido mostrarnos. Con todo, sus dibujos constituyen una lectura compleja, por un lado debido a las continuas asociaciones que debemos entrelazar, que sin lugar a dudas, aumentan nuestra conciencia sobre ciertos aspectos, pero por otro lado, resulta un proceso de lo más constructivo.

Recapitulando, para él la investigación artística es el hecho artístico en sí mismo, de ahí que presente fragmentos de videos, imágenes o fotografías trazando nuevas y divertidas redes lineales. Así pues, la secuencia narrativa se forma a través de la transición de elementos descompuestos parcialmente para que puedan ser reinterpretados por el espectador que se encuentra nadando a contracorriente.

Patrick crea la autenticidad del yo, transforma lo simbólico y formal mediante una maraña de superposición de capas de imágenes, que mediante el proceso artístico mutan su significado y lo codifican consciente o inconscientemente.

Tercerunquinto: Plusvalía artística

2011-04-24T02:51:00.000-07:00

La exposición ‘Otros Fueros’ que el EACC inauguró el pasado 15 de abril es una acción continua, un proceso en sí mismo, es decir, es un proyecto muy ambicioso a la par que complejo del grupo mexicano Tercerunquinto, compuesto por Julio Castro, Gabriel Cázares y Rolando Flores. En el que se deja entrever el entramado artístico que gira alrededor de un proyecto, digamos que los artistas nos empujan a mirar por una ventana entreabierta dentro del mundo del arte. Posicionan al espectador como ‘flâneur’, deambulando por la sala bajo una mirada voyerista ante el desconocido y morboso mundo del arte. Tercerunquinto nos brinda la oportunidad de experimentar como nace y se desarrolla la idea, de construir y establecer una relación conjunta en el ámbito artístico. Incorpora al ciudadano de a pie dentro de la ecuación, como elemento principal e indispensable del proyecto. Su obra crece y se desarrolla gracias a comisarios, galeristas, visitantes, es un arte vivo, en movimiento, etc., o sea, es imposible obtener un resultado exacto sin la peculiaridad y la participación de todos ellos. Es imprescindible la intervención de una mano ajena que se involucre dentro del proceso de gestación. En palabras de Tercerunquinto: “Nos percatamos que estas obras podían ser el resultado de un proceso de creación que involucraba directamente a las personas por cuyas manos pasaran”. La obra en sí es un transcurso, no hay principio ni fin puesto que se reelabora, se rehace y se reinventa, a través de ediciones como podemos apreciar con la segunda edición de ‘Proyecto para el Museo de Arte Álvar y Carmen T. de Carrillo Gil’ bajo la supervisión de Daniel McClean o, con la segunda edición de ‘Vecindad’ propuesta por Álvaro de los Ángeles y la cuarta edición de ‘Guardarropa’ dirigida por María del Carmen Carrión. Estas ediciones o versiones fluctúan gracias a la genial idea de invitar a tres curadores para que cada uno de ellos conceptualice la información de tres de las seis obras seleccionadas para exponer en el EACC, de esta forma se comparte el mismo espacio expositivo donde se presenta conjuntamente toda la documentación pertinente a las primeras ediciones. Consecuentemente el resultado de estas propuestas por parte de los curadores han sido absorbidas por el cuerpo de obra de Tercerunquinto, lo que conlleva que toda documentación puede ser prestada para exposiciones futuras, publicada en cualquier tipo de medio editorial y comercializada como lo que realmente son, ediciones.

De la misma manera que implican al curador integrándolo en el proceso, también hacen uso de la figura del galerista y coleccionista con su obra ‘Borrador’, en la que tras finalizar el dibujo le piden al galerista que lo borre y haga desaparecer cualquier rasgo indicativo de lo que contenía originariamente. De igual modo también se le solicitó que guardará el secreto hasta que fuese vendida a un coleccionista, al que únicamente se le podía revelar el contenido gráfico de la obra que había adquirido. Finalmente el coleccionista sería la única persona con derecho a informar a cerca de su contenido.

Apreciamos en toda su obra un hilo conductor que sin duda nos sitúa entre bastidores, a través de esta exposición se nos brinda la oportunidad de ver el trabajo que existe detrás de toda exhibición. Los temas que acoge y trata Tercerunquinto siempre tienen relación con lo socio-económico, se pretende denunciar y concienciar de la situación actual tanto en su contexto socio-político como artístico.

Tercerunquinto forman de esta manera un entramado con redes procedentes de diversos ámbitos donde actúan libremente bajo dinámicas muy heterogéneas.

Entre todas las obras aquí expuestas, en mi modesta opinión destacaría ‘Otros fueros’ creada e ideada exclusivamente para el EACC, donde sus artistas, una vez más, nos sorprenden con su singular y original planteamiento, puesto que nos invitan a rellenar una solicitud para recibir la información de dicha obra. Sólo así podremos desvelar el misterio que se esconda tras esta particular acción de Tercerunquinto, en la que de nuevo implica al visitante y al centro conjuntamente para desarrollar y obtener el contenido, es decir, el resultado final. Es un juego de relaciones y redes constantes; sin lugar a dudas, es una exposición que invita a la reflexión.

Sin olvidar que una vez más el EACC invita a los artistas a colaborar y a integrar tanto a los ciudadanos como a la ciudad en un proyecto conceptualmente vanguardista.

Graffiti (I)

2011-03-17T08:26:00.000-07:00

Lo último que muchos piensan cuando se habla de graffitis es que sean obras de arte. Pero debo deciros que el arte se manifiesta de formas muy diversas y que toda forma de expresión tiene una razón de ser, un por qué, un cómo y un dónde......

El graffiti se asocia a la era de la globalización, es un arte principalmente de protesta, reivindicativo con fines concretos. Se pretende llevar, trasladar el arte a las calles, al alcance de todos y, para todos. Los artistas salen a luchar con sus sprays intentando conquistar ese espacio suburbano público que reivindican. Es un nuevo medio de comunicación no institucional, que se suele realizar sobre soportes móviles (trenes, coches...) e inmóviles (paredes, persianas...) de carácter lúdico, político, etc.

Lo curioso del tema es que su usuario sabe que esta transgrediendo la legalidad por lo que siempre suelen utilizar seudónimos o mantenerse bajo el anonimato.

Un graffiti no se limita solo a un “pintada” de índole política o publicitaria, sino que suelen ser escritos y declaraciones más personales: declaraciones de amor, amenazas, desafíos, emblemas, etc., que intentan por encima de todo testificar, constatar la presencia del graffitero en un lugar determinado.

Esta corriente nace en las ciudades, sobretodo en New York, más concretamente en el metro neoyorquino, durante la década de los años ochenta (abriendo galerías especializadas en su venta, y en 1989 abriendo en la ciudad el Museo del Graffiti americano). Las primeras figuras más conocidas del graffiti fueron Jean-Michel Basquiat (1960-1988) y Keith Haring (1958-1990); los cuales gozaron de una extraordinaria fama internacional en sus cortas carreras.

En Valencia eran muy conocidos los graffitis del barrio del Carmen, y en Barcelona a pesar de que ahora también han sido destruidos, podíamos observar grandes graffitis en el muro que rodeaba el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), que incluso llegó a incluir visitas guiadas por las calles para mostrar los graffitis más famosos de la ciudad.

Lo primero que tenemos que tener en cuenta es saber distinguir un tag de un graffiti. La mayoría de los artistas graffiteros reconocidos a nivel nacional e internacional respetan la propiedad privada y tienen una visión artística lejos del acto vandálico de las famosas firmas o tags que realizan la mayoría de adolescentes intentando reafirmar su autoestima. El tag si que podríamos considerarlo una “pintada” con un cierto tono, mas despectivo. Mientras que, consideramos graffiti a la obra de arte urbana que se interrelaciona con el ambiente, respetando una unidad estética y un cierto rigor artístico. Es decir, intentan ubicar la obra de forma que quede enmarcada y englobada dentro del “paisaje urbano”; hay una composición plástica, un aspecto reflexivo, un objetivo, un deseo bien construido, ligado y distribuido, casi siempre, en forma reticular que da consistencia y forma, creando una estabilidad organizada y armonizada con el entorno.

Este nuevo movimiento artístico viene acompañado de toda una corriente estética. Destacamos el ritmo, que nos proporciona la música de protesta -HIP-HOP-, o, la indumentaria; la mayoría visten con ropas anchas que les permiten una mayor comodidad a la hora de pintar, anchas y largas, donde la gorra o las sudaderas con capuchas se convierten en el complemento fantástico a la hora de pasar desapercibido. Sin olvidarnos de la bicicleta y el skate que siempre están presentes para facilitar la fuga a la hora de salir corriendo.

Los graffiteros practican un arte donde la improvisación y la rapidez son fundamentales. Es un arte de riesgo debido a las condiciones en las que trabajan a la hora de pintar. Me refiero a las posturas incomodas, el olor y el nivel toxico de los sprays, a la poca iluminación y al poco tiempo del que disponen.

Puede realizarse en solitario o en conjunto, la mayoría de graffiteros suelen improvisar respecto a la ubicación y el espacio del que dispongan pero siempre tienen una idea preconcebida de lo que tienen pensado plasmar.

Hay que tener en cuenta que el MOMENTO es el entorno que les da vida.

Los materiales empleados suelen ser principalmente tres: el aerosol, el spray y el rotulador de punta gorda que ayuda a enmarcar o delimitar, ya que en el graffiti se remarca y se enfatiza mucho, donde destaca la sintaxis gráfica. Una sintaxis abierta, que se reorganiza, que cambia, animada, en definitiva, viva.

El graffitero al contrario que los pintores de caballete emplea todo el cuerpo como haría también J. Pollock (1912-56) a la hora de pintar, espalda, cadera, rodilla, tobillo, pie, brazos, manos....que se funden con el ritmo de la música dando lugar a lo que hoy se podría considerar una performance.

En el graffiti destacan los colores planos con los que se intentan formar distintos planos a modo de perspectiva y, elementos de contraste gracias al juego de colores y formas influenciados por el cómic, la caricatura y los dibujos manga.

Es muy habitual la conjunción de imagen y escritura, es decir, la imagen siempre suele ir acompañada de un mensaje escrito y de una firma que reivindica y conquista territorio. Se pretende difundir un mensaje. Por este motivo, también podríamos relacionar el graffiti con el arte de la caligrafía.

Aunque como todo, el graffiti evoluciona y poco a poco desaparece de las calles y se acomoda en prestigiosas galerías. Hoy en día, a nivel nacional y me atrevería a decir internacional, existen diversos graffiteros como El xupet negre, que abandonan las calles y empiezan a comercializar su arte. Atrás quedaron las serenatas nocturnas con spray en mano para dejar paso a lo que él concibe como LOGOART.

Se trata de expandirse, de comunicarse y de ser reconocido, y no hay nada más fácil de reconocer que una misma imagen -un logo-, a modo de marca. El xupet negre entrelaza el mundo del diseño grafico, con el de la publicidad, creando su propio personaje que repite de mil colores, influenciado por las señales.

De por si, el graffiti es una técnica agresiva, así pues, El xupet negre suele utilizar colores suaves pastel y una temática no violenta con un símbolo antirracista como puede ser su chupete. Según él, el chupete es un objeto utilizado por todos cuando somos pequeños que no conoce fronteras, que reconocen niños y adultos, y con el que se podrán identificar millones de personas.

Sin olvidarse nunca de su firma, porque es lo que le da fuerza e identidad: xupakí!!

Abandonó los sprays caseros por los famosos sprays de la marca Montana, que lo patrocinan; y abandonó el mundo urbano, ruidoso y conflictivo donde nacen los graffitis por la tranquilidad de las montañas donde se dedica a hacer snowboard y pintar graffitis en pancartas de publicidad abandonadas en silencio.

El propio xupet negre contaba como poco a poco ha empezado a comercializar su arte plasmándolo en camisetas, pegatinas...que se difunden y se expanden bajo el mismo símbolo o logo, verbal e icónico.

Pero sin duda, uno de nuestros graffiteros de índole más internacional es SUSO 33, quién también expone actualmente en galerías de arte. Su obra va más allá, del mero street art, también lo podemos relacionar con la performance. Su obra construye una interrelación entre lo que está dentro y fuera del espacio público, entre escultura y graffiti. Es un arte de ocasión, del momento, no de la memoria, por lo tanto es un continuo devenir...

Si os interesa conocer más cosas acerca de estos artistas sólo tenéis que visitar sus páginas web: www.elxupetnegre.com // www.suso33.com o, consultar algunos libros acerca de graffitis, os aconsejo: Barcelona 1000 graffitis (2005) de Rosa Puig Torres, La piel de Barcelona, Graffitis y Murales (2006) de Juan José Fernández, Street’ Art (2005) de Louis Bou, etc.

Avantguardes

2011-03-14T03:50:00.000-07:00

¿Qué entendemos por salud cultural? En el artículo ‘Un centre per a la reflexió: l’EACC’, Eric Gras apunta que la existencia de centros como el Espai d’Art Contemporani resulta fundamental para la salud cultural de un país, gracias al diálogo que se estable entre el ciudadano y el arte. Hoy en día los centros y la promoción y difusión de los mismos se han vuelto casi de vital importancia para las ciudades. Un ejemplo de ello es la localidad de Perm --de menos de un millón de habitantes situada en los Urales--, que se ha convertido en un modelo contemporáneo del desarrollo cultural. ¿Cuál es el secreto? según Marat Guelman --director del museo de Perm--, “crear una red que dé un perfil que se ajuste a las necesidades de cada ciudad porque la cadena museística Guggenheim produce McDonald’s culturales”. Así pues, Perm ha logrado reducir la emigración e inundar las calles de arte.

Para entender un poco mejor todo esto deberíamos remontarnos a las corrientes desconstructivistas heideguerianas y derridianas --de Heidegger y Derrida, se entiende--, es decir, se debe descentralizar, si consideramos al país como un todo, un organismo. Por tanto, cada ciudad sería un órgano con una función determinada, por lo que cada ciudad debería tener su propio rostro. Y eso es, exactamente, lo que se está intentando llevar a cabo en la capital de la Plana con centros como el EACC --según resalta el propio Gras en su texto-- o galerías como la ya histórica Cànem, que abogan por un arte contemporáneo con carácter propio.

Una evolución

Poco a poco hemos ido evolucionando y construyendo unos pilares sólidos en cuanto a calidad artística. La propia galerista Pilar Dolz comenta qué tipo de arte pretendían mostrar cuando inauguraron en 1974 la galería Cànem: “un arte cercano a nosotros, el de los artistas expectantes de la novedad en una ciudad dormida a las innovaciones de los nuevos lenguajes artísticos”. Hoy parece que esa ciudad dormida se está despertando del letargo y cada vez más se interesa por el arte. Quizá, a pesar de que el camino haya sido arduo, finalmente Cànem ha conseguido su propósito de convertirse en un puntal fundamental desde donde contemplar la vida a través del arte.

Por otro lado, Manuel Alegre afirma que “no basta con que haya buenos artistas en Castellón, sino que es necesario un mensaje crítico comprometido, ambicioso y poderoso, unos medios de comunicación que apuesten por la renovación y la excelencia, una buena red de galerías, de centros de arte, de museos y colecciones con contactos internacionales que puedan potenciar la producción, la difusión y los intercambios entre artistas, etc”. Solo puedo darle la razón, aunque difiero cuando dice que en Castellón no existe ese mensaje crítico comprometido, o existe en condiciones precarias o frágiles. En este sentido, me gustaría añadir a lo dicho anteriormente por Alegre que Castellón va por buen camino. Asimismo, debemos valorar de forma muy positiva el esfuerzo de algunas personas, instituciones, galerías y medios de comunicación para llevar a término un proyecto de tales características. Por el momento, y a mi entender, contamos con el Espai d’Art Contemporani y con Cànem a la cabeza indiscutible, gracias a su labor socio-cultural en la que promueven a artistas a nivel local, nacional e internacional, incrementan las redes sociales y construyen conexiones con diversos centros, museos y galerías del resto de España y del mundo favoreciendo, de este modo, el intercambio entre artistas bajo el criterio unánime de absoluta calidad. Una calidad que se encuentra también en aquellos jóvenes que pasan, año tras año, por las aulas de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló, aunque muchos castellonenses no lo crean o no se hayan dado cuenta aún.

Para profundizar en estos planteamientos y muchos más, Cuadernos recomienda leer ‘Avantguardes’, una revista que edita la asociación cultural Colla Rebombori y que se presentará en sociedad el próximo 17 de marzo en la librería Babel de Castellón. La publicación cuenta con la participación de Josep Miquel Carceller, Rosalía Torrent, Eric Gras, Pilar Dolz, Miquel Gómez, Francesc Aguilar i Domenjó, Vicent Vidal y Alain Campos, José Antonio Arias, Miquel Monar Mañez, Rafale Ballester Añón, Jaime Giménez de Haro, J. Enrique R. Collado, Amat Bellès, Antoni Albalat, Àlex Doménech, Sergio Abad, Porcar Queral, Xipell, Rozable Gumbau González, Manuel Garcia Grau, Manuel Alegre y Mª Àngels Pons y Ferran Aparisi.

Para concluir quisiera resaltar la frase del novelista americano Thomas Louis Berger que nos introduce en estas ‘Avantguardes’: “¿Qué es el arte, sino una manera de mirar?”. Precisamente eso es lo que pretenden desde la Colla Rebombori, analizar y descubrir el arte mirando a través de nuestra tierra, de Castellón.

Mujeres

2011-03-09T10:03:00.000-08:00

"Aborrezco la sola idea de que alguien pudiera entrar en la sala y reconocer el sexo del pintor. El sexo del pintor es algo que no interesa para nada cuando miras una obra de arte”, dijo una vez la artista estadounidense Susan Rothenberg. No podría estar más de acuerdo. Por otro lado, ¿porqué cuando se habla de arte de mujeres lo etiquetamos directamente de feminista? En mi modesta opinión el arte es de género neutro. La mayoría de personas que visitan un museo ni siquiera se para a preguntar si la obra fue realizada por un hombre o una mujer. De igual modo, muchas veces se sorprenden cuando en pleno siglo XVI el rey Felipe II de España tenía a la italiana Sofonisba Anguissola como pintora de la corte. No sé muy bien el porqué, pero para muchos una obra solo puede ser de una mujer si reivindica el género femenino. Pues bien, yo considero más oportuno reivindicar el criterio de calidad artística.

A lo largo de toda la historia del arte han existido y existen mujeres artistas que, cada vez más, construyen su propia historia, como fue el caso de la canadiense Agnes Martin. Martin se caracteriza por la melancolía de la perfección --artísticamente hablando--. Según dice la propia artista, “mis cuadros no tienen tema ni espacio ni líneas ni ninguna otra cosa: carecen de formas. Son ligeros y giran en torno a la fusión y el amorfismo, a la disolución de formas”. Su idea fundamental, su perfección, radica en el número de líneas determinado con precisión basado en antiguas leyes de armonía. Agnes, como artista, siguió trabajando en su investigación centrándose, casi exclusivamente en su última etapa, en las líneas horizontales manteniendo siempre el mismo formato, añadiendo un ligero espacio oscuro entre el marco de metal y el lienzo. Del mismo modo Sherrie Levine, famosa por impulsar el estilo ‘appropriation art’, señala “como Brancusi, me interesa lo corpóreo y sensual, pero también lo imprevisible y lo inestable. Me gusta el aura de lo accidental, como me gusta la repetición porque lleva consigo una secuencia sin fin de sustitutos y encuentros malogrados”. Levine se caracteriza por el carácter fetichista a la vez que utilitario de los objetos de arte, el juego entre original y originalidad, la naturaleza y el valor del artículo único y excepcional con el de las series. Otra artista singular, reconocida dentro del movimiento ‘Op art’, es Bridget Riley quien afirma que “tratar imágenes del pasado como documentos históricos o una prueba de conceptos ya trasnochados es un error: son soluciones específicas los problemas artísticos del momento y eso es lo que los hace todavía interesantes hoy día”.

Tanto Rothenberg, Martin, Levine como Riley son artistas con una línea de investigación propia, que poseen inquietudes y su arte reside en eso, en descubrir y trabajar en su propia introspección como artistas.

¿y Castellón?

Aquí en Castellón contamos con artistas de la talla de Mar Arza, quien en su última exposición con la galería Cànem --’Enciclosofía’-- anhelaba despertar en nosotros un bagaje cultural y emocional adormecido. Asimismo, proclamaba la necesidad de sentir el ritmo de las emociones y los placeres del ser humano. En definitiva, la experiencia que se adquiere con el paso del tiempo y el cúmulo de sensaciones y vivencias que registra el ser.

Rossana Zaera también nos sorprendió en noviembre con su exposición ‘Resiliencias/Cajas de memoria’, en la que aboga por una obra que invita al espectador a la introspección, a la reflexión, a tomar conciencia del ciclo de la vida. El ser es movimiento o es nada, posee gran capacidad para avanzar, adaptarse y superar cualquier adversidad y aprender mediante la experiencia a lo largo del transcurso de la vida. Zaera nos hablaba de la facultad de los seres vivos para sobreponerse de cualquier contratiempo.Tampoco habría que olvidar a Maya-Marja Jankovic que maravilló en la pasada Nit de l’Art de Castelló con la inauguración de su proyecto ‘4+1’, una obra multimedia interactiva, en la que pude participar como muchos de los visitantes que no dudaron en aventurarse, totalmente receptivos, a las nuevas vías de comunicación artísticas. Su proyecto en sí es un intento de relacionar y penetrar en la comunicación y el entendimiento interhumano de la civilización. Se aúnan, así, los flujos biológicos y los culturales, como fenómenos indisociables que se forman mediante la conjunción básica del ser humano.

Cabría destacar también la exposición que este mes de enero tuvimos la oportunidad de visitar en el Centre Municipal de Cultura de Castelló. ‘Confluències’, de Altea Grau, giraba entorno a la confluencia. Dicho de otro modo, ideas, circunstancias, propósitos, recuerdos, búsquedas y deseos que con el paso del tiempo coinciden en un mismo fin, como un paraje donde confluyen los caminos, los ríos y otras corrientes de agua que desembocan en el mar.

Otras artistas que están surgiendo dentro del panorama artístico valenciano y que tienen una estrecha relación con Castellón son las hermanas de Art al Quadrat --Mónica y Gema del Rey Jordá-- cuya obra se basa en las cosas que les rodean: la familia, la memoria, los problemas de la ciudad, de las personas, los países en los que han vivido... Su arte es un reflejo de lo cotidiano, lo pequeño y lo invisible, es decir, logran rescatar del olvido y evidenciar aquello que a primera vista pasa desapercibido ante nuestros sentidos.Todas ellas son mujeres que crean arte. Un claro ejemplo de que nuestras artistas están marcando su propio territorio en el mundo actual en el que el arte debe concebirse como la afirmación de un único individuo --independientemente se su género--.

Agustín Serisuelo: In Memoriam

2011-02-26T12:42:00.000-08:00

“Los arquitectos construyen, los artistas destruyen” afirma el artista y teórico estadounidense Dan Graham.

Agustín Serisuelo se caracteriza por ser un artista que explora las confluencias e interferencias entre la escultura y la arquitectura, que a su vez coinciden en la reflexión sobre el espacio y la posibilidad de generar nuevas realidades a través de la construcción. Aunque como creador busca en la arquitectura espacios internos más allá de la mera geometría construida. Para ello, realiza previamente dibujos y anotaciones sobre su libreta, que a la manera poussiana implica que concibe el dibujo como la imagen interior del proyecto.

In Memoriam es un proceso en sí mismo, una investigación, que a su vez genera una especie de narración gráfica y textual -a través de sus imágenes-, ya que explica tanto el transcurso de la obra como su contexto interno. Agustín en sus recorridos por la provincia de Castellón pretende descubrir espacios sin nombre, lugares ocultos y abandonados. No realiza intervenciones en edificios directamente como hiciera Gordon Matta-Clark, pero gracias a las fotografías que hace deconstruye el espacio, lo desplaza, lo secciona para luego reconstruirlo, lo que le permite materializar ideas sobre el espacio que intuye como una dialéctica personal, es decir, escoge y designa espacios del mismo modo que crea complejidad. Agustín fija en esta serie lugares no transitados y deshabitados –donde coexisten pasado y presente, destrucción y construcción-. Para ello primero realiza fotografías que son tomadas desde un mismo punto de vista como una sucesión de fotogramas y, después, a través del ensamblaje de éstas, reconstruye los lugares abandonados a partir de los fragmentos fotográficos. Se podría decir que la arquitectura funcionaría como un marco y la escultura es el resultado del vaciado. Descubre, así, dualidades o contrastes que refleja perfectamente en sus montajes fotográficos (vertical/horizontal, interior/exterior, vacío/lleno) resumiendo en términos de experiencia estética años de investigación y de planteamientos filosóficos sobre el espacio.

En sus fotografías la luz irrumpe transformando un inmueble abandonado en un templo- Esa luz nos invita a entrar, nos acoge y nos arropa con el calor de un hogar, puesto que toda casa vivida no es una caja inerte; el espacio habitado siempre transciende el espacio geométrico. Su obliga a re-pensar la habitabilidad del espacio contemporáneo transgrediéndolo como un intruso, forzando la mirada más allá de la mera funcionalidad, abriendo nuevas perspectivas y llamando la atención sobre rincones olvidados que escapan a la lógica capitalista bajo la que vivimos. De algún modo, establece una relación emocional con el entorno que le circunda, nos acerca una realidad desconocida prácticamente borrada de nuestra memoria; acentúa, así, nuestra capacidad de intervenir sobre ella.

Tanto sus ocho esculturas como la veintena de fotografías de que consta la exposición, revelan capas de información, historias de construcción, de habitar… El espacio actúa como un dispositivo de memoria, extrae de cada habitante sus pensamientos inconscientes y les da cuerpo. Hay que abrir la casa para que pueda recordar, hay que moverla para poner de nuevo en libertad los recuerdos. Eso mismo hace Agustín reconstruyendo la imagen; crea vacíos que originan movimiento y abre ventanas y puertas para que deambule la memoria.

Transforma el espacio interpretándolo, asimilándolo y ofreciéndonos nuevas perspectivas del mismo. In memorian rinde tributo a todos esos espacios marginados por nuestra sociedad, ya que con cada edificio que desaparece o se transforma se desvanece una forma ritual de vida, se silencian saberes y se apaga la luz de los lugares en los que habitaba la memoria y transitaba la huella del tiempo.

Reflexiones contemporáneas

2011-02-21T12:12:00.000-08:00

Si nos centramos en el concepto de -espacio de arte contemporáneo- que comenzó a surgir a finales de los noventa, es inevitable hablar de transmisión multidisciplinar, de laboratorio artístico -investigación, producción, formación, difusión- y, de cambio.

Con el surgimiento de espacios como el Espai d’art de Castellò, el Matadero de Madrid, el CCCB de Barcelona, el Radial System V de Berlín, Zona Attive de Roma… nos damos cuenta del giro que está sufriendo el mundo del arte, en el que lo importante es el proceso de creación en sí mismo y no la obra finalizada en sí misma.

Son espacios que se transforman y donde la interrelación entre ideas, proyectos, artistas, público,… se convierte en un laboratorio en continua efervescencia, en un centro multiartístico donde se conjugue tanto lo local como lo internacional de carácter tanto público como privado.

Es fundamental la idea de “reciclaje”, es decir, espacio que rescata, readapta y acondiciona un edificio abandonado como por ejemplo, el centro Centquatre de París que era el antiguo edificio de pompas fúnebres de la capital francesa. A partir de un espacio reconstruido se erige otro espacio totalmente alternativo dentro mundo del arte como lo conocíamos hasta ahora.

Lo que me lleva a reflexionar acerca de la formación artística, ¿existe la participación y el diálogo fuera del visitante especializado? Los centros como el Centquatre han sido atacados y tachados injustamente, de supermercados de arte o zoológico de artistas como bien comenta Paloma Palau en su artículo –Centquatre: Alternativa a la política cultural de vitrina en París-, cuando lo que realmente se pretende es romper las barreras que durante años se han construido con prejuicios, así pues, me parece apropiado y muy enriquecedor que se le exija al público que construya su propio aprendizaje, que fomente su experiencia y no simplemente consumir o contemplar las obras expuestas. Y para ello lo más importante es que el visitante tenga acceso al proceso de creación en sí mismo.

De igual modo es muy interesante la reflexión de Jacinta Negueruela en su artículo -Dolor y belleza en la creación contemporánea- acerca del dolor y la belleza en nuestra era. ¿Cómo representar el dolor? Y ¿la belleza? Cuando estamos rodeados de imágenes escalofriantes de guerras, desastres naturales, pobreza, etc. por un lado, y por otro de publicidad engañosa acerca del valor estético que se le ha otorgado a la belleza al día de hoy.

Cómo captar y plasmar algo como el dolor o el sufrimiento en el mundo contemporáneo, constantemente bombardeado con imágenes desesperadas y trágicas día a día, que nos impactan fugazmente y olvidamos a los tres segundos porque su dolor nos es ajeno. Cómo representar la belleza cuando nos marcan y nos dirigen las tendencias y nos intoxican con patrones establecidos. Nuestra sociedad y los medios de comunicación han destruido en cierta manera la capacidad de sentir y de experimentar, así como el factor sorpresa, vivimos inmunizados, hemos perdido la mirada inocente y pura de un niño.

Pero al mismo tiempo, cuando nos encontramos frente a cuadros de Bacon o Frida Kahlo, entre muchos otros, surge a relucir nuestra capacidad innata de sentir en carne propia el mismo dolor desgarrado y la desesperación que sufrió el propio artista. De igual modo podemos contemplar un cuadro de Cy Twombly e inundarnos en un universo de belleza poética.

Cada artista, ya sea pintor, escultor, escritor, etc., siente y refleja el sufrimiento de maneras diferentes, por ejemplo para Herta Müller el dolor vendría a ser un grito impotente en la atmósfera más asfixiante, mientras que Cioran expresa que solo la fealdad es indolora porque la belleza germina y vive acosada y rodeada del horror.

Así pues, Negueruela apunta en su artículo que todos los artistas se dirigen a lo otro, a lo no dicho, aquello ante lo que la palabra enmudece; por ejemplo, terror y belleza para Poe, dolor y belleza para Bacon, absurdo y belleza para Kafka, angustia y belleza para Müller….es decir, el dolor puede ser bello, y lo bello doloroso, surge lo que podríamos denominar -sinestesia poética-.

Patricia Bonet: Vibraciones electrizantes

2011-02-16T07:26:00.000-08:00

En Azul según la propia artista reside un significado subyacente que tiene más que ver con lo sensorial y lo emocional, algo más universal que nos conecta a todos y a todo. Difícil de intelectualizar. Se siente en el corazón o no se siente. Nos cuenta la experiencia diaria del transcurrir de los días, de los ciclos estacionales, de las transformaciones, de los ritmos, de las no casualidades, de la luz y de la oscuridad.

Azul representa el mar, la naturaleza, la libertad en sí misma que conecta con nuestra mirada interior, con nuestros orígenes casi olvidados evocando a la memoria, al recuerdo. Con todo Patricia se centra con esta serie en el estudio del color y su influencia sobre las emociones y el estado de ánimo. A través de unas pinceladas etéreas, y colores electrizantes, que vibran con la línea horizontal que predomina en toda la serie.

Se observa, sin duda, una serenidad placentera en sus trazos al óleo que crean una atmósfera equilibrada que nos transporta de inmediato al bienestar. Se podría decir, que plasma un instante inacabado, natural, libre y reposado que trae consigo la esperanza y el positivismo. Patricia pretende que descubramos lo extraordinario en lo ordinario, es decir, que veamos siempre la parte positiva de la vida, que nos emocionemos con los pequeños detalles, y por supuesto que desconectemos nuestra mente y nos dejemos invadir por el halo de protección que emana el color azul, dejando atrás todo el alboroto y el ajetreo de las actividades del día a día.

Es un arte que fluye, que brota, que se va formando conjuntamente con el visitante; ella misma afirma: “nunca copio, pinto de memoria. Impresión y expresión, es el espectador quien da continuidad a la acción propuesta en los cuadros a través de su imaginación o de la memoria”. Una vez más, nos muestran la llave para traspasar el umbral de los sentidos y las sensaciones, adentrándonos en nuestros recuerdos.

El espectador es diluido en grandes campos de color que conducen a la esfera interior, al cosmos y a la nada; se produce una vulnerabilidad al placer y al dolor. Azul nos sume en un estado de contemplación tal que nos empuja al abismo del vacío para después traernos de vuelta a la existencia.

En su obra hay una cierta espiritualidad que nos la proporciona la no-forma, es decir, un fondo monocromo sobre el que flotan áreas de colores simbólicos creando tensión entre ellos. Son cuadros de una belleza basada en una abstracción de tono lírico, alejada de lo representativo, que nos abruman con su significado y evocan emociones soterradas en lo más profundo.

En Azul predominan los colores expansivos que agotan la mente para dejarla libre de convencionalismos y llegar sin intermediarios a la introspección. Así, Patricia crea una relación entre su obra y el espectador. El visitante, sin lugar a dudas, se ve envuelto por la ambientación a alcanzar la inmensidad que nuestra artista le ofrece con pinceladas de lo más sensitivas.

Reseña literaria: Un polifacético Andy Warhol se presenta...

2011-02-07T06:10:00.000-08:00

Una frase oportuna se convertía en una “warholada”. Sus declaraciones, en perogrulladas. El norteamericano Andy Warhol logró crear un personaje sinónimo de medios de comunicación, y para ello prefería seguir siendo un misterio para el resto de los mortales. Quizá por ese motivo, Kenneth Goldsmith se decidió a recoplar una serie de 37 entrevistas que le realizaron profesionales y colegas del ámbito artístico. A lo largo de ‘Andy Warhol. Entrevistas’ descubrimos que el artista era un ser totalmente contradictorio --complejo, ingenuo, sutil, tímido, pasivo, sofisticado...--, al que le gustaba vivir en un vacío porque le permitía estar solo para trabajar, aunque paradójicamente Warhol era conocido por sus magníficas fiestas.

El propio Andy Warhol, en la que se pude considerar su entrevista más seria, le confiesa a Gretchen Berg --hija del prestigioso historiador de cine Herman G. Weinberg--, en más de una ocasión, que no le apasiona nada, que se sirve de lo que sucede a su alrededor del mismo modo que cree firmemente que forma parte de su época, de la cultura de aquella época, como los misiles y la televisión. También declara que cada vez que le preguntaban sobre su pasado se inventaba una historia distinta porque se le olvidaba aquello que dijo el día anterior. Y es que nadie duda de la particularidad de uno de los grandes creadores del pop-art. Eran tales sus juegos con la prensa que muchas veces enviaba a sus entrevistas a un doble en su lugar o contestaba únicamente con monosílabos o simplemente le decía al entrevistador que le diera las respuestas para que pudiera repetirlas porque se veía incapaz de hacerlo, ya que era muy emocionante no pensar nada. Y si le preguntaban: ¿quien era el padre del pop?, puedes encontrar respuestas tan dispares como esta: “El arte pop tiene más padres que Shirley Temple en todas sus películas”. ¿Transgresor? ¿Comediante? Quién sabe. Sabiendo que él mismo manifestaba que nunca quiso ser pintor, sino que quería bailar claqué; o que el arte había muerto, que la pintura le aburre y que las películas son más emocionantes porque son artificiales, la controversia está servida.

Gracias a la editorial Blackie Books podemos gozar de este libro fascinante a la par que interesante, de lectura fácil y muy entretenida que nos desvela a través de cada entrevista a un polifacético Warhol, sorprendentemente “cuasirromantico”.

Josep Uclés: Laberinto aurático

2011-01-24T11:51:00.000-08:00

La galería Cànem de Castellón apuesta una vez más por el arte de vanguardia de la mano del consagrado artista catalán Josep Uclés bajo la serie titulada “de Berlín” donde pretende desentramar ese gran mundo desconocido que es la mente.

¿Como será la mente? ¿Es posible "ver" la mente? El debate en torno a la representación cerebral y la localización de los procesos mentales se ha animado recientemente alcanzando gran popularidad. No porque el debate sobre la relación entre el cerebro y la mente, que siempre fue muy irregular, haya sido enriquecido ahora con planteamientos teóricos particularmente originales. Se trata más bien de planteamientos visuales, según comenta Michael Hagner en el artículo Cómo funciona la mente: representación visual de los procesos cerebrales, basados en un número de técnicas de imagología que trascienden el ámbito de cualquier técnica de visualización conocida hasta ahora en las neurociencias. En la historia de las ciencias humanas, las innovaciones en tecnología de la visualización han influido en la propia percepción de la naturaleza física y moral del hombre. La neuroimagología ha convertido los fenómenos psicológicos en categorías visuales, transformando de este modo su estatus epistémico y cultural. Cuán profundos y prolongados llegarán a ser estos cambios no está claro aún, asegura Michael Hagner pero básicamente existen dos escenarios posibles. O bien las imágenes del cerebro vendrán a jugar un papel fundamental a la hora de determinar nuestra identidad, al menos en ciertos ámbitos, o bien perderán eventualmente su atractivo, pues contemplar imágenes asociando supuestos estados mentales con ciertas regiones del cerebro resultará a la larga ineficaz si no consiguen proporcionar algún tipo de comprensión más profunda del modo en que se relacionan el estado cerebral y los estados mentales. Con todo, Uclés crea una identidad y una imagen propia de la mente que remite, sin lugar a dudas, a una realidad orgánica de formas sinuosas y estimulantes a nuestros sentidos. Parece que deja momentáneamente de lado la rama más purista de la neofiguración para afrontar el misterioso universo que habita en nuestro interior. Para ello Josep construye su propia realidad a través de la fantasía, es decir, crea un mundo ficticio intentando rellenar las lagunas de información que existen a cerca del funcionamiento de la mente humana. Así pues, se podría decir que su obra plasma lo que vendrían a ser una serie de conexiones laberínticas que se producen en nuestro organismo al procesar la información que recibimos, como hilo sinópico que emplea al interpretante para captar y dar sentido en sí mismo a nuestra realidad. Es una alusión constante a la relación de contrarios que se establece entre el exterior y el interior, que a su vez, origina una tensión latente entre el tú y el yo, puesto que la percepción de uno nunca será igual a la de otro, y por consiguiente la realidad siempre será diferente.

Uclés recrea la mente de un color negro intenso que nos transporta de inmediato con esa sensación de infinito, inundado por un silencio desgarrador que flota a la deriva mientras intenta establecer conexiones a través de una atmósfera etérea casi transparente, como si de un paraje virgen se tratase, en el que los rayos del sol recaen iluminando y reconfortando con suaves reflejos dorados esa nada desconocida a la que llamamos mente. Josep una vez más nos sorprende al dotar magistralmente de un gran poder espiritual, a la par aurático, a todo ese proceso científico de conexiones y redes que se establecen a modo de entramado en nuestro cerebro.

Altea Grau: Confluències

2011-01-21T06:54:00.000-08:00

La joven artista construye un espacio diáfano y envolvente, que acoge de inmediato a la gente que visita y concurre la sala. Grau predispone al visitante a confluir creando una zona donde los visitantes pueden formar parte integrante de su obra y dejar huella del acto mismo de confluir, espíritu que circunda todo el halo expositivo.

La exposición gira entorno a la confluencia, dicho de otro modo, ideas, circunstancias, propósitos, recuerdos, búsquedas y deseos que con el paso del tiempo coinciden en un mismo fin. Como un paraje donde confluyen los caminos, los ríos y otras corrientes de agua que terminan desembocando en el mar.

Altea remarca y resalta con especial atención algunos de los poemas de nuestro querido Miguel Hernández como “Me llamo barro aunque Miguel me llamo” o “Corazón es agua”, en ambos poemas reina lo que podríamos considerar una transfiguración, es decir, una transformación que implica un cambio de forma de modo tal que revele su verdadera naturaleza. Como bien podemos observar en estos tres primeros versos Me llamo barro aunque Miguel me llame. /Barro es mi profesión y mi destino/ Que mancha con su lengua cuanto lame. O bien El corazón es agua/ que se acaricia y canta. / El corazón es puerta/ que se abre y se cierra. / El corazón es agua/ que se remueve, arrolla, / se arremolina, mata. /

Grau nos conduce a través de un viaje de emociones y sensaciones, en definitiva, nos narra una historia, la suya propia y para ello se sirve de versos olvidados ya quemados para alguno de nosotros y desconocidos por otros. Llegamos, pues, a la conclusión de que toda confluencia, es un solo ser. Como refleja Miguel Hernández en estos dos últimos versos: Después del amor, la tierra/Después de la tierra, todo.

Álvaro Perdices: Transfiguración espacial

2011-01-10T02:20:00.000-08:00

NEGADA, AbiertA y desnudA es el título de la última exposición de Álvaro Perdices para el Espai d’art contemporani de Castelló.

Perdices nos invita a reflexionar acerca de la Institución, ¿qué es la institución? ¿qué función puede llegar a alcanzar?. Para ello Perdices crea y diversifica las vías para aproximarse a esa realidad desconocida por muchos de nosotros. Así pues, forja una visión institucional a través de diferentes prismas, desde la intervención escultural en el mismo EACC, recurriendo al rol expositivo del propio centro así como alude y destaca también la labor gestora del centro, la dirección de proyectos y el uso del espacio público por parte del espectador.

Álvaro Perdices propone acomodar la institución en un canapé desde el que posicionarse bajo una infinidad de posibilidades. Este acto en sí nos trasladaría al complejo mundo del psicoanálisis más lacaniano.

Los diversos puntos de vista a los que Perdices dirige nuestra atenta mirada nos descubren facetas insospechadas y nuevas situaciones entre aquello que consideramos “dentro” y “fuera” de nuestra sociedad y, cómo estos espacios públicos pueden ser invertidos dependiendo de nuestro propio posicionamiento.

La destreza artística utilizada por nuestro artista se encuentra en la paradójica articulación de las relaciones, es decir, en el juego que se origina con lo que puede ser y no es, como por ejemplo en el juego que se da entre las tres esquinas de un triángulo y sus posibles transformaciones.

Álvaro Perdices bajo el título NEGADA, AbiertA y desnudA desplaza en el Espai d’art contemporani todo aquello que debiera estar en su sitio. El proyecto de exposición en sí activa los diferentes espacios y funciones del EACC realizando una coyuntura artística de todos los ámbitos expositivos. Se establecen así un sin fin de relaciones transversales que se aprovechan para articular las distintas interrelaciones o contradicciones que se ocasionan en el espacio expositivo.

Uno de los puntos a tratar en esta exposición es el propósito de Álvaro por esclarecer todo el trabajo administrativo que se esconde bajo el eclipsante talento creativo del artista, por lo que hace visible todo aquello que no se ve en el día a día de un espacio o entidad pública, incorporando al espectador como parte fundamental e indispensable del proceso. De ahí que parte de la sala de exposiciones sirva de escenario para presentar sobre una blanca moqueta las oficinas, los empleados del centro así como sus funciones diarias a modo de performance. De nuevo invierte las funciones ya que las oficinas vacías se convierten así en una sala de exposiciones con la ayuda del artista.

Perdices propone una vez más un escenario donde los roles del espacio y sus funciones innatas al igual que las del visitante son extrapoladas, en este caso en concreto, por medio de una intervención escultural en el propio edificio del EACC, en el que el artista crea un acceso libre y directo desde el exterior al interior del mismo, aislado del resto del espacio y al que no se tiene acceso a través del interior de la sala de exposiciones. Podríamos hablar de una especie de escultura a modo de trampantojo, ya que propone una relectura entre la función del espacio expositivo y las obras que acoge.

Álvaro Perdices de forma paralela a la construcción de una nueva red de rearticulación de funciones y lecturas de la institución, así como de las obras y los roles de éstas y las reacciones de sus espectadores, ha elaborado un conjunto de video instalaciones y fotografías fruto de tres “acciones” realizadas alrededor de las paredes que encierran el recinto expositivo de la sala del EACC. Para producir dicho trabajo colaboró indistintamente con grupos disparejos compuestos por: 22 niños del Colegio Censal de Castellón; 27 perros del centro de recuperación canina Servican de Castellón y 15 estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Con los que realiza diferentes ejercicios que -por medio de la actividad física, la performance, la imitación y la acción azuzada- recogen las respuestas y comportamientos de los diferentes cuerpos y su indiscutible politización con el espacio institucional. Reacciones que proceden de lo más profundo del ser donde la capacidad de conocer y adquirir conocimiento es precisamente gracias a la incapacidad humana.

A través de las diversas acciones que se llevan a cabo dentro del espacio podemos obtener el mínimo grado de entendimiento que tan solo alcanzamos cuando no logramos cosechar con los conocimientos manifiestos. Por tanto “el no entender” lo que visualizamos o esperamos adquirir de la obra es lo que nos acerca incongruentemente a conseguir la experiencia estética tan anhelada, que radica entre ser asombrado o subyugado por la misma práctica.

Con todo, las paredes blancas y negras del EACC, en este caso en concreto, se convierten en el escenario perfecto, en el sujeto receptor, en el elemento indispensable de la obra, ya que son las que reciben y acogen el producto de una serie de estímulos y de acciones efervescentes, fruto de múltiples reacciones de diversa índole. Sin lugar a dudas prima el carácter emocional sobre el racional, reflejando claramente el malestar popularizado contra la ocultación o la violencia generalizada por la discriminación en el ámbito cultural.

Las filmaciones de las performances, que acompañan la exposición, se convierten en video instalaciones que penetran y desentrañan las características físicas del espacio. Oponiéndose y contraponiéndose directamente con las fotografías que el artista ha realizado a lo largo del acto de acción, así pues, crea una tensión palpable entre el acto y el reflejo a través del que se genera y deambula el significado de toda la exposición.

Alejandra Duarte: Consciencia liberada

2010-11-24T05:39:00.000-08:00

La obra fotográfica, “Colección de Retratos” de Alejandra Duarte, juega con ese halo de verdad del que se envuelve la imagen fotográfica. Juega constantemente con la imagen que quiere ofrecernos de ella misma. Su autorretrato y la ensoñación que este nos produce por medio de la modificación y la manipulación; nos seduce, al mismo tiempo que nos falsea, haciéndonos creer que ella abarca todo lo que vemos.

Gracias a este juego, la subjetividad y la objetividad se convierten en piezas de construcción/deconstrucción de nuestra realidad. Nuestra mirada es la forma en que medimos la realidad, es el medio a partir del cual establecemos relaciones de proximidad e intimidad. Nos posicionamos emocionalmente ante la imagen a partir de la interpretación que nuestra mirada hace de ella, detenida tan solo cuando pensamos que Alejandra es real.

Sus imágenes narran historias que tratan específicamente del estado interior del ser, es un trabajo de introspección, de tomar conciencia de nuestro cuerpo y mente respecto a la inmensidad del universo. Alejandra nos transporta a un mundo de sensaciones, de percepciones, de sabores, de olores, de recuerdos, de infancia, de deseos, de paisajes fantásticos donde cada uno de los visitantes es el protagonista de sus propias fantasías.

La imagen fotográfica de Duarte es tomada como pictórica, al final todo es ilusorio, artificioso, es decir, una recreación mental de la propia artista que en virtud de su materialización fotográfica, también nos enfrenta con los criterios estéticos de belleza y verdad. Alejandra investiga el poder de nuestra mente, ya que sin lugar a dudas es la que define lo que es real para nosotros, la que nos indica qué es importante y la que cambia significativamente el significado de las cosas. Así pues, su obra es mucho más pictórica que fotográfica, nos empuja a ver solo aquello que realmente queramos ver.

“La fotografía me atrajo desde el principio por ser un medio que genera espacios, zonas, relaciones que de otra manera nunca existirían. Para mí, un medio para conocer y explorar tanto el mundo visual como interior de los seres que me rodean, y por supuesto el mío, su continuo oleaje, sus paisajes cambiantes, sus contradicciones... disfruto enormemente haciendo retratos.

He trabajado con todo tipo de cámaras tanto analógicas como digitales, de pequeño a gran formato, en laboratorios oscuros y claros, he aprendido a controlar todo el proceso hasta la copia final y así he conseguido materializar las imágenes que surgen en mi mente”.

En definitiva, su obra nos libera y nos arrastra al mundo interior de las sensaciones y emociones, al paraíso del subconsciente, de donde proceden las impresiones más reales e insospechadas de nuestro ser. Son imágenes que surgen durante el silencio, movidas por la contemplación de la diversidad que nos circunda, bajo la búsqueda de la propia consciencia, de comprender qué es real para nosotros y qué no lo es.

Javier Mariscal: Fabulación animada

2010-11-17T03:27:00.000-08:00

"Mariscal en el Maestrazgo" es un proyecto multidisciplinar, sugiere diversidad, un cruce libre de fronteras, un intercambio cultural y una amplitud de horizontes.

Sin lugar a dudas, Mariscal es un narrador de imágenes que cuentan historias protagonizadas por personajes que indistintamente pueden ser objetos o sujetos. Son historias gráficas contadas por un lápiz que no se resiste a dibujar sólo líneas. Su concepto gráfico transmite emociones, desarrollo tecnológico así como trascendencia cultural y social.

Con esta exposición Mariscal nos presenta una obra artística con diferentes técnicas y soportes, desde telas de mediano formato pintadas con rotulador hasta collages de papel y pequeñas vespas convertidas en esculturas de madera. Su creatividad destila de la experiencia cotidiana y la convierte en una práctica fantástica que adquiere formas asombrosamente diversas, pluridisciplinares y gratificantes sacudidas por pequeñas pinceladas de rebeldía.

Su propuesta vital recupera la mirada ácida e infinitamente curiosa de un niño y la potencia insaciable del adolescente, siempre bajo la tutela de un gran conocimiento artística. Su arte, pues, es rebelde pero también nostálgico. Y su estilo aparentemente impulsivo es reflexivo. Mariscal tiene su propia filosofía existencial, que origina un universo fantástico, en el que todo es posible, con sus propias leyes espaciales y temporales. Es pues, una filosofía que se origina en su experiencia vital.

Mariscal, artista de mirada voraz, se nutre de los rostros de personajes de la calle, paisajes, situaciones, viajes, etc. Se hace dueño de su propio destino y construye sus espacios en las páginas en blanco, con sus situaciones de extrañeza e incertidumbre, de revolución poética contra las injusticias del poder, de incursiones en el mundo de los sueños, la melancolía y la alegría de vivir. Y desarrolla un concepto original de la fabulación en el que también son inciertas las fronteras entre los humanos y los animales, todos se mezclan en una combinación de carácter poético con ligeros toques de humor.

Las estrategias espaciales de Mariscal tienen su origen en su calidad como dibujante, pero alcanzan mayor sutileza en las pinturas y aún más complejidad en las esculturas. Son estrategias de composición en la que la distribución de los personajes y de los objetos crea la poética de la narración y de las sensaciones visuales. Si la línea es a menudo narrativa, el color en Mariscal es un “estado” inteligente en el que nos habla de la naturaleza de la percepción. Construye sus formas en planos simplificados, a menudo en pugna. Así pues, Mariscal consigue mediante la contraposición de los diferentes tonos ritmados en sus obras exaltar la esencia extraordinaria del Maestrazgo.

Las obras de Mariscal, tan intensas como prolíficas, admiten tanto planificaciones de conjunto como formas fragmentadas. Cualquier detalle de una de sus obras es, en sí misma, otra obra de arte. Si bien hay temas y formas que retoma y se reencuentran a lo largo de su extensa trayectoria, sus obras no cesan de diversificarse y enriquecerse.

En definitiva, Mariscal nos ofrece con sus obras una vista privilegiada de la vida coloreando hasta el más mínimo detalle de nuestro día a día.

Rossana Zaera: Renacimiento poético

2010-11-07T04:26:00.000-08:00

Rossana Zaera, vuelve a sorprendernos con su nueva exposición “Resiliencias/Cajas de memoria”, en la que aboga por una obra que invita al espectador a la introspección, a la reflexión, a tomar conciencia del ciclo de la vida.

El ser es movimiento o es nada, posee una gran capacidad para avanzar, adaptarse y superar cualquier adversidad y aprender mediante la experiencia a lo largo del transcurso de la vida.

Así pues, Resiliencias nos habla de la facultad de los seres vivos para sobreponerse de cualquier contratiempo. Nuestro cerebro se nutre de los estímulos que le provocan placer pero aprende también de las circunstancias adversas y dolorosas. Aunque asombrosamente contamos con una gran capacidad para superar el dolor.

Resiliencia se basa en la representación de los pares de conceptos creación/destrucción o desintegración/reintegración y en la recreación de la belleza de la descomposición a partir de la que se genera vida, así como al análisis de la relación entre el ser humano y la naturaleza. Se entremezclan las estructuras anatómicas y fisiológicas vegetales con las humanas con la finalidad de crear vida, y por supuesto, esperanza. Zaera apuesta por la maleabilidad y ductilidad de los elementos que conforman la materia orgánica y, por la fragilidad engañosa que permite perseverar el ser.

Esa esperanza inmersa en la obra entera de Rossana Zaera nos devuelve al concepto de resiliencia que da título a esta serie y que no es otra cosa que la capacidad para vivir. Las imágenes que observamos nos muestran huesos y esqueletos humanos enterrados; en definitiva, reflejan la muerte y lo inerte. Aunque una vez más la esperanza ilumina la oscuridad que rodea a la muerte con los brotes que insuflan de nuevo una chispa de vida, plasmando así, el sentido cíclico de la vida, el devenir.

Luis Rojas apunta que la resiliencia humana es un atributo natural y universal de supervivencia, que se compone de ingredientes biológicos, psicológicos y sociales, por lo tanto cuando discutimos sobre el término psicológico resiliencia estamos hablando de vivir. El ser humano, al igual, que la vegetación tiende –en palabras de Maeterlinck- a libertarse, a romper la estrecha esfera, inventar o invocar alas, evadirse lo más lejos posible, vencer el espacio en que el destino la encierra, acercarse a otro reino, penetrar en un mundo moviente y animado…

Así pues, deberíamos tomar como ejemplo en nuestra vida diaria el prodigioso esfuerzo de insumisión, de valor, de perseverancia y de ingeniosidad de una flor apunto de florecer con un sin fin de adversidades en contra.

En su siguiente serie titulada “Cajas de memoria” Rossana trabaja la memoria de la mano de dramaturgos, poetas y ensayistas como Friedrich Schiller, Walt Whitman, Maurice Maeterlinck o el reconocido psiquiatra Luis Rojas Marcos, quien afirma que la memoria es necesaria para la supervivencia de los miembros del reino animal, pero en los humanos supone mucho más, puesto que poseemos varios tipos de memoria, empezando por las dos más importantes: la verbal y la emocional. Sin nuestra memoria seríamos vagabundos errantes en nuestro propio camino.

Rossana Zaera, se enfunda en una labor de introspección y retrospección con esta serie donde las cajas consiguen atrapar la esencia de la vida a través de la memoria. Con todo, la caja cerrada alberga todo tipo de emociones y transmite un sin fin de sensaciones ante el espectador, desde dolor, rabia, soledad, ternura, amargura hasta alegría y felicidad.

Este conjunto de cajas libera el laberinto emocional de la artista, desata recuerdos y reencuentros con la infancia al mismo tiempo que los preserva y la guarda con recelo en el espacio.

Las cajas de memoria son una puesta en escena, decorados, escenarios de la memoria, es decir, se trataría de la escenografía del entorno físico de la artista, que recrea sus propias vivencias materializadas en las cajas. Esta ejecución paradójicamente nos remite a lo inmaterial, al mundo onírico de los sueños, en realidad podríamos hablar de objetos poéticos que nos enfrentan con la mismísima realidad.

Tanto en Resiliencias como en Cajas de memoria, Rossana poetiza el mundo de las emociones a través de la transformación y la reflexión del espacio-tiempo. Conjuga el sentido de la vida y su devenir con la propia introspección. Desarrolla un juego de contrarios, mantiene la tensión entre el origen y el desenlace de la existencia humana mientras pretende preservar y salvaguardar de la destructible muerte los recuerdos, las vivencias y las emociones en una caja de zapatos. Pretende así, materializar y transcribir la memoria mientras el cuerpo humano se consume.

Lia y Dan Perjovschi: knowledge Museum/Time specific

2010-10-17T00:48:00.000-07:00

La voz artística de Lia y Dan Perjovschi ha ido evolucionando y creciendo junto a los acontecimientos que han asolado a Rumanía- desde el Régimen de Ceausescu hasta la inclusión de Rumanía en la UE en el 2007-. Sus voces conservan las huellas de una política de austeridad y censura que han transmutado en un método de trabajo sencillo y franco. Su compromiso social les obliga a dejar la idea intacta en contra de los medios de comunicación que lideran la era de la globalización.

Mediante la crítica mordaz pretenden activar y concienciar a la humanidad dentro del espacio de actuación de esta pareja artística.

El medio de expresión por excelencia de Dan Perjovski es el dibujo. Su "lienzo", como la de un artista de graffiti, es la pared; más cercana, preferiblemente y topográficamente marginada o, en palabras suyas, "sobrantes". Y sus utensilios no son otros que los que se usarían en un aula de la escuela: marcadores, lápices, bolígrafos, tizas, etc.

Aunque sin lugar a dudas, la herramienta preferida de Dan es la ironía que utiliza en todas sus imágenes, con sus dibujos analiza y critica lo que le circunda, lo que le preocupa, lo que no comprende. Debido a la austeridad y la dureza de la dictadura que sufrió su país su lenguaje artístico se volvió honesto y sencillo con un cierto carácter burlesco.

Por el contrario Lia arremete contra todos esos años de aislamiento con la información, es decir, procura inventariar y recuperar toda la información que se ha perdido, que se ha censurado así como trata de recuperar datos históricos de su interés. Si Dan Perjovschi se expresa mediante el dibujo gráfico a modo de viñeta cómica Lia Perjovschi lo hace mediante timelines, mind maps, en definitiva, aboga por el Knowledge Museum. Pretende que el museo sea una base de información y que a su vez resulte estimulante y mejore el conocimiento de todo visitante sea cual sea su situación, condición y profesión.

Jordi Abelló: Deshumanización desdibujada

2010-09-22T06:53:00.000-07:00

El artista catalán Jordi Abelló (Reus, 1970) nos presenta en Castellón una recopilación de sus últimos trabajos.

En esta ocasión al lado de sus pinturas nos encontramos con una propuesta videográfica que contextualiza y permite la teorización de su obra. El video, por de pronto, trata de esclarecer el significado de la sala de manera casi cinematográfica. En él están presentes el carácter metafísico de lo humano y la atmósfera que rodea nuestro día a día; en definitiva, una atmósfera que puede ser destruida en cualquier momento.

La serie principal de la muestra que da titulo a la exposición es Crim/Crime, se trata de un grupo de pinturas de pequeño formato con las que nuestro artista pretende recrear las investigaciones pertinentes en relación a un asesinato. Así pues, podemos observar pequeñas composiciones en la que los sospechosos son los protagonistas, dando rienda suelta a la especulación y a las conjeturas, liberándose así un halo de misterio en la sala en busca del posible culpable. De igual modo, la serie Faces, presentada a modo de friso corrido, muestra sus últimos retratos, como primeros planos de la serie Crim/Crime, cargados de un gran carácter psicológico e introspectivo, en los que J.A emula los carteles que la policía emite de busca y captura.

Por otra parte el reciente conflicto bélico en Bagdad impulsó a Jordi Abelló a plasmar sobre papel todas las sensaciones que le producía la situación que se vivía en Oriente Próximo. J.A dibuja para no olvidar y dejar constancia de los hechos, que muchos medios de comunicación presentan ante el espectador como mero espectáculo, de forma banal y totalmente carente de piedad. El artista pretende, a través de unos 1.300 dibujos recopilados en trece cuadernos, realzar el sufrimiento de miles de personas que viven aterrorizadas por el miedo y las desgracias que conlleva todo conflicto bélico.

Por otro lado como consecuencia al genocidio en Darfur, en el oeste de Sudán, se dispuso a trabajar sobre la serie De Leonardo a Darfur, donde pretende mostrar la conexión existente entre el sufrimiento físico de la superficie de la pintura y el de la Tierra, como hábitat del ser humano. Abelló trabaja en este caso sobre el desplazamiento espacial y temporal que crea una superposición, es decir, una sincronización mediante una proyección en video. En la que “La última cena” de Leonardo da Vinci ofrece un paisaje de aridez que permite que el craquelé de la pintura resulte el agrietado de una tierra árida y desértica como la de Darfur. J.A evoca así, el rostro del tiempo y la herida de la tierra evocando a la sensibilización oculta tras la imbatible deshumanización.

Dejando atrás todo conflicto sanguinolento, su serie Van Gogh está planteada como un homenaje al pintor de los Países Bajos, aunque al mismo tiempo secunda su serie anterior, ya que bajo el autorretrato circula siempre latente la sangre.

Así pues, el autor, a través de sus series, hace de Darfur, Bagdad y Van Gogh un espacio conjunto donde priman los sentimientos y la esencia misma de la humanidad que se esconde tras la tragedia y el sufrimiento del ser.

Jordi Abelló de este modo enfrenta al espectador ante el espejo de una realidad que nos circunda. Sin lugar a dudas, quiere despertar al observador pasivo, ajeno e insensible en un sujeto activo, coherente y sensibilizado frente a la exitosa conquista de la deshumanización que sufre la Tierra.

Maya Marja JanKovic: "proyecto 4+1"

2010-07-14T02:08:00.000-07:00

Maya Marja JanKovic nos sorprendió en la nit de l’art de Castelló con la inauguración de su proyecto 4+1, una obra multimedia interactiva, en la que pude participar como muchos de los visitantes que no dudan en aventurarse, totalmente receptivos, a las nuevas vías de comunicación artísticas.

No es la primera vez que la galería de Artes visuales nos sorprende con un proyecto multimedia, como el que pudimos visitar de Dorijan Kolundzija, que en este caso en concreto, es el supervisor del proyecto de Maya.

Así pues, nada más entrar en el recinto te acoge un sonido envolvente y rítmico, que se entremezclan como los latidos de un corazón. El proyecto es un recorrido en sí por uno de los órganos de vital importancia, el corazón, el centro de operaciones, en el que puedes realizar un recorrido interactivo por las aurículas y ventrículos.

El proyecto es un intento de relacionar y penetrar en la comunicación y el entendimiento interhumano de la civilización. Se aúnan así, los flujos biológicos y los culturales, como fenómenos indisociables que se forman mediante la conjunción básica del ser humano que presenta Maya en su 4+1.

Lo cierto es que la galería te brinda la oportunidad de participar abiertamente y experimentar en tu propia piel, sensaciones de muy diversa índole. Lo aconsejo sinceramente porque es una experiencia muy divertida.

Maya apuesta, una vez más, por una propuesta curiosa a la par que novedosa en nuestra ciudad.

Josep Vallribera: Trazo liberador

2010-07-14T01:58:00.000-07:00

Josep Vallribera (Juneda 1937 ) nos presenta hasta el 16 de julio, en la Galería Cànem su exposición “L’art total de Josep Vallribera”. Imágenes, signos, caligramas, grafías, goteos, texturas, manchas, luz, espacios vacíos, idea sugerida, objeto poético, etc., son algunos de los recursos de este artista para crear su propio lenguaje interior. Ninguno de estos puede ser definitivo, al contrario, el anhelo de transgredir más allá de los límites del conocimiento dejan la puerta abierta a lo que todavía desconocemos.

Así pues, dejando a un lado lo superfluo, y por su íntima vinculación a la tierra, se define por la pulsión del gesto, el esparcido del pigmento, el transito del pincel, el desplazamiento de la mano o la firmeza del rastro.

Vallribera hace referencia a la escritura a través de las palabras, va más allá de la escritura formada, dibujada, gracias al gesto. El gesto, vendría a ser la esencia de su escritura, que se ejecuta con dejadez, a modo de borrador, como si fuese una mancha o un descuido. Puesto que la esencia de un objeto tiene algo que ver con sus restos, no solo con lo que queda después de haberse usado, sino también con lo que se desecha para usarlo. Su gesto escribe y narra las vivencias de un momento único que materializa el acto de crear, prolongación de su discurso introspectivo y de sus ideas sobre la realidad. Su escritura es descifrable pero no interpretable, su función es la de restituir una cierta vaguedad. Aunque paradójicamente, la vaguedad excluye por completo la idea de enigma, que más de uno de nosotros nos hemos formado al observar su obra, ya que lo vago está vivo, conservando el gesto de la escritura, no el producto. El gesto vendría a ser el suplemento de un acto, es la suma indeterminada e inagotable de las razones, las pulsiones, las perezas que rodean el acto. De modo que el artista sería un realizador de gestos que quiere producir un efecto al mismo tiempo que pretende negarlo. Es decir, produce efectos que no son los deseados por él, son efectos que vuelven, que se escapan y se invierten recayendo sobre él. Y es entonces cuando provocan las modificaciones en el trazo. En el gesto queda abolida la distinción entre causa y efecto, motivación y meta, expresión y persuasión. Con esto pretendo explicar que nuestro artista no rompe con la cadena causal de los hechos, sino que lo revuelve y lo rehace para que pierda su sentido originario. La pulsión es su rasgo vital, nacida de la prolongación de sus sentimientos, que en la pintura oriental se correspondería con la caligrafía. Los grafismos típicos de su caligrafía, los podríamos relacionar con los satoris (en el Zen japonés es la brusca ruptura, muy tenue a veces, de nuestra lógica causal), procedentes de la escritura, son una especie de relámpagos inútiles, que ni siquiera son letras interpretadas, consiguiendo dejar en suspenso al ser activo de lo escrito. Es decir, la escritura ya no reside en ningún lado, está de más, resulta superflua.

Por lo que en su obra nada en la realidad posee estabilidad y por lo tanto carece del significado preciso de la forma. Por el contrario, nos brinda la posibilidad de establecer un diálogo entre contrarios. Sin lugar a dudas su obra impacta al espectador de manera contundente, directa y visual, debido a su gesto nervioso y ágil.

La obra de Vallribera, conjuga términos relativamente paradójicos con lo que nos demuestra su libertad creativa, dejando atrás las clásicas referencias figurativas por el provocativo y sugerente trazo.

Avecindamientos discretos (EACC): "Un fin preludiado"

2010-06-29T06:15:00.001-07:00

A todo principio le llega su fin. Un fin preludiado y, hasta la fecha, incierto y misterioso, que me ha valido mi aventura por “Avecindamientos discretos”. Nunca antes me había sentido tan sumergida en un proyecto como hasta ahora, y por eso quería agradecer a todos nuestros lectores por haber hecho posible este hecho, ya que sin ellos no habría sido posible construir esta exposición bajo un lenguaje común.

Las prácticas culturales que se han ido desarrollando a lo largo de estas semanas, sin lugar a dudas, han sucumbido a efectos de deslocalización y a una diversidad constante basada en la propia nacionalidad de los artistas así como en la de todos nuestros intrépidos participantes. Nos hemos adueñado del tiempo y del espacio, hemos aprendido a hacerlo nuestro, a disfrutarlo y a valorarlo. Pero sobre todo nos hemos divertido, debo admitir que he disfrutado cada número que hemos compartido con vosotros gracias a este singular y particular espacio cultural llamado Cuadernos. Me he enfrentado a realidades proyectadas, ilusiones reflejadas y a pensamientos flotantes, para finalmente llegar al epicentro de esta exposición. He intentado narrar desde todas partes y puntos de vistas posibles, y, al mismo tiempo, guiarles a través de un recorrido fascinante lleno de intrigas y preguntas sin respuestas o respuestas sin preguntas. Hemos denunciado el abuso de la velocidad generalizada en nuestra sociedad, nos hemos enfrentado a un nuevo concepto de práctica artística que interactúa con su ciudad, que invita a reflexionar, a retroceder, a ralentizar, a denunciar, a participar y hasta a jugar en un ámbito de multiculturalidad.

La creación de “Avecindamiento discretos” nos ha brindado la oportunidad de viajar a través de “los no lugares” y de “espacios liberados”. Se han abierto todas las fronteras de proteccionismo y de reagrupamiento, negándose a la clasificación y premiando la participación y el diálogo entre los ciudadanos y su ciudad.

Sin lugar a dudas, el EACC nos ha sorprendido una vez más con un proyecto que construye una red social, no una simple exposición de productos, sin participación en la que no existe ni voz ni voto. Por lo tanto no se trata únicamente de aceptar o rechazar la propuesta, sino de vivirla, experimentarla y compartirla. “Avecindamientos discretos” establece sus propias reglas, o sea, no estipular ninguna, se libera al espectador de posibles prejuicios y se apuesta por una colaboración conjunta entre nuestros protagonistas. Hemos navegado por un laberinto infinito de ideas donde lo innato aflora en cada uno de los cohabitantes. La ambigüedad de esta proyecto tan significativo y, a la vez extravagante y delirante, cuestiona -el aquí y ahora- y los modelos socioculturales que dicta la globalización. Así pues, se nos invita a despertar nuestros instintos y sensaciones más primarias y arraigadas, a interiorizarnos y a liberarnos de nuestra carga sociopolítica, para poder avanzar por el camino de la experiencia estética. No nos dicen qué pensar, ni cómo debemos actuar, qué hacer ni qué preguntar, no dan soluciones sino qué plantean y suscitan dudas. Así que nuestros artistas abren el camino al diálogo y a la acción intrínseca de cada uno de los vecinos.

Desde aquí, me despido, sin más dilación, de estos cinco artistas: Antonio Ortega, Bernard Bazile, Denicolai & Provoost, Cesare Pietroiusti, y de su mediador Jordi Vidal; capaces de crear una atmósfera transgresora y revolucionaria en el espacio urbano.

Avecindamientos discretos (EACC): "Slow Food"

2010-06-14T01:32:00.000-07:00

El acto de comer, sobre todo en grupo, se presenta como un factor de cohesión imprescindible dentro de la sociedad, lo que se ha venido a demostrar a lo largo de la historia a través de las costumbres de los individuos. Y es que resulta inevitable que los seres se reúnan durante una comida. Sin embargo, más que el propio acto de comer, lo verdaderamente relevante e interesante, es el hecho de mantener una interacción social entre cada uno de ellos, de fortalecer sus conexiones sociales trascendiendo el núcleo familiar, relacionándose con otras personas. Tanto es así que las diferentes comunidades han convertido el acto de comer en un instrumento de cohesión social.

Aún con todo, y para desgracia nuestra, la sociedad actual nos empuja a vivir y a comer de forma acelerada. De ahí que estén de moda, hoy en día, lugares accesibles a todo el mundo donde comer sin tener que mantener relaciones directas con los demás. En la actualidad estamos sometidos a un ritmo de vida, impuesto en su mayoría, que nos ha hecho olvidar el tomarnos nuestro tiempo para disfrutar de la comida, trabajar e incluso respirar.

Por ese motivo Cesare Pietroiusti con sus performances ‘Taller de lentitud extrema’ en el Espai d’art contemporani de Castelló, pretende reivindicar esta situación. Para ello se ha servido del acto de comer, ya que éste implica un gran significado social. Así que la propuesta del artista italiano de comer en grupo con una serie de desconocidos, refuerza el sentimiento de pertenecer a una red de vecinos. Dicha relación se establece y desarrolla entre ellos de forma que cada uno adquiere diferentes roles que llegan a exteriorizar, y se mantiene de forma constante durante todo el proceso de socialización que se crea gracias a las conexiones sociales --conjunto de acciones que son claves para el desarrollo de una sociedad--.

Así pues, durante cualquiera de los talleres de ‘Lentitud extrema’ podemos llegar a observar como un simple acto innato del ser humano se convierte en un instrumento de la sociedad para promover la cohesión social y la reivindicación del propio espacio-tiempo. Se crea así, un gran marco de actuación en el que los individuos construyen, lentamente, un espacio de acción conjunto. Solamente se puede llegar a cimentar un área común si le robamos tiempo a los quehaceres diarios mediante la individualización e interiorización del propio espacio. De ahí que se abogue a través de ‘Avecindamientos discretos’ por una ralentización del proceso cotidiano para llegar a degustar y aprender a disfrutar de los placeres más ínfimos que se nos brindan.

Texto de Alexandra Belli

Cesare Pietroiusti despierta nuestra atención en el espacio público

2010-06-14T01:23:00.001-07:00

Cesare Pietroiusti afirma la existencia de una dimensión pública, que es lo opuesto --o por lo menos así lo es en relaciones dialécticas-- a aquellas privadas. Así, nos sumerge en un problema como es el valor que una comunidad en concreto le atribuye a la esfera pública a la que ha accedido, el cuidado que le dedica, la importancia cognoscitiva o afectiva que connota. En Italia, por ejemplo, se sabe que es la familia la que representa el modelo dominante, tanto a nivel económico como psicológico. Digamos que, para bien o para mal, se da un cierto comportamiento “de clanes”, con un fuerte sentido de pertenencia, con asociaciones de larga duración. La actitud de desconfianza hacia el otro se considera un acto normal. Pietroiusti cree que la esfera pública de importancia cívica --la carretera o la escuela, la oficina municipal o incluso un banco en la calle-- está en su mayoría interpretada de forma distraída, especialmente cuando algo sale mal. No hay que extrañarse, pues, sobre que el “arte público” sea una formulación que resuene burocracia, alienación y aburrimiento.

Cesare sostiene que la intervención de un artista en un entorno urbano debería trabajar en los pliegues, y no ser fácilmente reconocidos y categorizados como “arte”. Es mejor, de hecho, contribuir a determinar en el observador casual --aquel que no busca-- un momento de incertidumbre y de duda, más que confirmar las expectativas.

Para comprender un poco mejor qué pretende, diremos que Piestroiusti prefiere, sin duda, cuando alguien contempla uno de sus proyectos, una reacción como: “¿Qué es esto?”; en lugar de “es arte, por lo tanto, no me concierne a mí.”

Para el artista italiano “la ‘esfera pública’ simplemente es aquella atravesada y hecha de sujetos que no conoce y que no le conocen personalmente, allí donde la ‘esfera privada’ es aquella cruzada y realizada por personas que conoce”. En este sentido, una intervención artística tradicional --una exposición de pinturas, por ejemplo-- dentro de un museo puede tener un sentido mucho más “público” que un proyecto, quizás, con mayor carácter social, dirigido a un determinado y limitado grupo.

En el arte, lo que verdaderamente interesa a Cesare Pietroiusti no es la causa justa, sino la idea crítica, la capacidad de hacer surgir dudas, preguntas que le pertenecen y que nos pertenecen, quizás a partir de cuestiones muy insignificantes, de realidades hasta “infra-ordinarias”. De ahí la participación de Cesare en este proyecto tan ambiguo y a la par incierto de ‘Avecindamientos discretos’, en la que, sin duda, busca la provocación, no dejando indiferente a ninguno de los visitantes. Pietroiusti interactúa con el público planteando simples cuestiones que solo el espectador puede responderse a sí mismo: ¿Por qué comer lento? ¿Qué sentido tiene? ¿Cuánto tiempo podría aguantar?, etc.

Avecindamientos discretos (EACC): "Los gestos"

2010-06-07T03:54:00.001-07:00

Los gestos son una parte muy importante de esta exposición ya que mediante éstos podemos atraer la atención del público o bien, todo lo contrario. Todo depende del buen uso que hagamos de ellos. De ahí que ‘Avecindamientos discretos’ realice una serie de guiños cómplices que se comparten con los vecinos de Castellón, como las bolsas de Denicolai & Provoost que hemos encontrado en el Mercat Central de la capital de La Plana o las performances ’Taller de lentitud extrema’ de Cesare Pietroiusti --en los que pueden participar activamente todos los ciudadanos--, o las pancartas de Antonio Ortega y los alumnos de la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló.

Debemos tener en cuenta que todo posee la capacidad de comunicar y transmitir. Podemos intentar mentir, engañar, manipular, disimular o fingir mediante comunicados, escritos, pero es casi imposible “fingir” mediante las expresiones propias del ser humano dentro de nuestra sociedad multicultural. Por esa misma razón el proyecto que nos ocupa pretende que seamos naturales y expresivos con nuestra respuesta. No hace falta añadir gestos a todos los comentarios, ni comentarios a todos los gestos. Y es que de la misma forma que el comportamiento da una idea muy clara de cómo son las personas y su reacción ante el espacio expositivo, los movimientos y expresiones, al igual que las palabras, resultan muy variados y significativos, ya que son las palabras mudas que se pueden ver pero no escuchar, aunque sí podemos interpretarlos. Nos atreveríamos a decir que la sociedad, bajo la atenta mirada de la globalización, debería prestar mucha más atención, así como valorar positivamente, esos pequeños gestos de complicidad que podemos desarrollar y establecer con nuestros “vecinos”.

Dentro de este mundo globalizado el arte es un lenguaje accesible para todo aquel que quiera comunicarse con ideas al resto de sus semejantes --como hace Antonio Ortega, a modo de protesta, en su obra ‘Hola, soy José María Ruiz-Mateos’--. Es así como la universalidad del arte, en lugar de debilitarse con la multiplicidad de los nuevos medios de expresión, cobra fuerza al ser un campo que incluye el conocimiento y la sensibilidad humana. De ahí que este proyecto expositivo del EACC tenga como uno de los objetivos actuar de enlace entre las instituciones y los espectadores.

El arte provoca reacciones. ‘Avecindamientos discretos’ consigue recogerlas y construir arte entre los diferentes espacios. Posicionándonos ante la esencia de la obra, podríamos comprobar que provocamos en el espectador reacciones diversas, comentarios a ‘sotto voce’, exclamaciones de sorpresa, de indiferencia, y por supuesto, multitud de gestos. El ser humano es un ser expresivo que no se limita, únicamente, a realizar comentarios verbales, ya que el cuerpo de forma irremediable notifica todos los estados de ánimo. Somos arte vivo, en movimiento, que efectúa todo un repertorio diario de performances inconscientes, y a veces algunas puntuales y elaboradas. Sin embargo, la expectación y su reacción corresponden a la esencia más primitiva de la conversación del ser humano, por lo que la espontaneidad se traduce en una transparencia sensitiva de lo más corporal. Así pues si fuéramos objetos artísticos, veríamos, sorprendentemente, cómo los visitantes y observadores esporádicos de nuestra razón de ser, ejecutarían todo tipo de muecas, guiños, aspavientos..., en definitiva, gestos que nos indicarían la aceptación, o no, de nuestro sentido vital --en primer lugar--, y comentarios diversos que reforzarían su opinión inicial.

En conclusión, una caída de ojos, un fruncido de cejas, un alzamiento de hombros, una sonrisa, así como toda una serie de expresiones corporales, dejan translucir sentimientos, participando en la complicidad, en el diálogo, en la interacción entre nosotros y la obra, iniciando, así, el primer paso en el camino del arte.

Avecindamientos discretos (EACC): "Relaciones intrínsecas"

2010-06-07T03:52:00.000-07:00

Actualmente, el espacio urbano se encuentra gobernado por grandes centros comerciales, torres corporativas, perímetros feriales, amplias estaciones y recintos de capacidad masiva. Estos modelos arquitectónicos de un presente materializado en hierro y vidrio han hecho que nos olvidemos de las tradiciones que formaron y le otorgaron una identidad a nuestra ciudad. Ante esta situación, los diferentes vídeos de Bernard Bazile, Antonio Ortega o Cesare Pietroiusti, así como las imágenes de los artistas Denicolai & Provoost permiten explorar las nuevas características del espacio que habitamos colectivamente, del paisaje urbano, que formado por altos edificios y resorts turísticos, unifican formas y repiten sistemáticamente tipologías entramando una relación de complicidad entre tradición y modos de vida con el ritmo frenético típico de una ciudad. Aún así, nos preguntamos qué es lo urbano, cómo se origina y cuáles son sus posibles características y efectos sobre nuestras vidas. Éstas, son algunas de las cuestiones que surgen al enfrentarnos con sus obras.

No resulta novedoso señalar que siempre hemos interpretado la realidad a través de las relaciones que nos ofrecen las imágenes. La técnica fotográfica y, aún más la digital, han abierto y reforzado esta concepción. Así, la imagen no solo es una interpretación de lo real, sino que también funciona como un vestigio o rastro directo de lo real. Como una caricatura o un dibujo de cómic, que nos aleja a la vez que nos acerca. Las fotografías de la gente frecuentando el Mercat Central de Castelló o la faena de los pescadores del Grao de Denicolai & Provoost nos hacen acceder, de modo instantáneo, a realidades ajenas para muchos de nosotros, aunque no sin dificultades o ambigüedades, ya que accedemos a esos modos de vida momentáneamente, a través de una distancia, es decir, de una lejanía con nuestra realidad diaria.

Si estos trabajos, aquí expuestos, alteran nuestro modo de mirar y, con ello, nuestra relación con lo real, cabe decir que también nos otorgan una zona para repensar las relaciones que establecemos con el paisaje urbano y nuestro avecindamiento. Las obras expuestas nos acercan a una nueva clase de percepción, y con ella, a las posibles correspondencias que puedan surgir de lo urbano y las masas, los espacios acelerados, los lugares subconscientes, las condiciones políticas de las prácticas temporales y espaciales, junto a las huellas que el ser humano ha dejado en estos lugares, que constituyen el elemento de lo cultural. Se crea una relación dinámica de nuestros artistas con los habitantes de la ciudad como parte de una dinámica grupal, donde el ser humano se hace más visible en el espacio que ocupa.

En ‘Avecindamientos discretos’ no solo se reflexiona sobre la relación entre imagen y realidad, sino que se cuestiona la ambigüedad entre imagen y palabra. Por ejemplo, a través de la recuperación de la estética de los cómics que exponen como carteles de propaganda Denicolai & Provoost, incorporando el lenguaje escrito para aludir, irónicamente, sucesos contemporáneos que tienen lugar en nuestra ciudad, como por ejemplo en la lonja del pescado. La palabra aparece también en las pancartas de Antonio Ortega, donde se nos da un toque de atención, nos despierta y nos capta, con frases cortas y llamativas de denuncia y protesta en las que se debate la realidad.

Las imágenes de este proyecto expositivo del Espai d’art contemporani de Castelló se muestran en diversos ambientes --exteriores e interiores-- para que podamos entender los efectos de los mismos en las emociones y los comportamientos de las personas. Así pues, representan las relaciones sociales y vinculaciones, que conlleva a considerar al espacio urbano como un sitio móvil, dialéctico y en continua mutación.

En este contexto, el arte abre un camino propicio para analizar las tramas sociales y los efectos de las mismas en el entorno de la producción espacial. Existe una ida y vuelta entre la práctica artística y el espacio, entre lo imaginario y la realidad, creando así, un ritmo en el tiempo entre esta exposición y su ciudad. De este modo, el arte cumple una función crítica y trasformadora que nos ayuda a reconocer en qué lugar estamos y hacia donde nos dirigimos.

Texto de Alexandra Belli

Avecindamientos discretos (EACC): "Espacios liberados"

2010-05-31T04:03:00.000-07:00

Las observaciones sobre el arte y el espacio traen consigo una configuración que acaece dentro de una delimitación, como un dentro y fuera limitados. Es así como entra el espacio en juego. Un espacio que puede ser habitado por una obra plástica, moldeado como un volumen cerrado, perforado, vaciado, etc., y resultar siempre enigmático.

El espacio sigue impulsando obstinadamente al ser humano moderno a su dominio último y absoluto, y a su modificación. El espacio del arte, el espacio de la vida cotidiana con sus acciones y desplazamientos, los espacios urbanos, todos giran entorno a este proyecto expositivo de ‘Avecindamientos discretos’.

El interrogante sobre lo que el espacio como espacio es, no queda formulado y tampoco su respuesta. Incierto también es el “ser del espacio” y el poder de atribuirle un modo de ser. Según Martin Heidegger detrás del espacio, aparentemente, no hay nada hacia lo cual abismarse. Delante, no existe coartada hacia otra cosa y la mismidad del espacio solo se muestra a partir de sí mismo. Mientras no experimentemos la mismidad del espacio, permanecerá en sombras el hablar sobre un lugar artístico. El modo cómo el espacio obra y atraviesa la pieza de arte se nos anticipa con toda su incertidumbre.

En el espacio se puede hallar la forma plástica como algo dado; el espacio puede encerrar los volúmenes de la figura, así como existir como vacío, algo que conlleva a lo libre, lo abierto, para posteriormente alcanzar un situarse y habitar del ser humano.

El espacio determina, en sí, la liberación de sitios, donde los destinos del hombre existente se proyectan al futuro. Así pues, el espacio que prepara Bernard Bazile en el EACC origina el situar que prepara a su vez el habitar de ‘Avecinamientos discretos’, ya que libera el sitio donde el “espaciar” se manifiesta y donde se encierran acontecimientos, permitiendo la aparición de las sensaciones que van dirigidas a los habitantes.

Además, el espacio admite la posibilidad de pertenecerse co-relativamente en su propia dirección, así como también nos pertenece a cada uno de nosotros desde dentro y a partir de su misma existencia. Su carácter es de arrebatamiento. El sitio o lugar abre cada vez un estado o una ocasión, encontrándose allí las cosas, en co-pertenencia con los visitantes. En este rincón se juega el encuentro, en el sentido de esconder y dejar las cosas liberadas a su libre albedrío.

El espacio denomina la libre vastedad y significa al mismo tiempo: custodiar el encuentro de las cosas en su co-pertenencia. Así pues, según Heidegger tendríamos que atender entonces en qué forma y cómo este juego de co-relación recibe a partir de la libre vastedad del paraje la remisión de la co-pertenencia de las cosas. El juego co-relacionado de arte y espacio habría que reflexionarlo a partir de la experiencia del sitio y del espectador in situ. Con todo, es fundamental para este proyecto de ‘Avecindamientos discretos’ la concepción de espacio como liberación y nido de percepciones y sensaciones que crecen y se acumulan a lo largo de toda la exposición.

Texto de alexandra Belli

Paco Puig: El mundo interior

2010-05-31T03:26:00.000-07:00

La diputación de Castellón rinde tributo al artista castellonense Paco Puig con la publicación del libro titulado “Artista y hombre, su obra” como reconocimiento de sesenta años dedicados a la pintura y la música.

Bajo la mirada de Wences Rambla, Ferran Olucha y Antonio Gascó se analiza la trayectoria artística de Puig, uno de los artistas contemporáneos más relevantes de la ciudad de Castellón.

Su vocación artesanal se despertó tempranamente, modelando con barro de las acequias sus primeras figurillas, representando todo aquello que le rodeaba. Su carrera artística pronto se convirtió en obsesión alentado por una preciosa caja de pinturas con todos los utensilios necesarios que acrecentó su interés por la pintura y la creatividad.

Un factor fundamental dentro de la obra de este artista es la del mar Mediterráneo, que refleja la interacción entre las culturas y la gente de las tierras que rodean al mar, la vía principal de transporte para el intercambio comercial y cultural entre los diversos pueblos hasta la llegada del ferrocarril y el transporte aéreo. Así pues, la identidad mediterránea, reside en el crisol cultural, en el intercambio, en la mezcolanza y el trato comercial y humano. Que tanto afectara a nuestro artista, puesto que Puig se pasaba horas y horas junto a las barcazas en la playa cerca del pueblo, zona donde iban a descansar las olvidadas mulas –barcazas de 6-8 metros de longitud por unos 4 metros de ancho- que se utilizaban para cargar cajas de naranjas de la costa hasta el buque. Poco a poco estas mulas, empezaron a formar parte de su existencia, por su estado de abandono. Lo que provocó sus primeros Fossars de Naus (cementerios de barcas), así como tales versos:

Barcas que esperáis varadas en el tiempo

A que el mar verde os acaricie

Os bañe de luz dorada y húmeda

Vosotras que no sois barcas sino pintura

Os queda el horizonte de la mirada

Metamorfosis de objeto, madera y alma

Juntas al fin del viaje esperan

Donde la muerte las teñirá de negras

Carmines, verdes, tierras y olvidadas

Y como último lugar donde navegan, será:

La arena, el viento loco y la hierba seca

Otra faceta de nuestro artista y su mundo interior es la música, iniciándose en solfeo y armonía escogió el violín como medio de expresión que supo conjugar con la del pincel. Puig compaginará sus grandes pasiones a lo largo de la vida: la pintura, la poesía y la música.

Sus grandes temas serán las Brujas, Ferroviarias, Fossar de Naus, Arquitecturas y Tauromaquias. Que Puig trata con gran expresividad y colorido, al igual que una de sus constantes a la hora de trabajar es la investigación de técnicas nuevas, como por ejemplo “arte de deshecho”. Así pues, objetos inservibles se amontonan en su estudio, que destruye para pasar a formar parte de sus composiciones, actividad que le da rienda suelta a la creación y le resulta estimulante por la rapidez de la técnica.

En su fase vital más madura, no deja de trabajar e investigar ya que para él pintar es una necesidad para seguir luchando en el día a día. Pintar paisajes, marinas y pórticos al aire libre conforma su ritmo de vida.

Se podría decir, que con sus obras Paco Puig ha sido a su manera un testigo excepcional desarrollando colateralmente una especie de memoria histórica con las series de cuadros con las que nos ha obsequiado como por ejemplo la estación del Grao de sus Ferroviarias.

Puig ha sabido recoger las enseñanzas clásicas y su admiración por grandes artistas de la talla de Velázquez, Goya, el Greco y hasta el mismísimo Cezanne, que traslada a sus obras. Optando por una composición de carácter sólido y estructuras claras propias del postimpresionismo compaginando un cromatismo fauve con una dosis de expresionismo contenido. Con el que pretende reflejar intensidad, densidad que contrastan con lo grotesco y repulsivo de una visión borrosa y pesimista de un mundo interior aparentemente bajo un profundo letargo. Lo que le lleva a desarrollar un mundo de dimensión fantasmagórica, con sus mascaradas, muy inquietante que reside dentro del propio ser humano. Lo desconocido y enigmático se envuelve en un color matizado y unas texturas sinuosas.

Sus óleos, ya sean de pequeño o gran formato están dotados de una mirada apasionada, vehemente, directa y sincera alrededor de un idioma propio del artista. Que refleja en sus tauromaquias, con obras míticas y viscerales que cultiva alrededor del mundo del toreo. Drama, rito, sortilegio y mito se dan cita en estas obras en las que el toro engendra vida y fuerza, y se plasma como referente erótico. Puig trabaja con ironía estos arquetipos totémicos mediante el juego de contrastes en su paleta de colores, buscando una infinita gama de tonos que pude ofrecer la sombra de los fríos enfrentados con la intromisión de los trazos cálidos.

Paco Puig retrata a sus matadores con gestos grotescos y esperpénticos, con ánimo crítico y humorístico, alienado pero paradójicamente humano con una gran autenticidad en sus gestos.

Por lo que la lectura de este libro nos transportará al mundo interior del artista y a un mundo pictórico que Puig asienta sobre dos grandes pilares, su preocupación por el hombre y su contacto con la tierra, bajo una visión expresiva y una coherencia sublime. Por todo ello, Puig ha demostrado a lo largo de su carrera una gran sensibilidad e interés por todo lo relacionado con el arte, la música, y la poesía que ha ido desarrollando a lo largo de su vida.

Mar Arza: Ritmo del ahora

2010-05-23T14:15:00.001-07:00

Del latido del tiempo brota la conciencia del ahora que impulsa el trabajo presente en la exposición “Enciclosofía” en la Galería Cànem de la artista Mar Arza.La muestra gira entorno al tiempo, centrado la atención en los relojes mecánicos de cuarzos y en su unidad de medida, el segundo (seconda minuta: segunda división de la hora, también fracción de una circunferencia). Los segunderos toman protagonismo, segundo tras segundo, empecinados con adelantar y aumentar el ritmo, lo que se ve frustrado ya que en algunos casos no pueden, puesto que los frena el ahora, en este preciso instante. Es importante anotar que cada segundo pasa y deja impronta. Cada segundo late y vibra detrás de un fondo de palabras, y resuena en las campanas al ritmo de la fugacidad del ahora. Así que cada segundo suena y resuena de forma irrecuperable. Con obras como Libro de ahoras [polifónico], Libro de ahoras [o caja torácica], Libro de ahoras [o alcancil] o Álbum [o ramo de hojas secas] el espectador se adentra en la inmensidad del tiempo siguiendo el ritmo de los segundos que arrastran en cada tic-tac, el misterio de la fugacidad de tiempo así como el de la vida misma. Vida que trae consigo emociones, sensaciones y sabiduría al ritmo cardíaco acentuando la existencia de cada instante en el presente. Bajo miles de notas que se repiten y se multiplican al libre albedrío se construye una melodía que no deja de recordarnos la fugacidad del tiempo y la maleabilidad de su percepción.

Las obras aquí expuestas marcan un ritmo y conforman un “libro de ahoras” propio para cada uno de los visitantes, ya que la percepción se compone de cada una de las palpitaciones y pulsaciones del individuo en sí. Al que se supedita el relato o narración del tiempo a través del reloj que traza en la arena un círculo, que gracias a repetirse una y otra vez, crea una reiteración cíclica casi coreográfica del mismísimo instante. Es decir, del ahora, de lo cotidiano y de lo rutinario. La exposición pretende que el visitante disfrute del ahora y tome consciencia del instante y del movimiento cíclico que lo acompaña, dejando atrás la concepción del efecto lineal soporífero que produce en nosotros la repetición continúa.Así pues, vivimos en un entorno cíclico: segundos, horas, días, semanas, meses, años, estaciones, etc.. Todo gira rítmicamente provocando movimiento, transformaciones así como sensaciones muy diversas en el espectador. Arza anhela despertar en nosotros un bagaje cultural y emocional adormecido. Por último destacar que Mar Arza manifiesta una serie de anuncios: “Buscase sistema orográfico que haga latir todos los cuerpos”, en los que proclama la necesidad de sentir el ritmo de las emociones y los placeres del ser humano. En definitiva, la experiencia que se adquiere con el paso del tiempo y el cúmulo de sensaciones y vivencias que registra el ser.

Avecindamientos discretos (EACC): "Redes"

2010-05-23T01:36:00.000-07:00

Es importante distinguir red social o redes sociales de los "servicios de red social" como Facebook, MySpace, Twitter entre otros. Las redes sociales como campo de investigación tienen unos campos de aplicación mucho más amplios que los de los "servicios de red social" que hoy están tan de moda.

Una red social sería una estructura social compuesta de personas (u organizaciones u otras entidades), las cuales están conectadas por uno o varios tipos de relaciones, tales como amistad, parentesco, intereses comunes, intercambios económicos, relaciones sexuales, o que comparten creencias, conocimiento o prestigio. Así pues, las redes son formas de interacción social, definida como un intercambio dinámico entre personas, grupos e instituciones en contextos de complejidad. Un sistema abierto y en construcción permanente que involucra a conjuntos que se identifican en las mismas necesidades y problemáticas y que se organizan para fomentar sus propios recursos. Por lo que perfectamente podríamos considerar a este proyecto de “Avecindamientos discretos” una red en sí misma, que se fortalece y crece un poco cada día.

Las redes sociales en Internet han ganado su lugar de una manera vertiginosa convirtiéndose en promisorios negocios para empresas y sobre todo en lugares de difusión y de encuentros humanos. Tenemos la posibilidad de interactuar con otras personas aunque no las conozcamos, el sistema es abierto y se va construyendo obviamente con lo que cada suscripto a la red aporta, cada nuevo miembro que ingresa transforma al grupo en otro nuevo. La red no es lo mismo si uno de sus miembros deja de ser parte. Intervenir en una red social empieza por encontrar allí otros con quienes compartir nuestros intereses, preocupaciones o necesidades y aunque no sucediera más que eso, eso mismo ya es mucho porque rompe el aislamiento que suele aquejar a la gran mayoría de las personas, lo cual suele manifestarse en retraimiento y otras veces en excesiva vida social sin afectos comprometidos. Por esa misma razón el EACC puede ser un nudo fundamental de la red al que se van hilvanando los hilos a su alrededor siguiendo las pautas de los artistas que participan en “Avecindamientos discretos”. Posibilitando que pluaridad y comunidad se conjuguen originando gran parte de toda la energía que le da vida a los grupos humanos que conforman las redes. Las redes sociales dan al anónimo popularidad, al discriminado integración, al diferente igualdad, etc.

Con todo, la conexión de los diferentes vecinos permite sobre el individuo cambios que de otra manera podrían ser difíciles y genera nuevos vínculos en el individuo.

Las redes sociales en Internet, de las que ya hemos hablado, como Facebook o Myspace son el penúltimo paso en esa evolución del ser humano y sus comportamientos colectivos. Básicamente el funcionamiento comienza cuando una vez montado el soporte técnico, un grupo de iniciadores invitan a amigos y conocidos a formar parte de la red social, cada miembro nuevo puede traer consigo muchos nuevos miembros y el crecimiento de esa red social puede ser geométrico. Lo mismo ocurre con esta exposición que va creciendo gracias a las opiniones y a la participación de los visitantes, creando una red cada día más amplia. El poder de las redes así como su capacidad es algo muy superior a lo conocido hasta hoy, y sus reacciones un misterio. Las redes sociales, las de siempre, y las ciberespaciales, son un superorganismo vivo, al igual que el arte. Y la clave no es sólo la influencia que ejercen los demás sobre un individuo sino la de éste sobre los demás. Este proyecto se difunde y se teje a modo de red social expandiéndose por blogs y webs. En definitiva vivimos en un mundo donde no hay una única voz sino muchas que se hilvanan formando una red amplia y sólida que nos envuelve. De igual forma con “Avecindamientos discretos” se parte de artistas muy diversos que se unen para tejer una red de forma conjunta.

Texto de Alexandra Belli

Avecindamientos discretos (EACC): "Diálogos"

2010-05-16T02:08:00.000-07:00

Etimológicamente diálogo (del griego διά (diá, a través) y λόγος (logos, palabra, discurso)) es una modalidad del discurso oral y escrito en la que se comunican entre sí dos o más personas, en un intercambio de ideas por cualquier medio.

Un diálogo puede consistir desde una amable conversación hasta una acalorada discusión sostenida entre los interlocutores, y viene empleado dentro de los diferentes géneros literarios así como en la vida diaria. Un buen diálogo permite definir el carácter de los personajes que forman la ciudad: la palabra revela intenciones y estados de ánimo, en definitiva, lo que no se puede ver, y en ello radica su importancia. Esta modalidad exige un gran esfuerzo de creación, ya que obliga a penetrar en el pensamiento del ciudadano.
En respuesta a la ciudad, por la monumentalidad de sus construcciones y por las agresiones sufridas, se tiende a transgredir ese espacio, que diariamente nos agrede. Bajo una gran diversidad de formas de expresión sobre cómo vive, aborda, padece y mira la ciudad cada uno de nosotros. De ahí que la muestra de “Avecindamientos discretos” tenga el afán de generar un diálogo que permita conocer cómo se expresan actualmente los artistas en la ciudad, cómo responden los espectadores y qué opinan al respecto.

Me gustaría subrayar que la exposición está generando un sin fin de conexiones entre la ciudad y sus habitantes originando una serie de diálogos de lo más variopinto.

Podría aventurarme a afirmar que “el diálogo es por si ciudad”, ya que el diálogo sostiene toda ciudad y constituye una llamada a los ciudadanos. Lo propio del filosofar es suscitar el diálogo, es decir, convocar, reunir y polarizar. Así que indudablemente la ciudad se convierte, de este modo, en un centro, allí donde se encuentre, abriendo sus puertas al diálogo, suscitando la posibilidad de la conciencia hacedora de historia y destruyendo el entendimiento de la urbe como puro artefacto construido y por construir, es decir, de producto y pura mercancía. El diálogo es necesario para la ciudad de y para los ciudadanos. No se trata de que todos nos expresemos con un mismo lenguaje, sino de que ampliemos nuestras virtudes y establezcamos un diálogo entre nosotros, como vecinos que somos creando así un avecindamiento, donde se rompa la identidad individual construida a partir de la hegemonía de la razón, como ciudad meramente física, para reintegrar la naturaleza y lo social como centro y alma de la ciudadanía. Posibilitando, de esta forma, el encuentro y los diálogos, así como las consideraciones de los ciudadanos. Con todo ello, se lograrían ampliar los diversos flujos sociales tejiendo una sólida red social. En definitiva, se restituiría el espacio público.

Texto de Alexandra Belli

Avecindamientos discretos (EACC):"Los no lugares"

2010-05-09T05:20:00.000-07:00

Alrededor del espacio creado para Avecindamientos discretos en el EACC, se daría lo que Marc Augé denomina los no lugares. Que convierten a los diversos ciudadanos en meros elementos de conjuntos que se forman y deshacen al azar como en Facebook o Twitter, simbolizando la condición humana actual y más aún del futuro.

El usuario mantiene con estos no lugares una relación contractual establecida por una web y no tiene en ellos más personalidad que la documentada en su perfil de usuario. Así pues, a través de estos no lugares, espacios propiamente contemporáneos de confluencia anónima, donde los sujetos están continuamente en tránsito, se permite un furtivo cruce de “miradas” entre personas que puede que no se encuentren nunca.

Con todo, los artistas y los participantes del proyecto, se encuentran de igual modo, sumergidos en estos no lugares, bajo un halo de misterio. Tienen únicamente conocimiento del punto de partida pero no poseen mayor información que la documentada durante su proceso de participación. Puesto que la exposición se mantiene viva y en movimiento, nadie sabe que sera lo siguiente, es una obra que a diferencia de los monumentos, no expresa precisamente permanencia o, por lo menos, duración.

Por el contrario, habría que hablar de la dimensión materialmente temporal de estos espacios. Itinerarios que se miden en horas o en jornadas en marcha, mediante performances, conferencias, etc. Se establece una rotación de lugares y de días consagrados al crecimiento y desarrollo del objeto pertinente, que a su vez puede engendrar en los vecinos fantasías e ilusiones: fantasía del ciudadano, de una sociedad anclada desde tiempos inmemoriables en la perennidad de un terreno intocado más allá del cual nada es ya verdaderamente pensable; de una sociedad tan transparente en sí misma que se expresa entera en la menor de sus costumbres, en cualquiera de sus instituciones así como en la personalidad global de cada uno de los que la componen. Por desgracia la fantasía de muchos de estos vecinos es la de un mundo ya cerrado y fundado de una vez y para siempre que, a decir verdad, no siempre conocen. Por ese mismo motivo, este espacio expositivo le brinda al ciudadano la oportunidad de reconocerse en él. Al infundir “semifantasía” en el lugar, nadie tiene porque dudar de la realidad del lugar comun ya que nadie ignora la realidad de la probabilidad.

Texto de Alexandra Belli

La urdimbre femenina

2010-05-09T04:33:00.000-07:00

La exposición “Coser y callar” comisariada por Maria Teresa Beguiristain Alcorta cuenta con la participación de ocho mujeres españolas: Yolanda Herranz, Maribel Domenech, Natividad Navalón, Uxia Blanco, Raquel Blanco, Celeste Garrido Meira, Concha Sáez y Sonia Touron Estévez.

Beguiristain comenta: "Todas ellas nos hablan desde su ser de mujeres, desde su necesidad de expresión de sus experiencias femeninas, y con una común reivindicación, las cosas de mujeres ni son banales, ni simples de comprender o construir. Coser y callar o coser y cantar no es cosa fácil de hacer, sino todo lo contrario, requiere capacidad, habilidad, adiestramiento y un extraordinario poder de observación",

Así pues, no es una reivindicación chillona y airada, dice la comisaria, como se teme, a veces, del arte feminista. "Ninguna de las piezas aquí expuesta lo es. Es un homenaje a tantos trabajos anónimos y valiosos de mujeres que no desean ser importantes, mujeres de portada, pero cuyo trabajo, en apariencia tan sencillo, muestra la complejidad de lo aparentemente simple e ignotamente imprescindible".

Nada más entrar nos encontramos con la obra de Yolanda Herranz con su definición de felicidad “Tener lo que quieres. Querer lo que tienes”, un juego de palabras que nos enreda aún más si cabe en un mundo paradójico. Juego que plasma Concha Sáez con su serie “Los estados perplejos” en la que su protagonista es el famoso dibujo animado de Pikachu. Simbolizando la inocencia, las travesuras del juego y el papel de la mujer como procreadora. La exposición es un recorrido por la mente femenina, se sumerge en el panorama del ser mujer. La mujer a lo largo de la historia ha representado todo tipo de estereotipos: mujer fatal, fría, calculadora, mujer seductora, objeto sexual, etc. Y es precisamente por este motivo por el que las mujeres han trabajado, trabajan y trabajarán reivindicando desde postulados diferentes la figura femenina a lo largo de nuestra existencia.

Estas artistas ejemplifican a la perfección la reivindicación del uso de materiales e ideas que les rodean, que tienen “a mano” como los típicos utensilios de uso exclusivo en labores del hogar.

Durante la exposición destacan los pedazos de tela u hojas cosidas que arreglan, conservan y almacenan realizando durante el proceso un acto performativo. Entremezclando el mundo femenino con lo natural, con el origen y lo primigenio.

En las obras se palpa una atención al detalle, muy intuitivo, y la minuciosidad casi solemne con que realiza cada una de las obras, digamos -bordadas-. Se llega a crear un área intimista y muy femenina, donde el visitante se llega a sentir arropado por un halo familiar, repleto de historias, momentos y vivencias compartidas que se sienten a flor de piel. Te conmueve y la empatía se apodera de ti.

Nos sorprende el vídeo de Uxía Blanco sobre las costureras así como las obras donde apreciamos las redes típicas de las pescadoras. Así pues, se une el trabajo no remunerado ni valorado con la fuente natural de la vida, así como reivindica la violencia de género y los sacrificios a los que debe someterse la mujer en el mundo actual. Y se remarca la discriminación que sufre la mujer contemporánea.

La delicadeza de los bastidores de las costureras de Raquel Blanco se acompañan de manchas rojas y palabras como callar, velar, boda, señorita, etc.; o la frase: “el silencio es el adorno más bello de la mujer”. Se pretende despertar la conciencia del espectador, la mujer no es solo una costurera silenciosa con la mirada baja, está viva y tiene algo que decir como mujer. Al igual que Yolanda Herranz enaltece la feminidad y la sensualidad de la mujer a través del cuerpo y sus fluidos capturados en recipientes que brillan sobre pequeños altares. Como la red de tejidos de Maribel Domenech que directa e indirectamente relacionamos con el cuerpo femenino como lo son el vestido y la ropa interior femenina que se iluminan destacando lo que reluce en el interior. Lo verdaderamente importante, el alma, la esencia de la mujer que la mayoría de las veces se esconde o se infravalora. Que desgraciadamente la moda esconde bajo una moda opresiva que se refleja perfectamente en unos zapatos de tacón realizados con pétalos y espinas, que contraponen la belleza y la feminidad con el sufrimiento y el dolor que soporta la mujer al día de hoy bajo el típico lema que para presumir hay que sufrir. De ahí que Sonia Tourón se represente así misma colgada de una percha denunciando el rol de la mujer a lo largo de la historia como mero objeto a disposición del hombre y la sociedad. O que Celeste Garrido confronte las labores domésticas delegadas a la mujer con electrodomésticos. Es como si el papel relegado durante años a la mujer se liberara o se frustrara para tantas otras que ya no se sentían imprescindibles ni útiles preguntándose si esa máquina era mejor que ellas. Por último, la obra de Natividad Navalón titulada “la sombra de la consciencia”, refleja la esencia femenina perfectamente representada por suaves almohadones aterciopelados de color granate que se someten al peso y al yugo de la sociedad industrial

Con todo se ofrece un juego y una visión múltiple del papel o rol de la mujer.

Todas ellas reivindican y utilizan su cuerpo como principal medio de expresión con la ayuda de materiales como, el papel o el tejido que durante siglos se ha relacionado solamente con las labores femeninas. Utilizan los materiales que tienen a mano; telas de diversos colores y texturas con las que tejen grandes composiciones, que tejidas bajo una perspectiva individual llegan a alcanzar una global; creando así, una visión, una sensación de esfuerzo y fuerza unificada que resulta entrañable aunque se vislumbre como una labor en serie. Es un trabajo conjunto, sin discriminación, unido por un fin común: reivindicar las tareas femeninas educándolas y elevándolas hasta alcanzar la categoría de obra de Arte. Se realza y se valora el trabajo femenino infravalorado durante años y la figura femenina, reafirmando a la mujer y a sus quehaceres.

Patrick Borchers: La mirada reconstruida

2010-05-05T11:41:00.000-07:00

Bajo el título de "Hingeschaut und umgebaut" Patrick Borchers se presenta en el ámbito artístico. Este artista alemán maneja sorprendentemente la información, la mira y la destruye reconstruyéndola bajo su propia perspectiva.

El punto de partida para la obra gráfica de Patrick Borchers es la prensa diaria y semanal. Su mayor interés esta mediado por los medios de comunicación, que ofrecen imágenes de los diferentes fenómenos de terror,como por ejemplo, la toma de rehenes en Beslán, o el atentado en el metro de Londres, así como el 11M en España.

Su mirada se centra en la percepción individual extraída de ciertos individuos y grupos. Reduce su contexto espacial original y comprime la apariencia a simples líneas. El dibujo se desarrolla bajo un procesamiento gráfico, como uno más de los medios de los que se sirve Borchers para subrayar su cometido artístico-social. Generando así un espacio entre la catástrofe y el espectador y creando la distancia necesaria para que podamos analizar los hechos expuestos recurriendo a nuestros conocimientos previos.

Borchers combina diversos enfoques ofreciendo al espectador diferentes lecturas, que pueden completarse con la narrativa lineal que traza con su discurso narrativo. Así pues, dispone una concatenación de diferentes formatos en hojas sueltas que se colocan en la pared de manera libre y asimétrica, otorgando cohesión y, englobando una individualidad parcial dentro de un conjunto. Borchers dirige el ojo del espectador a los detalles específicos que capturaron sus retinas deteniendo por un instante la imagen que ha decidido mostrarnos. Con todo, sus dibujos constituyen una lectura compleja, por un lado debido a las continuas asociaciones que debemos entrelazar, que sin lugar a dudas, aumentan nuestra conciencia sobre ciertos aspectos, pero por otro lado, resulta un proceso de lo más constructivo.

Recapitulando, Patrick Borchers trata la prensa, así como las imágenes y videos que circulan por Internet. Suele recopilar la información por bloques temáticos y los archiva de forma organizada y sistemática. El foco de su percepción está dirigido a un ámbito social y político, cuestionando de forma controvertida la información que manejan y ofrecen los medios de comunicación, que a su vez, pueden ser los causantes de alarmar a la población en más de una ocasión así como de amenazar la seguridad pública.
Borchers analiza este hecho y lo considera " Sólo un pequeño salto ", dentro de la escala de implicación e instalación que enfrentan estos fenómenos.

Para él la investigación artística es el hecho artístico en sí mismo, de ahí que presente fragmentos de videos, imágenes o fotografías trazando nuevas y divertidas redes lineales. Así pues, la secuencia narrativa se forma a través de la transición de elementos descompuestos parcialmente para que puedan ser reinterpretados por el espectador que se encuentra nadando a contracorriente.

Amparo Sard -Impasse-

2010-04-12T04:30:00.000-07:00

Impasse nos sitúa en un punto muerto, en un camino sin salida que comienza en el 2004 con la serie La mujer mosca, en la que Sard emplea el video y el papel perforado para desarrollar un lenguaje plástico sólido y coherente pero que al mismo tiempo provoca un proceso lento que corre el riesgo de estancarse. Es decir, la angustia que provocan las dudas o el miedo por tomar la decisión equivocada se desarrolla lentamente y puede arraigarse en nosotros de manera que no podamos avanzar y nos encontremos de forma perpetúa en una vía sin salida.

Así pues, ese miedo y el dolor placentero que llegamos a sentir, casi autocompasivo, recordando los errores cometidos y los momentos antes de tomar una decisión que nunca tomamos son los temas que la artista trabaja durante este periodo.

En su obra, es fundamental la función del agua, del blanco así como del propio cuerpo que actúa a modo de piel/soporte. Con todo, la fragmentación del cuerpo va íntimamente ligada al de la imagen que se consigue gracias al efecto óptico del agua y de los minúsculos agujeros que crean una ilusión de la realidad en sus obras de papel. Por otro lado, su blancura desvela sobriedad, sutileza y perdurabilidad que contrasta con las situaciones, a veces, extremas a las que somete a sus personajes.

La artista juega con la textura que se convierte en la gran protagonista, gracias a las construcciones metafóricas que Sard subraya mediante sus series de papel.

En su obra también hay cabida al paso del tiempo que se refleja tanto en la sucesión ordenada de la serie de papel como en la narración del video, que aunque a simple vista sus técnicas parezcan muy diferentes e inconexas Sard las sitúa conjuntamente desde sus series La mujer mosca y El hombre invisible porque todas poseen un mismo hilo conductor, la narración.

En sus obras de papel se consigue una confusión gracias a la contraposición entre realidad y ficción, a la que tanto ayuda la imagen dotada de movimiento, especialmente es sus fantasías oníricas.

“Mis papeles” dice Sard, “pueden entenderse desde dos puntos de vista: por un lado los referentes ¿agua, maleta, tubo, silla, mosca, mujer...?están contando algo dentro del rectángulo definido por el papel. Algo que está abierto al mundo de la libre interpretación. Pero por otro lado está el lenguaje con el que me muevo. Un lenguaje subliminal. Un lenguaje que habla de lo bello pero sobre todo te comunica con lo siniestro. Un ejemplo lo tendríamos cuando lo que parece vivo en realidad está muerto, como ocurre con la figura de cera o los muñecos autómatas. O viceversa, cuando algo que debería estar vivo en realidad es un objeto, como pasa con un brazo amputado, por ejemplo”.

Por lo que el juego de amputaciones conseguido antes con las refractaciones del cuerpo, aquí Sard los consigue incorregibles y estáticos, cortando la visión del cuerpo con madera. Así pues, lo bello y lo siniestro se dan cita con la misma intensidad. Serenidad e inquietud se solapan a través de videos y papeles blancos perforados, desprovistos de color en los que aparecen figuras de cuidadas vestiduras o ropajes, suspendidas e ingrávidas en una actitud aparentemente serena en la que percibimos una ligera inquietud al intuir los daños sufridos a causa de una serie de decisiones erróneas o tardías.

Hace referencia al error y la confusión entre la causa y la consecuencia –sin marcha atrás-. Una vez más evidenciamos la vinculación existente entre la angustia y el tiempo (agua): el dolor-placer que se consigue mediante el recuerdo prolongado en busca de una solución o explicación.

Así que el espectador se debate entre completar la línea u observar el agujero, que a su vez, es penetración, descubrimiento, revelación y espejo que deja entrever la realidad imperturbable e invariable de cada uno de nosotros.

La construcción deconstruida: Agustín Serisuelo

2009-11-15T08:50:00.000-08:00

Agustín Serisuelo vuelve con un proyecto de investigación “De la experiencia plana a la experiencia tridimensional” compuesto por una serie fotográfica y otra escultórica basadas en la representación de un mismo espacio. En este caso en concreto el espacio elegido es su propia casa, bajo el concepto de espacio habitable. Después de finalizar su serie Refugios vacíos, los cuales ejemplifican la sencillez y el concepto básico de casa – un cuadrado y un triánglo-; desarrolla su propio espacio.
Así pues, el tema principal es el espacio, en especial el habitable y cómo éste es diferente y cambiante bajo la luz y la mirada que le otorgue el observador. Puesto que el mismo espacio cerrado puede abrirse o cerrarse provocando en nosotros sensaciones muy diversas. Serisuelo juega con el espacio abriendo un espacio, en un principio cerrado e íntimo, para mostrárselo al espectador desde múltiples perspectivas bajo estructuras de madera. Juega con la bidimensionalidad pictórica y la tridimensionalidad escultórica y arquitectónica. Las enfrenta en un juego de contrarios y las somete a la tensión existente entre los espacios abiertos y cerrados o los interiores y exteriores.
Podría decirse que su trabajo es un proceso en sí mismo, desde principio a fin de deconstrucción y reconstrucción.
Y eso precisamente hace Serisuelo, trabaja con el material, en este caso la madera y la fotografía. Por lo que éste toma una nueva y refrescante presencia en su obra ya que hay una simbiosis perfecta entre el material y la obra en sí. En él se haya el origen de toda construcción matemática, técnica o racional y de toda construcción lineal y precisión, así como también, el comienzo a la deconstrucción.

En la obra de Agustín se aboga por la simplicidad, por la construcción y al mismo tiempo la deconstrucción. Su obra rechaza, de alguna manera, todo vestigio de referencia o ilusión, planteando cada obra como un espacio único y perfecto y una estructura completa dentro de sus límites que contrariamente se abren ante nosotros.
Lo paradójico es la contraposición, o más bien, la tensión que existe entre la construcción y la deconstrucción en sus obras, abriendo así, un fuerte a la diversidad y a la creación.

Nos incita a reflexionar acerca del espacio que nos rodea, y la concepción del mismo como espacio interior abierto a través de su proceso de construcción.
En este caso, la serie escultórica es consecuencia conceptual de la fotográfica, que presenta a modo de collage digital, estando las dos enmarcadas en el mismo proceso creativo. La exposición parte de la experiencia plana hasta reconstruirla en experiencia tridimensional.
El objetivo principal del proyecto de A. Serisuelo, según el propio artista, es la re-apropiación experiencial y procesual del espacio, ya que se trata de un intento de re-definición del espacio íntimo que habita y que está íntimamente ligado a los cambios afectivos que hacen del mismo algo versátil y cambiante, algo alejado de su naturaleza arquitectónica relacionada con el espacio como construcción.

La materia, una nueva presencia

2009-11-15T08:47:00.000-08:00

Agustín Serisuelo nos presenta “Cercles viciosos”, podría decirse que su trabajo es un proceso en sí mismo, desde principio a fin: deconstrucción y reconstrucción.

“Mi máquina se construye sobre el principio de utilizar formas vivas y orgánicas. La observación de dichas formas me condujo a la conclusión de que las formas más estéticas son las más económicas. En este respecto, el arte consiste en trabajar con la forma del material”.

Vladimir Tatlin

Y eso precisamente hace Serisuelo, trabaja con el material, en este caso la madera, otorgándole la mayor parte del protagonismo. El material toma una nueva y refrescante presencia en su obra ya que hay una simbiosis perfecta entre el material y la obra en sí.
En el material se haya el origen de toda construcción matemática, técnica o racional y de toda construcción lineal y precisión, así como también, el comienzo a la deconstrucción.

En la obra de Agustín se aboga por la simplicidad, por la construcción. Su obra rechaza, de alguna manera, todo vestigio de referencia o ilusión, planteando cada escultura como una entidad perfecta y una estructura completa dentro de sus propios límites.
La alternancia de los elementos de tensión, curvatura y anclaje, de superficies, de cualidades táctiles y de huellas de uso de relieves nos invitan como diría Lissitzky: “a reorganizar el sentido visual en función del tacto”.
Aunque tampoco podríamos considerar que la propiedad del material sea absoluto. El arco curvado y la elasticidad de la curva vibran con el ritmo de un proceso vital de crecimiento y crean un contrapunto real a la divina línea recta. Su obra más bien realza las energías biodinámicas de los materiales, al igual que sus cualidades estructurales.
Lo paradójico es la contraposición, o más bien, la tensión que existe entre la construcción y la deconstrucción en sus obras, abriendo así, un fuerte a la diversidad y a la creación.

Nos incita a reflexionar acerca del camino a seguir para llegar al conocimiento de uno mismo a través de la forma y su proceso de construcción en este mundo dicotómico.

Lawrence Weiner

2009-11-02T06:34:00.000-08:00

L.W: BAJO EL SOL
23 de Octubre 2009 - 28 de Marzo 2010

El arte conceptual adquirió la categoría de movimiento a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Denominado “idea arte” o “información arte”, ya que se basa principalmente en que las ideas o conceptos constituyen la obra en si. El arte conceptual va más allá del body art o fluxus, olvidando y descartando todo vehículo físico, utilizando mensajes orales o escritos para expresar sus ideas, atrás quedan las actividades, los objetos, acciones o documentos que se concebían como un simple medio para presentar su concepto.
El claro precursor del arte conceptual es sin duda, Marcel Duchamp, al cuestionar las reglas del arte, su inclinación hacia el intelecto, el cuerpo y el espectador tanto en la creación como en la recepción del arte, así como por el hecho de elevar la idea por encima de las nociones tradicionales de estilo y belleza. Se podría decir, que el arte conceptual es un tipo de arte donde el material es el lenguaje, es un arte en el que el material es el concepto. Asimismo fue definido por dos de sus primeros exponentes, los estadounidenses Sol Le Wittt y Joseph Kosuth. Le Witt definió este arte como aquel “ creado para captar la mente del espectador más que su mirada o sus emociones”, y declaró que la “idea en sí misma, aun no convertida en visual, es mucho más una obra de arte que cualquier producto acabado”. Para Kosuth, el reto del artista consistía en descubrir y definir la naturaleza y el lenguaje del arte, declaró “la única justificación del arte es el arte. Arte es la definición de arte.” Entre los artistas que estuvieron y están íntimamente ligados a este movimiento destacamos al neoyorquino Lawrence Weiner (n.1940). Muchas obras conceptuales tomaron la forma documental, propuestas escritas, performances, fotografías, instalaciones, planos o fórmulas matemáticas así como películas o vídeos, que podremos disfrutar en la programación especial que el EACC proyectará con motivo de la exposición “Under the sun/ Bajo el sol/ Sota el sol” del 1 al 6 de noviembre, en las que se incluirán cortometrajes y largometrajes desde los años setenta hasta la actualidad. Para Weiner la elaboración de películas al igual que sus libros, posters -que también podremos disfrutar en el Espai didàctic del EACC- o discos, reflejan también su interés por un arte más democrático. Que se expande y llega a una mayor masa gracias a la popularidad de sus medios. Sus filmes están protagonizados por sus amigos , con un carácter intimista, en su largometraje A first quarter, observaremos la influencia del cineasta J.L. Godard, en la estructura adoptando los principios del cine de la Novelle Vague. En A second quarter, filmada en el 75 en Berlín, Weiner explora las barreras y fronteras, mientras que en Passage to the North y Plowmans lunch, filmadas en Amsterdam, exploran lo que sucede cuando los objetos y la gente son movidos o trasladados de un lugar a otro. Plasmando las múltiples posibilidades planteadas por el artista a la hora de realizar una obra.

Al mismo tiempo, dentro del lenguaje que utiliza, no hay que olvidarse del gesto, elemento fundamental y creador del artista. Un gesto que se registra sin moralidad, -como remarcaba el propio artista-, de forma neutra, que nos indica que con un único gesto/movimiento de muñeca podemos matar a un toro o volar una cometa. Lo que no deja de ser paradójico e irónico puesto que el mismo gesto de matar al toro de una estocada se puede convertir, al revés, en el gesto de un niño al alzar una cometa. Remitiendo al movimiento, al giro y a la vuelta, estos gestos crean la idea fundamental de esta exposición Bajo el sol, movido a la fuerza de la sombra, al sol y del sol a la sombra hasta la formación de un círculo de luz y de oscuridad con un simple movimiento de muñeca. Weiner aplica este principio de direccionalidad, desafiando al espectador a producir significado a partir de conceptos en apariencia inconexos, un significado que refleje fielmente la realidad del receptor. Convierte la direccionalidad/no direccionalidad en el asunto de la obra.

Lawrence Weiner dejó la pintura en 1968 y desvió su atención hacia propuestas escritas en libros o directamente en las paredes de las galerías o espacios expositivos, como en el caso que nos ocupa. El título de cada pieza explica cómo se había ideado ésta y cómo podía visualizarse en la imaginación de cada espectador, lo que permite la existencia de múltiples versiones para cada una de sus obras. Como Weiner declaró: “Una vez toman conocimiento de una obra mía, se la apropian. No hay manera de poder meterme en el cerebro de alguien para quitársela”. La preocupación por Weiner por el lengaje era compartida por muchos artistas conceptuales como Kosuth, Barry, Baldessi y los artistas del grupo Art & Language.
Desde el principio de su carrera, Weiner ha trabajado en el estudio, introduciendo materiales y experimentando con sus propiedades. Para evitar las limitaciones y la especificación de exponer objetos, Weiner vuelve al lenguaje como medio para presentar su escultura. Al traducir su trabajo de estudio al lenguaje, Weiner comunica el contenido de cada obra sin especificar ninguna de sus cualidades físicas. Las propiedades del lenguaje unen las aspiraciones de Weiner para su obra: ser accesible, subjetiva, y sobre todo apropiada para un público variado. Motivado por un deseo social de contribuir a una solución, Weiner dice que su obra tiene éxito simplemente si enriquece las vidas de otros seres humanos. Al emplear materiales sencillos tales como agua, piedra…, la obra es potencialmente accesible a cualquiera

Weiner considera que la construcción lingüística puede provocar la misma reacción en el espectador que un objeto convencional ya que la importancia de la idea está por encima de la materialización de la obra. El concepto es la pieza de arte independientemente del soporte utilizado.
En la exposición destaca su deseo de dotar a la obra de movimiento, algo que consigue totalmente a través del lenguaje.

Alejandro Mañas Garcia

2009-09-29T07:16:00.000-07:00

Las telas de Mañas son paisajes sin una referencia directa al mundo percibido visualmente, es decir, paisajes del hombre interior. En la muestra titulada “Cuerpo y Paisaje Místico" podremos apreciar como el artista excava en la pintura como si fuera a abrir la corteza de un árbol para descubrir lo que la herida quiere sacar a la luz.

Alejandro crea su propia realidad: paisajes pictóricos cuya tensión formal procede del contraste entre los espacios vacíos y silenciosos y las configuraciones dotadas de forma, entre lo positivo y negativo, entre azar y orden, libertad y control, realidad y ficción. Algunas de sus obras son totalmente enigmáticas, que se escapan de una explicación racional, pero sin embargo parecen aportar el testimonio de existencias vividas en un pasado lejano. Otras nos muestras paisajes primigenios, continentes perdidos arrastrados por el viento.

Estos paisajes místicos, a menudo oscuros, aparentemente monocromos están atravesados por una gama de colores muy significativos, sus cuadros parecen apartados del contexto del tiempo presente. Poseen una extraña serenidad y dignidad desencadenando una reacción positiva ante los enigmas del universo.

Mañas deja que pincelada tras pincelada fluyan sus convicciones y sentimientos sin trabas en una energía en blanco, negro y rojo, compuestas de formas desordenadas.
La tela se presenta ante el artista como un campo sin límites, en la que brotan paisajes desconcertantes mediante trazos cargados de expresividad.
Es como si en lugar de expresar sus impulsos íntimos en el campo de la pintura, ordenara inconscientemente el plano en forma de paisajes expansivos, a menudo vacíos, y formas simples y generosas, que han recibido una estructura desordenada.

Así pues, se establece un dualismo entre el blanco y el negro, solo interrumpido por las salpicaduras en rojo, identificándose con lo positivo y lo negativo, la luz y la oscuridad, la visión o la ofuscación, aprehensión visual o la negación del espacio en el que se produce. Estos dos colores representan a lo largo de la historia del arte la negación del color. Aunque en este caso en concreto, el toque de color en los cuadros lo aporta el rojo. Con todo, el rojo es vida, energía, potencia, poder, amor, calor y fuerza, sin lugar a dudas, el rojo te eleva a un nivel superior de consciencia.
El blanco y el negro, si nos referimos a los espacios de la representación plástica, constituyen uno de los sistemas de representación de la naturaleza en sus relaciones de proximidad y lejanía. Y es por eso que Mañas consigue sumergirnos inconscientemente dentro de sus paisajes hipnóticos, donde abandonamos nuestra consciencia y cedemos el paso al silencio majestuoso, solamente interrumpido por pinceladas de rojo que nos devuelven al aquí y ahora, y nos obligan a afrontar la realidad.

Así es como Alejandro Mañas, en lugar de hacer uso de bulliciosas cataratas de color, reduce su paleta a un nuevo orden, en el que predomina un negro silencioso y resalta un rojo enérgico. Las formas penetran en el plano pictórico desde el interior, tienden a superar los límites y a expandirse. Se combina así, una reflexiva inteligencia con una energía pictórica y una vulnerable sensibilidad.

Alberto Biesok: Árboles que vi en mi memoria

2009-08-11T13:34:00.000-07:00

Alberto Biesok (Valencia, 1981) nos adentra en lo más profundo de la naturaleza proponiéndonos una visión de nuestro entorno melancólico, con un cierto aire de misterio que nos acerca a los grandes paisajistas del s.XIX, como el británico William Turner, con un toque personal que no deja de recordarnos a los románticos alemanes como Caspar David Friedrich.
Su obra nos presenta una mirada de entre la hierba o matorrales de los árboles, resaltando la magnitud y la nobleza de estos seres vivos que sufren las inclemencias del tiempo y las más que inoportunas acciones llevadas a cabo por la mano del hombre.
Biesok nos dirige hacia una visión más natural, casi mental y sentimental de los árboles que el visitante absorbe en experiencia.

La muestra destaca por el halo romántico que circunda toda la exposición gracias a una gama cromática oscura y la vez fría que muestra a los árboles escondidos, que aparecen y desaparecen entre los rayos del sol. La atmósfera que predomina es la de atardeceres o amaneceres creando una luz etérea que embellece aún más a nuestros árboles aún cuando se encuentran entre nubarrones negros.
Lo curioso de la muestra es la forma que tiene Biesok de presentarnos a los árboles como sujetos individuales y únicos en busca de su propia verdad, dotándolos de un protagonismo más que merecido como elementos principales del motivo propiamente en sí paradójicamente al tratamiento que hacían los famosos paisajistas británicos del s.XIX -J.Constable y W.Turner-, los cuáles plasmaban grandes tempestades así como paisajes campestres donde los árboles eran tan solo un componente más.

Alberto Biesok nos invita con su obra a meditar, a detenernos un instante, dejando atrás miradas perdidas y fugaces, que sinceramente nos son indiferentes y resultan vacías ante nuestras emociones.
Sus cuadros, sin lugar a dudas, captan y atraen nuestra atención por su gran poder de atracción, por su riqueza, por su misterio y, sobre todo, por el mensaje que parece que intentan transcribirnos los árboles.
Es como si a través de los pigmentos, de la técnica mixta sobre el lienzo que emplea Biesok, los árboles quisieran conectar con nosotros -aún a pesar de estar caídos, o de tener los troncos partidos- transmitiéndonos todo su valor además de su fortaleza y nos acogieran como si de los brazos de una madre que vela por sus hijos se tratase.

Biesok nos muestra en esta exposición de máxima calidad artística a seres vivos que pesar de ser castigados y olvidados por la mayoría de los humanos siguen sustentando a esta humanidad encantada que sucumbe ante los encantos de la globalización.

Biennale di Venezia 09

2009-08-11T10:39:00.000-07:00

En la edición de este año, la Biennale lleva por título Fare Mondi, y es que el arte no hace otra cosa que hacer y construir mundo.

Con algunos cambios, unas mejoras y algunas sorpresas, la Bienal no deja indiferente a nadie.
Lo mejor para mi, como siempre, ha sido la libertad y el espacio expositivo, y el poder ver in situ obras de artistas tan variados y experimentados junto a otros artistas noveles.

Mi mayor sorpresa ha sido el pabellón de Austria en los Jardines, con la participación de Elke Krystufek con TABOU TABOO. Así como el de Egipto, con los artistas Almand Askalany y Adel el Siwi, que establecen un dialogo entre dos mundos, creando un microcosmos improvisado contrarrestando con la grandiosidad de los materiales y de las obras. Al igual que Alemania no nos deja indiferentes con un edificio totalmente abierto y desordenado con una serie de hileras de estanterias vacias de madera con un único elemento, un gato disecado que sostiene una hoja de papel entre los dientes. La cuestión aqui es la de siempre: ¿Qué significa? ¿qué se puede hacer aqui? ¿quien habla? ¿que se nos dice?. Quizás, lo único que podemos sacar en claro, es el contexto de funcionalidad del mundo de hoy en día.

Me gustaría destacar que entre los pabellones de España e Israel, ambos han apostado este año principalemente por la pintura, me quedo con las obras de Raffi Lavie ante las de Miquel Barceló.

Lavie es uno de los artistas más destacados e influyentes del panorama artistico de Israel, capaz de crear un lenguaje peculiar y particular, especifico del lugar según sus propias necesidades y deseos.

Por otro lado, U.S.A. ha apostado por el controvertido Bruce Nauman, con una muestra en la que recorre los cuarenta años de carrera del artista.

Para finalizar, recordar que entre todo el complejo expositivo se pueden visitar obras de Michelangelo Pistoletto, Yoko Ono, Héctor Zamora,Gutai, Simone Berti, Jorge Otero-Pailos, Chu Yun, Rosa Barba, Sherrie Levine, etc..

Paula Bonet: Fugacidad reflejada

2009-08-01T10:51:00.000-07:00

Esta joven artista que se ha incorporado recientemente al mercado del arte; licenciada en 2002 por la Facultad de Bellas Artes del Politécnico de Valencia, ha participado hasta la fecha, en numerosas exposiciones en España, Italia, Estados Unidos y Chile. Inmersa también en la orbe del diseño, en la cual trabaja y colabora, actualmente, la artista de villareal regenta un taller creativoen Valencia -Oh My Brush-, que convierte en un universo lleno de posibilidades ante nuestros pies.
La pintura de Paula representa principalmente interiores: ambientes cálidos, íntimos, afectivos y sensuales, metáforas de la propia interioridad, en favor de una vida intensa, sanguínea y apasionada; ajena a la contención y a la renuncia que inevitablemente trae consigo el paso del tiempo.

Su obra materializa emociones intensas que rehúsan su propia naturaleza esquiva para fijarse al lienzo. Las sensaciones fugaces traspasan las fronteras y se convierten en emociones narradas, recreando así, su sensibilidad ante el espectador.
Observando la pintura de Paula, habría que destacar, la muestra incesante de fragmentos incompletos, recortes de la realidad, pedazos e instantes borrosos, como si se captasen en movimiento, en plena transformación; en los cuales hay un claro predominio del color rojo –fuego, calor, pasión, etc-.
Con todo, su obra parece enfocarse a los sentidos, es decir, se percibe con la vista, pero entrarían en juego el tacto, el oído, el gusto y hasta el olfato, ya que en la intimidad, usamos todos nuestros cinco sentidos para disfrutar y potenciar al máximo las sensaciones. Su obra recrea el mundo palpable y visible en el que vivimos, encuadrando y recortando el marco que la envuelve.
Paula, limita y busca fragmentos de la realidad que la rodea, es como si renunciara deliberadamente a un todo, para centrarse exclusivamente en los instantes de la vida que le llaman especialmente la atención.
Movida y motivada por la inquietud y la curiosidad, realza el detalle, no solo como selección sino como cercanía, poniéndonos las cosas pintadas casi al alcance de nuestra mano, implicándonos en el proceso y aproximándonos a sus vivencias.

Es cierto que el mundo se mueve, y que las fluyen, cambian y se transforman, sin embargo, a pesar de que en el transcurso de nuestra vida, infinidad de formas nuevas aparecen una y otra vez, uno de los impulsos primordiales de la pintura consiste precisamente, en oponerse a la fugacidad de las cosas, en captar y marcar el momento, la acción y perpetuarlo. Así pues, nos aventuramos a combatir contra la incesante fugacidad, especialmente la de la belleza. A los seres humanos, nos atrae la idea de inmortalizar lo bello. Aunque, una vez más, existen excepciones, ya que Bonet parece plasmar el hecho irremediable de esa fugacidad y de su consiguiente transformación, mediante su imprecisión, el desenfoque, la borrosidad y la indefinición, así como con la multiplicidad. Ya que inevitablemente, todo lo vivo se mueve y se transforma. Para ello, Paula se vale de las exposiciones lentas al utilizar sin flash su cámara digital, recogiendo escenas interiores que no son instantáneas congeladas y precisas, sino momentos de tiempo transcurriendo, acciones en proceso, presentes y continúas. A partir de esas imágenes captadas por su objetivo, pinta cuadros que no traicionan con su esteticismo, el flujo de lo vivo, y por eso actualizan y renuevan una parte importante de la tradición de la pintura y de la historia de la fotografía.

Por último, al ser recorridas por la mirada, las estructuras compositivas estáticas se convierten en ritmos silenciosos, gracias a la repetición de formas, trazos, pinceladas y colores, que marcan rítmicamente nuestro paseo por la superficie del cuadro. Así pues, pintar un cuadro es una tarea que concierne a todo el cuerpo y por consiguiente, a sus cinco sentidos.
La pasión que mueve la vida se abre paso entre cada uno de los visitantes mediante el movimiento, el color y la energía que desprende Paula con cada pincelada.

Simulacro de realidad:Juan Diego Ingelmo

2009-07-22T23:23:00.000-07:00

En su último trabajo visualizamos una mezcla ácida a la par que divertida entre el pop art y el hiperrealismo. Lo novedoso de este trabajo, reside en que pretende unificar bajo la misma forma, por lo que su propósito es totalmente diferente, a la simple reproducción de imágenes contrapuestas.
Se podría decir que en su faceta más reciente, se desvela a un Ingelmo que pinta con obsesión, intensidad y firmeza comportándose siempre de una manera neutra respecto al espacio y al material empleado. En su último trabajo, Ingelmo manipula en función de sus propias leyes o incluso del absurdo. Aquí, el espectador se encuentra sumido ante una de las interpretaciones más evidentes: la confrontación entre el mundo capitalista, ensalzado por la goblalización, y la cruda realidad; la confrontación entre lo sobrenatural y poderoso contra lo propiamente natural e indefenso. Es decir, pone de manifiesto una fuerte contradicción entre su realidad interna y la que existe en su entorno.
Así pues, podemos observar una narración figurativa procedente de un universo de imágenes sin sombra de juicio moral o político. Los personajes que protagonizan esta serie, son incapaces de adoptar un patrón y ceñirse a un orden señalado que comulgase con lo socialmente correcto. Por lo que Ingelmo, con su nuevo trabajo da la espalda por un momento a todo lo que tiene de convencional y tradicional, por un nuevo y refrescante uso de sus costumbres sujetas al sentido común.
Sus lienzos superan el pop art, ya que se emplea a fondo para hacer triunfar ideas y comunicar argumentos que colaboran, en cierta manera, a mitigar los procesos que se ciernen en la “destrucción” de la humanidad. Y para ello, recurre en esta ocasión, al lenguaje de los cómics; trabaja con imágenes procedentes de la historia del arte o de nuestra realidad cotidiana, mezclándolas con imágenes de los mass-media, del mundo de la publicidad o de los cómics. No nos obliguemos a caer en la trampa de considerar estas imágenes como banales, así pues, debemos agudizar nuestra capacidad asociativa, relacionable y conceptual.
Una vez más, Ingelmo refuerza su formación más ilustrada, derivada de sus conocimientos del legado artístico, en función de la contemporaneidad.
La expresión artística que nos presenta con esta nueva serie coincide, de manera interactiva, con la crisis de valores actual y el desorden de los mismos que ayuda poco a que los “actores sociales” se desplacen por el escenario de la vida con “su verdad” y actúen recurriendo a sus principios más básicos. Con todo, Ingelmo, apuesta por la renovación necesaria de la conciencia del individuo actual desde un humanismo, a veces, olvidado.

El movimiento estático de Adrià Pina

2009-07-19T01:04:00.000-07:00

La trayectoria artística de Adrià Pina se extiende a lo largo de más de 30 años, en los que se ha ganado un puesto entre los más interesantes artistas valencianos innovando y creando un estilo muy personal.
Sus obras, aunque a primera vista, se puedan relacionar con el Hiperrealismo, la obra de Pina va más allá. Ya que las pinturas de Pina contienen dobles sentidos, reflexión y crítica y, sobre todo, una complicidad muy contrastada con el espectador.
La muestra se compone básicamente de series, pero especiales y nada repetitivas ya que cada una de las piezas posee su propia independencia, pese a pertenecer a un conjunto. Podemos disfrutar, así pues, de series compuestas por una técnica mixta, tan reales como conceptuales.

Durante todos estos años su búsqueda plástica y sus reflexiones estéticas han ido confirmando un discurso poético muy personal e inclasificable alrededor a su propia figura.
En los años 70 ingresa en el mundo de la pintura que recubre con matices decididamente ecologistas, con una representación del realismo crítico en resonancia con el ambiente sociopolítico de la época. A comienzos de los años 80, Pina se lanza a la creación de sus famosas series. Si observamos los cuadros de las últimas series, podemos constatar que este infatigable y complejo creador continúa totalmente con su trabajo aunque sea a contracorriente, pues, es fiel a sus convicciones personales.
Esta exposición nos revela la frescura del trazo de las imágenes concebidas y ejecutadas por Adrià Pina, así como, su orientación estética. Por otro lado, el trabajo del pintor remarca la persecución, del artista, por defender su propio estilo libre.
El mismo Adrià nos explica su trayectoria profesional, la cual, ha estado siempre vinculada a la figuración, concretamente, a la del realismo.
Las diferentes etapas por las qué ha pasado son como viajes intimistas: la naturaleza, el cuerpo, los instrumentos de trabajo, los objetos que le rodean, la arquitectura urbana, los museos, las esculturas que le atraen y que le interesan. Siente fascinación por la cotidianidad y por todo aquello que le rodea. Son imágenes insólitas y atrevidas, encontrando una realidad y un estilo diferente, resultado de una busqueda, planificación y maduración pensada, para comunicar una realidad y unas formas de lo más personales. Piensa que con su obra debe complacer al espectador, haciéndole pensar, al mismo tiempo, a través de sus imágenes. “Idear y crear era lo mío y a lo que dedicaría todos mis esfuerzos. Todo menos reprimir la imaginación, huyendo de las modas vigentes e ir a contracorriente”. Prefiere la pasión fría pero con disparos emocionales que se dejan entrever en el acabado del objeto artístico, a la pintura caliente y mediterránea en la qué no caben adjetivos como, por ejemplo, el hiperrealista.
Además de telas realiza esculturas, objetos, grabados y serigrafías. La exposición consta de partes bien diferenciadas. En la que podemos observar una de sus series más conocidas -Mans- que parte de otra más antigua, que hizo en los años 80. “Eran las manos de mi madre y ahora son las de mi hija, mi hijo y la mía. Mi trabajo con series es el más conocido y la parte más grande de mi obra. Las series sirven para localizar rápidamente el sentido de cada pieza, aunque pueden ser vistas independientemente del conjunto. Son fragmentos de imágenes, realizadas en medianos y grandes formatos dónde se deja ver el lenguaje de las manos. También se podría decir que estas imágenes son gestos congelados, donde los colores juegan con la fuerza de los fragmentos de las manos”.
Adrià trabajó varios años incorporando técnicas no convencionales y materiales diversos, muchas veces utilizando también objetos tridimensionales para matizar y realzar el realismo en la obra, donde destaca el collage de forma mucho más contundente. Además de la composición de las obras, para Pina es muy importante el tratamiento, la técnica y las texturas de los lienzos, que remarca con polvo de marmol en ocasiones. Busca la fidelidad a la imagen originaria como punto de partida, apoyándose en la fotografía. Introduciendo juegos seductores de estrategias visuales dónde el color y la composición, se mantienen en una tensión constante.
Otra de las series que podemos ver es la de -Capses- en las que aparecen instrumentos y elementos cotidianos que están cerca del entorno de Pina. Cajas que se llenan de lápices y de herramientas de su trabajo, juguetes, o personajes de comics, además de con imágenes provenientes del mundo Pop. Que a su vez, nos narran una historia a través de las diferentes secuencias.
El arte de Adrià Pina, destaca por provenir de un mundo divertido y colorista con múltiples lecturas. Gracias a los materiales que le ayudan a dar sentido y consistencia a las obras, como la madera y las telas en crudo -para una mejor lectura de las obras-. Así pues, estamos hablando de un juego de diferentes secuencias, donde el movimiento tiene un papel importante, aunque sean imágenes estáticas.

Laura Ambrosi

2009-06-24T06:40:00.000-07:00

Esta artista italiana exprime su arte en diversas áreas o disciplinas artísticas: pintura, escultura, diseño, performances, video-instalaciones e instalaciones luminosas en metacrilato y neón. Aunque dentro de su obra, destacan principalmente éstas últimas por las que Ambrosi siente una clara predilección.
Laura es una mujer activa dentro de un mundo contemporáneo al que constantemente pone a prueba sometiendo el lenguaje de su escultura hasta dominarla en una idea, más próxima al diseño.
Los objetos representados se relacionan de modo casi dialéctico con el ambiente que les rodea, manteniendo una ligereza intrínseca, con la cual ofrecen un intenso golpe de lo vivido, revelando su significado a consecuencia de momentos íntimos y significativos. Ligeros y transparentes, estos objetos adoptan diversas formas en metacrilato; parecen tejidos suaves y blandos a punto de desvanecerse para dejar paso a la poesía que llevan por dentro, a la delicadeza misma que nos transporta a un estado de intimidad abstracta.

Su presente se reconoce en las cosas más domesticas y cotidianas, así como con las prendas más íntimas. Objetos en los que el cuerpo ha dejado el signo de su vida y el lugar que ocupa en el espacio que le rodea. Trabaja en proyectos en los que sigue un hilo conductor, por lo que siempre se sirve de objetos de uso común que se encuentran al alcance y conocimiento de todos.
Su obra destaca principalmente por la implicación de la acción de forma directa en fachadas de monumentos, generalmente para acercar las obras a sitios poco comunes y alternativos, fuera de las típicas galerías o museos, para darle un giro inesperado y novedoso y así, poder comunicarse con un nuevo lenguaje más cercano y directo al espectador cargado de sentimientos y sensibilidad femenina que le precede a la artista.
El material estrella de Laura suele ser la luz, la luz que da forma a los dibujos que reposan en las superficies creando juegos de claroscuro.
En obras como “Missing” –“Missing Truth” – “Sham” las palabras, los números y las cartas, dan forma a sus propios recuerdos, a sus carencias, etc.. Sobre el plexiglás transparente aparecen escritos que aparentemente son anotaciones para sí misma, señales de un desahogo personal para rehusar el vació interior y redimirlo del dolor de la perdida. Esos escritos, medio cubiertos por el folio de plexiglás y sus pliegues, reclaman al espectador hasta conducirlos a realizar mentalmente sus propias listas de carencias, deseos y necesidades.
Laura Ambrosi ha hecho innumerables exposiciones por toda Europa: Italia, Reino Unido, Alemania, Holanda, y Castellón, donde vuelve después de haber expuesto ya en el 2002 en Cànem junto con Irina Novarese y Luisa Raffaelli en la exposición “Minima et Marginalia”. Dentro del proyecto Maionese sobre la creatividad femenina, con la colaboración de la Associazione Culturale En Plein Air de Pinerolo Italia.
El objeto de Laura entra en la vida, como si quisiera dormir, a través de la metáfora de la ausencia y simulacros hiperrealistas. De ahí el uso de objetos de uso diario como perchas sin prendas que colgar o vestidos sin cuerpos a los que vestir. Que nos llaman especialmente la atención por el material que los compone – metacrilato- y la luz fluorescente que los ilumina y los diferencia del resto de objetos.

Amparo Dols: huellas etéreas de la memoria

2009-05-24T09:36:00.000-07:00

La Exposición "Estancias" de la artista Amparo Dols (Castellón, 1949) recoge una selección de pinturas realizadas entre los años 2000 y 2008, donde el gran protagonista, en este caso, es el soporte -tela y madera-. Buscando, en la mayoría de sus obras, el dibujo que deja la sombra en un intento de tridimensionalidad.

Todas las piezas, que se presentan aquí, hablan de un viaje, la ilusión de un proyecto personal y la desilusión de su realización, convirtiéndose, así pues, en un viaje imaginario. Por lo que, la esencia residiría en la preparación y en la frustración simultáneamente de dicho sueño.
La artista castellonense evoca las sensaciones orientales con sus batiks, sin abandonar su particular lenguaje, lleno de color, derramado sobre la tela arrugada en un procedimiento de teñido oriental a la cera, técnica natural, a la que le superpone plegados topológicos para no dañar la tela de forma agresiva. Amparo nos brinda sus batiks orientales porque son manifestaciones de su propio espíritu Zen, motivado por su filosofía personal. De la misma manera, sus cuadros pueden considerarse minimalistas porque así es su propia experiencia. La muestra genera belleza, delicadeza, que concentra la creatividad con el destino, el trabajo con la fantasía y el color con la ensoñación. La muestra transpira sencillez y feminidad, con la ayuda de materiales como el papel, cartón, varillas de madera ligera o el tejido que durante siglos se ha relacionado solamente con las labores femeninas. Utiliza los materiales que tienen a mano; telas de diversos colores y texturas con las que teje las composiciones, que tejidas bajo una perspectiva individual llegan a alcanzar una global; creando así, una visión, una sensación de esfuerzo y fuerza unificada que resulta entrañable aunque se vislumbre como una labor en serie. Se podría hablar, pues, de la idea de un trabajo conjunto, sin discriminación, unido por un fin común: reivindicar las tareas femeninas. Así pues, se realzaría y se valoría, al mismo tiempo, el trabajo femenino infravalorado durante años, reafirmando a la mujer y a sus quehaceres domésticos. Presenciando, de esta manera, el retorno del arquetipo de mujer como Diosa, dotada de feminidad y belleza, como mito. A su vez, el colorido de sus trazos aúna a la perfección el marco con el lienzo, creando un conjunto armónico.

El título de la muestra “Estancias” no pretende representar nada real, sino evocar las huellas impalpables con propósito de retener sensaciones, sentimientos o nostalgias intensas sin imagen, por medio de texturas, gamas y tonalidades que permanecen suspendidas en la memoria del recuerdo.

El trabajo aquí expuesto es el resultado de una sensible y profunda investigación sobre la respuesta de los colores a un propósito de imaginación casi lírica, en la que la forma pretende ser como la representación del sonido sobre la tela, hablamos pues, de sinestesia. Es decir, a cada tonalidad le correspondería una nota musical. Hasta crear una melodía que invita a la ensoñación. Así pues, Amparo ofrece una panorámica ambiental, armada de sutileza, sugestión y romanticismo que son como poemas sonoros transfigurados en color.

Al mismo tiempo, nos encontramos con que las creaciones de Amparo Dols ensalzan la idea de imagen como medio universal. Que ella misma, consigue, a través de la pintura sobre madera o tela, dependiendo de la ocasión. No en vano, en la trayectoria artística de Amparo, destacan sus pinturas de atmósferas cromáticas que llegaron a conformar, de forma característica, su abstracción de carácter tenue. Para pasar a trabajar, en la década de los ochenta, sobre soportes de madera toda una serie de pinturas dónde las referencias y alusiones a la geometría y a la arquitectura eran innegables. Para seguidamente, pasar a construir, alrededor de los años noventa una nueva abstracción, conseguida básicamente mediante el juego, que establecía entre los diferentes niveles de apoyo. Combinando en la obra materiales de diversa índole, a modo de collage, bajo su propio buque insignia: la graduación de colores. Consiguiendo una base uniforme de diferentes texturas de reminiscencia oriental con un cierto toque poético.
Su obra, en definitiva, es una bocanada de aire fresco, que proviene de las emociones pausadas que Amparo nos trasmite desde la profundidad de sus emociones.

Antoni Llena: miedo creativo

2009-05-24T09:04:00.000-07:00

En la obra de Antoni Llena (Barcelona, 1942) destacan las composiciones realizadas con materiales pobres y perecederos: papeles, alambres, maderas, desechos, cartones, cabellos, etc., en los que el paso del tiempo juega un papel importante.
Su trayectoria como artista empezó en 1964, cuando sus esculturas e instalaciones empezaron a exponerse, sobre todo en espacios públicos. Su primera etapa, destaca por su trabajo conceptual, que se vio interrumpida por un período de reflexión. Aunque a principio de los ochenta reemprendió su producción con pinturas de papel manipuladas, para posteriormente centrarse en obras tridimensionales.

Así pues, nos encontramos ante el propio universo de Antoni Llena. Se trata de una poética de lo frágil, de lo vulnerable, de lo efímero, en un mundo que, por otro lado, no está exento -hoy día- de agresividad y violencia. Se podría decir, que sus materiales actúan a modo de actores de reparto en lo que podría ser el “drama” de la vida.
Llena presenta sus collages y esculturas en una serie de cajas o vitrinas que refuerzan la idea de microcosmos, o de escenario de teatro. Suele presentarnos un conjunto de vitrinas, dispuestas en un eje longitudinal, una detrás de la otra, que nos recuerda a una secuencia cinematográfica sin fin. Nos muestra un juego de contrarios permanente entre ruido y silencio, o entre equilibrio y tensión.

En el recorrido propio del artista, existen unas directrices constantes que se repiten una y otra vez, de forma casi obsesiva. El mismo Llena explica que en sus primeros pasos creativos se sentía presionado por la voluntad de hacer una obra, o más concretamente, una gran obra. La alternativa sobrevino cuando –según el propio artista– comenzó a realizar unas piezas de “entretenimiento”. Se trataba de unas esculturas de papel que lo “liberaban del (…) peso de la responsabilidad artística”. Afirma Llena que con ellas se sintió “aliviado”. En alguna de ellas, encontramos, a su vez, sus propios escritos con cortes e incisiones que aparecen como otro texto, que proponen una lectura plástica de la obra. Una obra que busca una simbiosis libre entre lo escrito - reflexiones sobre estética y arte - y los cortes - plástica pura.
Era efectivamente un trabajo efímero y sin trascendencia, temporal e insignificante, que le hacía superar el terror de crear, de ser artista. Estas esculturas de papel estaban hechas para ser destruidas y este hecho implicaba al azar para evadir la problemática de la creación. Y es que, hoy en día, la suerte no se caracteriza por ser traslúcida y diáfana. En la medida en que –la fatalidad- se interrelaciona cada vez más con el “yo” creador, el artista contemporáneo siente la creación como algo problemático.

Sin embargo, Llena sigue contando cómo descubrió la destrucción como acto creativo, aspecto éste que no se puede separar de las esculturas efímeras y de la problemática de la creación. Él explica que, allá por los finales de los años 70, sintió que estaba realizando un trabajo convencional que “no funcionaba” y que de pronto cogió el cúter y empezó a cortar. El corte “fue como un milagro” y ejerció instantáneamente “una fascinación mágica” en el artista. Con todo, la obra de Llena es una reivindicación de la pintura, la cual ha definido como un modo de alcanzar la realidad sin amarrarla. Plásticamente hablando, Llena hace uso de diferentes soportes que le han permitido desplazar los códigos pictóricos, es decir, usa las tijeras o el cúter en lugar del cincel, o papeles de diferentes colores que actúan a modo de soporte y materia de la obra, así como, introduce la tridimensionalidad o el volumen como fuente de color, a los que cabe sumar, fragmentos de madera o recortes de celofán cuya pobreza material despunta el difícil equilibrio que se establece en cada una de sus piezas.

La obra posterior de Antoni Llena ha ido evolucionando, pero la esencia que rodea el aura de todas sus obras es la del miedo, dicho en otras palabras, el miedo del propio artista ante la creación.
Lo que se escenifica, pues, en los dioramas de Llena, es el fantasma de la creación. Lo que se esconde tras la obra -fragilidad, vulnerabilidad y violencia- son, claramente, expresiones del miedo y de la dificultad del artista. Y resulta significativo cómo Llena llega a materializarlos en un lenguaje, cómo transforma sus temores en materia de arte.
Otro tema, que podríamos destacar en las piezas de Llena, es el de la corrupción y perversión. Y es que cualquier universo, por muy de miniatura que sea, acaba pervirtiéndose cuando transforma sus papelitos y collages en esculturas monumentales.

Antoni Llena alega que: "Se quiere explicar demasiado el arte y hay una obsesión ridícula por buscarle un significado", y remarca que la sociedad debería respetar el derecho de los individuos a disfrutar de uno de los mayores poderes del arte: "Dejarnos en suspensión, plantearnos misterios, hechos irracionales".

Francesco Geronazzo: La semilla como origen

2009-04-01T05:33:00.000-07:00

Este joven artista, de origen italiano manifiesta su obra de forma intimista, desde un punto geográfico del espíritu que ha construido mediante la intuición, la imaginación y la reflexión que conlleva todo pensamiento.
Geronazzo cultiva su obra --podríamos decir que “planta la semilla”-- como si cada uno de los cuerpos que formaran parte del fruto dieran origen a la culminación de su trabajo. Gracias a diversos fragmentos de líneas, manchas, huellas, garabatos fijados en una serie de documentos, libretas, archivos, así como páginas de libros, Geronazzo afronta toda su experiencia personal. Teniendo en cuenta que la práctica artística es de por sí regresiva, entre otras cosas, su forma de avanzar e/o innovar es retrocediendo, es decir, buscando remontarse al origen. Así, destacamos el uso de un soporte de segunda mano que el artista reelabora y reinventa, añadiendo parte de su propio conocimiento --empobreciendo y enriqueciendo simultáneamente la obra--. Es un arte que innova excavando, señalando o remarcando la superficie de lo recóndito, del pasado, del mismo modo que provoca cierta interesante innovación.

Superposición:
Su trabajo se sumerge en una constante superposición que, de forma alterna, transforma la superficie en fondo y el fondo en superficie, pero siempre en un mismo plano.
El artista, interviene de forma activa durante todo el proceso, como fruto de la conjunción del paso del tiempo. La apariencia novedosa de diseñar de Francesco no oculta su acción narrativa. Es el espejo de una experiencia provocada por un viaje en que el visitante se encuentra en un estado continuo de aprendizaje. Durante el itinerario, el espectador se aproxima al mundo de la experiencia. Cabe destacar la reiteración de la idea de origen, principio, procedencia, siempre presente a través de esas semillas que crea el artista.

La semilla como origen:
La función típica de la semilla es la de servir de elemento retardante, permitiendo suspender el crecimiento si las condiciones no son favorables o de proporcionar el tiempo necesario para su dispersión. De forma más sencilla, decimos que cada uno evoluciona y adquiere su propia experiencia a su debido tiempo. Es una facultad innata del ser humano, como la de comprender/madurar. Así pues, mediante el arte y la palabra, podemos alcanzar el lenguaje, entendido este como la posibilidad de estar en medio de lo abierto del ser.
Adentrándonos en términos filosóficos, la esencia del lenguaje es determinada como “poética” porque el lenguaje crea, funda el mundo de los entes que podemos comprender y conocer. Heidegger llegó a decir que “poéticamente habita el hombre en esta tierra” –-de la que nace la semilla-- y que “somos una conversación”. Nosotros, los seres humanos, existimos poéticamente y somos una conversación. Eso significa que nuestro ser se funda en el lenguaje. Por eso Heidegger señaló que los hechos en sí no existen, son únicamente interpretaciones.
En este sentido, Francesco Geronazzo subraya y remarca la superficie –-la superficio del mundo-- reflejando a modo de espejo su propia interpretación, es decir, su itinerario de viaje. Así, todo está marcado fruto de la explosión de su propia reflexión, de su experiencia. Lo cierto es que cada gesto pensativo es indisociable de la acción. Sin embargo, cuando es gráfico, este gesto genera una especie de intervalo, una duda, una vacilación, lo que convierte la acción de dibujar en una acción reflexiva.

Huellas del tiempo:
El artista italiano no se expresa en sus obras hacia fuera, lo hace más bien para sus adentros, o si se prefiere, como aire retenido, como aliento racional y unificante, que informa y ordena de forma universal.
Al final, tanto en sus grabados, esculturas y pinturas, la materia y el signo –-la semilla-- son los dos accidentes de las huellas del tiempo. Y el arte la evocación elegíaca de este.

Marcos Carrasco: Sinestesia epidérmica

2009-03-30T08:01:00.000-07:00

Marcos Carrasco (Madrid, 1959), informalismo, abstracción geométrica y figuración se dan cita en este del artista madrileño. Tres son los lenguajes totalmente diferentes, opuestos incluso, que este autor ha conseguido fundir hasta obtener un resultado sorprendente atrevido y atractivo.
Su inmersión artística empezó con la “premovida” madrileña, en la que se sirvió de la ilustración y el cómic underground que llegaba de Estados Unidos. Con la “Movida” en marcha, Carrasco colabora de forma activa como ilustrador en dos de las revistas punteras del momento. La revista madrileña -La Luna de Madrid-, ante todo de artistas, con una redacción abierta a colaboradores que, en una gran medida, desinteresadamente participaban en el producto que se hacía. Con todo tipo de secciones, artes plásticas incluyendo historieta, fotografía, publicidad y diseño, literatura, filosofía, moda, música, teatro, variedades, reportajes de ciudades, en fin, cualquier expresión artística, buscando en formatos de debates y otras iniciativas un espíritu de vasos comunicantes, interdisciplinar, poniendo a la gente en contacto con otros creadores, y siempre buscando un cierto aire provocador, transgresor. Y la revista -Star-, que durante los años 70, capitaneó desde Barcelona ese movimiento que se vino a llamar la contracultura, y desde sus páginas dejó que textos e historietas se fundieran en una crónica de unos tiempos irrepetibles.
En los 80s Carrasco aterrizó en el mundo universitario de Bellas Artes, donde descubriría a Miquel Barceló, a Francis Bacon, o Enzo Cucci entre otros.

Por lo que su carrera se vio influenciada por el surgimiento de una nueva corriente, como era la Movida -movimiento contracultural-. Con todo, el artista madrileño ha dado un giro a su carrera artística, gracias a la ayuda de las nuevas tecnologías digitales. Con las que trabaja en un marco de infinitas posibilidades y combinaciones. Trabaja sobretodo la textura y para ello se sirve de diversos materiales como la lona plástica o el vinilo. Su intención es la de crear una epidermis, es decir, pretende crear un sensación figurativa dentro del mundo de la abstracción.
En su trabajo destaca el juego de interacción entre -obra y espectador-, Carrasco juega con nuestra mirada, como hilo conductor y pilar fundamental de sus creaciones. Nos otorga el poder de la mirada, para ofrecernos diversas formas de expresión.
No debemos olvidar que sus obras, influidas por su gusto por el cine, nos enseñan a mirar, como lo haría un director de cine. La vida no se condensa en una única toma, sino que está compuesta por primeros planos, secuencias, fundidos, recorridos, es decir, en varias tomas. Y es eso precisamente lo que Carrasco nos transmite, suavidad, belleza, profundidad, y realidad entre un paisaje real e uno imaginario. Por eso, se sirve del cuerpo humano a modo paisaje, consciente de ese paralelismo, Carrasco recorre con trazos valles y montañas. Entrando en una contraposición continúa entre abstracción y realidad. Y para ello se sirve de líneas, curvas y texturas que nos provocan e invitan a jugar, de nuevo, con la perspectiva y la pintura. Carrasco se sumerge y explora lo que podríamos llamar la cuarta dimensión de la pintura: el tiempo. El cual transcurre, día tras día, ante nuestros ojos sin que nos demos cuenta, llegando solo a detenerse ante cualquiera de estas obras, que nos adentran en el mundo de emociones imaginadas.

David de la Rosa: Confesiones fotográficas

2009-02-18T07:25:00.000-08:00

David de la Rosa (Lleida, 1974) concibe su trabajo como su pasión y su cámara como una herramienta para expresarse y confesarse, o más bien, es su vía de escape, su amiga e incluso su amante. La fotografía le ayuda a ver las cosas como son a comprender y aceptar la vida tal y como es.

Para él la obra va ligada al autor, por lo que es casi imposible que su obra no sea un poco autobiográfica. Ya que cuando el objetivo dispara el artista no puede escapar, e indirectamente se captura el reflejo de su propia vida -personas, lugares y ambientes-, acaban formando un diario propio con imágenes. En palabras del propio artista: Fotografío lo que vivo y lo que soy. Me muevo por inercia, con libertad. Busco o encuentro, elijo y tomo decisiones.
La fotografía se convierte en algo personal y muy íntimo para el propio artista, que contrariamente se muestra con atrevimiento y osadía frente al espectador. Fotografiar es una exhibición pública del interior, una pérdida de intimidad -voluntaria-, en la que se exponen los deseos, los sentidos, las fantasías, que caprichosamente se graban en la película sensible para la posteridad. La fotografía es como un testigo en directo, siempre en primera fila, sincero y duro, al cual, no se le puede ocultar nada. Así pues, es capaz de paralizar un instante de vida, de pellizcar la historia y formar parte de ella y de transportarnos al mundo sensible que cada cual guarda dentro sí. Es casi imposible no provocar a los sentimientos ante una fotografía, poco a poco sientes como si una gran fuerza invadiera tu interior, es más bien como si una mezcla explosiva de nostalgia, alegría, dolor, o tristeza nos invadiera.

La fotografía para David es: como una imagen con una fuerte carga de autenticidad, que produce en la persona que la mira, una sensación mágica. A mí me pasa continuamente, cada vez que encuentro una fotografía que me atrapa, en un libro o una exposición, no puedo dejar de darle vueltas a esa imagen, el modelo o el motivo, la luz, tan deseada y buscada, la composición siempre exigente… Ese preciso, y a veces, precioso momento para siempre.

Y poco a poco esos instantes fugaces capturados con la cámara cobran sentido, nos transmiten emociones y sensaciones nuevas o despiertan en nosotros otras ya vividas. Creando un vínculo especial entre el artista, la cámara y el visitante.
Para David la sensación de compromiso con la fotografía crece cada día más, disparar el objetivo de su máquina fotográfica se ha convertido en una necesidad, al igual que, la de dejar su propia huella en nuestro mundo de hoy.

Aunque David de la Rosa, no deja de sorprendernos, ya que en el 2008, publicó su primer libro de poesía que se titula Palabrada. Considerada una muestra importante del realismo sucio de la poesía española. Sus fotografías bien podrían ilustrar sus poemas, ya que siguen la misma línea real de su obra visual. Su trabajo está dotado de un gran poder de convicción -tanto en la fotografía como en la poesía-, capaz de mostrar un mundo crudo del que no queremos saber nada. El mismo identifica su obra con el término de realismo sucio: Me parece un término adecuado para definir este tipo de poesía. Nos guste o no, la realidad siempre es sucia, en sentido metafórico y literal. Pedro Juan Gutiérrez en una entrevista lo dijo bien claro. El encanto de un bebé recién nacido se pierde por completo si piensas que llegamos a este mundo rebozados en nuestros propios excrementos y en coágulos de sangre. Es así y punto.

El mismo explica como las dos categorías artísticas, en las que se envuelve, le parecen compatibles, es como si se complementasen la una a la otra en una simbiosis perfecta.
La fotografía de autor, en palabras de David, es pura poesía. Muchas fotografías son instantáneas pero otras conllevan una premeditación y un entendimiento de lo que finalmente vas a fotografiar, como en la elaboración de la poesía.
Sus poemas, al igual que, sus fotografías son sinceras y honestas, nos reflejan la realidad que De la Rosa ha vivido y visto en las calles, y que otros no se atreven a mirar de frente. Lo que explicaría y nos ayudaría a entender su predilección por la fotografía en blanco y negro, ya que en la vida de cualquier persona se presentan -claros y oscuros- continuamente, y solo depende de cada uno que camino tomar.

Armadura: Joel de las Heras

2009-02-07T08:04:00.000-08:00

Armadura es una instalación creativa en la que, Joel de las Heras Beán, el mago de la sombra, invita a ver dentro de nuestro interior todas aquellas barreras y cadenas que las experiencias depositan detrás de nuestras espaldas. Exterioriza todas las frustraciones y desengaños mediante fotografías, diseño y audiovisuales. Joel consigue crear una exposición dinámica, donde cuerpo y mente se funden, defendiéndose de ése cruel mundo exterior.
En el panorama artístico actual, Joel de las Heras, es uno de los artistas que trata la sombra como si fuera la propia presencia personal. Es decir, la sombra en general, en todas sus facetas, la propia, interna, con cavidades, proyecciones, espectros, distorsiones, reflejos de una realidad concreta , de diversas y múltiples perspectivas y de unos cuerpos opacos interceptando los rayos directos del sol.

Joel con sus audiovisuales estimula e incita al espectador a investir de golpe el dolor, con imágenes intensas, pero paradójicamente con una finalidad magnánima a la vez.
Ayudándonos a sacar a la luz ciertas envolturas ocultas tras la personalidad de cada uno de los visitantes.
Su arte podría relacionarse con lo abyecto, que como sostiene Julia Kristeva, inspirada en la noción psicoanalítica de abyección, en su obra Pouvoirs de l’horreur. Essai sur l’abjection al afirmar que la abyección es lo que perturba identidad, sistema y orden. Lo que no respeta bordes, posiciones, reglas. Como podemos comprobar, esta serie dista mucho de poseer reglas, bordes y posiciones, ya que es una obra totalmente abierta que no deja de perturbar, eso sí, la identidad inexistente de las sombras en una continua lucha de claroscuros.

Es un trabajo personal, íntimamente atado al autorretrato y a la propia introspección dinámica de una reflexión diaria del mundo que nos rodea. Se percibe el deseo constante de Joel de llegar a entender la realidad, denunciando un sistema que le parece arcaico. Por lo que, su obra se muestra como una manifestación en la que se invita al espectador de despojarse de la armadura que todos armamos en el día a día, casi de forma autómata.

Carteles de cine danés y sueco (1900-1914).

2009-01-30T11:39:00.000-08:00

El cartel de cine durante el período de entreguerras, se destaca entre otros motivos, por la perfeccta integración del cine con las corrientes artísticas de vanguardia. Sin embargo, el cine, con el paso del tiempo, fue abandonando las propuestas estéticas más atrevidas optando por procedimientos narrativos más inteligibles, exigidos tanto por el gran público como por la industria cinematográfica.
El cartel de cine, por consiguiente, siguió una evolución constante similar. Así, desde los primeros planteamientos gráficos, muy próximos al Art-Nouveau y, realizados a imagen y semejanza de los utilizados en los espectáculos teatrales, la producción de carteles se desarrollo por dos vías muy diferenciadas. La primera de ellas, relacionada con los postulados estéticos de los movimientos plásticos revolucionarios de la época, que tuvieron lugar sobre todo en Europa, en concreto en Rusia, Alemania, los países escandinavos y las repúblicas centroeuropeas, donde los artistas se ofrecieron a colaborar con las distintas instituciones gubernamentales para que la sociedad evolucionara y se modernizara cultural y políticamente hablando. La segunda, sujeta a las pautas gráficas marcadas por los manuales de estilo de las productoras cinematográficas norteamericanas, que por aquel entonces dominaba también el mercado del cine a escala mundial.

En Europa, el cartel de cine, como el cartel comercial en general, entró en el debate sobre “modernidad” y “profesionalidad” que se planteó a finales de los años treinta, con la discusión sobre la inteligibilidad de las propuestas plásticas abstractas de las corrientes beligerantes. De hecho, coincidiendo con el inicio de la depresión económica mundial, se debatió la función del cartel y la estandarización cultural que provocaban los mensajes publicitarios que, más que una apertura a la libertad, suponían una nueva manera de someter al ciudadano a los dictámenes promulgados por la sociedad de consumo que estaba asomando, frustrada a consecuencia del estallido de la Segunda Guerra Mundial.
Al respecto, Cassandre afirmó: “Es difícil determinar el lugar que le corresponde al cartel entre las artes pictóricas. Unos lo consideran una rama de la pintura, lo cual es erróneo; otros lo colocan entre las artes decorativas y, en mi opinión, están igualmente equivocados. El cartel no es ni pintura ni decorado teatral, sino algo diferente, aunque a menudo utilice los medios que le ofrecen una y otro. El cartel exige una absoluta renuncia por parte del artista. Este no debe afirmar en él su personalidad. Si lo hiciera, actuaría en contra de sus obligaciones”.
La influencia del cine en los artistas y escritores de vanguardia del momento es algo muy acuciado por todos. A lo largo de los años veinte, los fotógrafos y cineastas adscritos a aquellos movimientos crearon la tendencia “Nueva Visión”, convencidos de que el cine y la fotografía eran una “extensión del ojo”. Y, como resultado, el cine llegó a convertirse en una importante fuente de inspiración para muchos de ellos que, como Picabia, Man Ray, Duchamp y Moholy-Nagy, llegaron a realizar películas, además de descubrir en las imágenes animadas un modelo para la concepción de la página impresa y los carteles, utilizando fotogramas en algunas de sus obras.
Habría que destacar, por tanto, los inicios del cine como parte componente del círculo de las bellas artes durante el auge del movimiento expresionista. Las primeras películas alemanas y los carteles de las mismas fueron muestras del arte expresionista, como sucedió en los casos de dos obras maestras de la pantalla: en Das Cabinet des Dr. Caligari [El gabinete del Dr. Caligari], realizada en 1919 por Robert Wiene y en Metrópolis, rodada en1926 por Fritz Lang, para cuya publicidad, diseñada respectivamente por Stahl-Arke y Schulz-Neudamm, se aplicó el mismo lenguaje estético. En este punto, deberíamos destacar también, la producción de carteles de cine llevada a cabo en la URSS, entre 1923 y 1930, por los hermanos Stenberg, Georgii y Vladimir, que representa, sin duda alguna, uno de los intentos más serios de acercar el arte moderno a las grandes masas; es decir, de introducir las formas y colores del arte nuevo en la vida cotidiana a través del cartel que, para ellos, era un objeto artístico con los mismos valores estéticos que un cuadro, con la diferencia de que se exponía en un espacio inusual, muy alejado de los museos: la calle. Los hermanos Stenberg plantearon sus obras al igual que hizo, en la misma época, Vladimir Lebedev conjugaron el constructivismo y la tradición para lograr un lenguaje plástico no minoritario; una nueva figuración que posibilitara un acercamiento positivo del arte moderno a la sociedad.
La panorámica del momento nos ofrece una gran producción de carteles de cine en los países escandinavos, diseñados durante el período de entreguerras, en los que se percibe una gráfica con personalidad propia.
Siguiendo las teorías de L. Moholy-Nagy, pretendieron que su trabajo se concibiera como una actividad social, no dependiente de un acto creativo individual, que ofreciera las máximas posibilidades a una “comunicación vital”. No obstante, los grafistas escandinavos intentaron conciliar sus diseños con las pautas, inscritas en ese contexto estético denominado Art-déco, sugeridas por la industria cinematográfica norteamericana y, en menor medida, por la alemana. Algo, esto último, que se puede comprobar en algunos carteles como los dedicados a “M. El vampiro de Dusseldorf”, “El poder invisible” y “La pequeña vigía” que, internacionalmente, mantuvieron la misma iconografía. Esa actitud positivamente conciliadora y siempre de mirada moderna, la sostuvieron, asimismo, tras la Segunda Guerra Mundial para dar una excepcional muestra de profesionalidad -gracias al uso de la fotografía y el fotomontaje-, cuando en el resto de Europa en los carteles de cine dominaba un naturalismo del todo retrógrado, con un cierto carácter académico. Contradictoriamente, algunos coleccionistas de carteles de cine, están más interesados por el romanticismo evocado por algunos títulos que por la calidad gráfica, y, suelen rechazar las obras realizadas por artistas escandinavos por considerarlas “excesivamente artísticas”. Estas ilustraciones dedicadas al cine, en el caso que nos ocupa, desde sus comienzos hasta la declaración de la segunda guerra mundial, reflejan la influencia de diversos movimientos modernos, pero también las convicciones de unos artistas en continua evolución y de una sociedad que optaron, decididamente por la modernidad.

Fotografía: Erika Barahona Ede

2009-01-30T11:19:00.000-08:00

Erika Barahona aunque habitualmente dirige su objetivo a los paisajes y arquitectura hace unos años se sintió atraída por la oportunidad de realizar una aproximación al género humano dedicándole una mayor atención al retrato. Que comenzó a desarrollar a partir de una de las fotografías tomadas a Eva Davidova en 1996 que, sin duda, le despertó la intención de asumir un nuevo reto en su carrera; la de recopilar imágenes de artistas, a los que sólo ha pedido que “sean ellos mismos”, huyendo del posado forzado. La mayoría de los retratados son artistas plásticos, aunque también hay músicos, cineastas y directores de escena. Le interesó, no el hecho de que fueran famosos, sino el tipo humano del artista -explica la bilbaína. La mayor parte de las tomas están hechas sobre un fondo neutro. Aunque suele utilizar el color y la fotografía digital, en este caso ha optado por la fotografía tradicional en blanco y negro. Puesto que quería exhibir un retrato clásico en un formato cuadrado de 100 x 100. De esta manera encontramos al sujeto protagonista sin ninguna referencia que descubra su personalidad. Su obra es “un intento de tender un puente entre el otro y yo, de acercar el artista a la gente”, “me interesa el espacio que se encuentra entre el sujeto retratista (que yo no me considero), y el artista retratado al que apenas conozco. La distancia entre los dos, más larga por la carencia de vínculo con el modelo, al que no controlo en su posición ni en su gesto, crea un proceso que me fascina”, explica Erika Barahona.
La fotógrafa señala que la identidad, la individualidad y la voluntad del artista quedaban plasmados en la fotografía en el preciso instante en que ella le contemplaba, y la plasmaba con su cámara. Si se trata de acercar el artista a la gente, el sistema empleado puede resultar desconcertante y paradójico, pero a esta creadora visual es lo que le interesa. De esta manera intenta responder a algo que le intriga -cómo el artista se construye como ser humano, la manera en que se muestra como individuo o como se autentifica en el retrato fotográfico-.

La ausencia de referencias icónicas del representado sustenta la intriga. El sujeto parece desnudo. Plantea al espectador una serie de preguntas y múltiples dudas sobre quién es, una incógnita que solo se despeja con un pie de foto y el nombre del representado. Así pues, entre dudas e interrogantes, nos divertimos y encontramos a un Giorgio Armani con aire de esperar en la cola de una asistenta social, a Eduardo Chillida con la sonrisa de alguien que es fotografiado por primera vez en su vida. En otras fotografías se ve la labor del retratista: “en cada retrato me encuentro ante un espacio que tengo que franquear por primera vez, como un paisaje, y aunque sin duda hay elementos recurrentes (como el fondo de cada pieza fotográfica o el punto de vista), el concepto alrededor del cual se basa mi trabajo no cambia en esencia. La cuestión de la identidad, la individualidad y la voluntad del artista quedan plasmados en la fotografía en el preciso instante en el que yo lo estaba contemplando, siempre de manera única”, confiesa esta fotógrafa.
No se trata de un género sino de una experiencia de la mirada, un conjunto de fotografías que se nos presentan como resultado de diferentes relaciones mantenidas con los sujetos fotografiados, resultados en los que se conjuga lo que el fotografiado quiso mostrar y lo que se escapó a su control, con la representación que Erika pretendía obtener del sujeto mas lo que fortuitamente apareció en el encuadre. Lo que nos conduce hacia la idea de catalogación y constitución de un archivo fotográfico.

Verónica Querol: Oculto tras la quietud

2009-01-30T10:59:00.000-08:00

Verónica Querol nos presenta "En Terres de Boira", una mirada novedosa sobre la multiplicidad de la realidad del mundo que nos rodea y que conocemos; mediante un juego de sutilezas. Según Hans-Georg Gadamer, el juego, entendido antropológicamente como un exceso, explica la tendencia innata del hombre al arte. Lo que nos conduce a un automovimiento que caracteriza todo lo viviente. Nada tiende a un final sino al movimiento. Por lo que aunque nos encontremos inmersos en medio de una densa niebla, tendemos a movernos, no es el final porque tarde o temprano llegará el claro que la disperse y que deja paso a la luz. Es decir, a lo idílico.

No se pretende expresar, sino causar en el espectador cualquier clase o tipo de sensación a través de una belleza melancólica. Witkin piensa que lo que hace que una imagen sea poderosa, es que a diferencia de otros medios, como el vídeo o el cine, se trate la quietud. Y aunque parezca extraño, esta quietud es poderosa, como bien podremos experimentar como visitantes de la misma, es como si nos abrazara y nos arrastrara con ella, y para ello, se ha servido del silencio. Mediante ese silencio -que nos trae la niebla que tiñe de blanco la tierra- y sus pinceladas, Verónica Querol, se encarga de rellenar ese espacio que proporciona a la estética el juego.
En cuanto a lo simbólico, Gadamer se muestra bajo la mirada Heideggeriana, mostrándonos cómo mediante la experiencia simbólica “lo particular se presenta como un fragmento de ser que promete complementar en un todo íntegro al que se corresponde con él”. Es decir, lo simbólico aparece “sobre un insoluble juego de contrarios, de mostración y ocultación”. Juego que empieza, desde un principio, con el propio título de la muestra, en el que se enfrentan -Tierra y Niebla-. Aquí los símbolos se presentan en una figuración naturalista: nada aparece propiamente pintado, sino más bien esquematizado de un modo abstracto que tiende a subrayar su carácter simbólico. Con ello la pintura quiere dar e entender que no se trata de una mera figuración, ni tampoco de una burda y arbitraria yuxtaposición de colores, sino concretamente de un sistema de articulación de signos. "Pensar es esencialmente la actividad de operar con signos" -decía Wittgenstein-. Con esto, la pintura se nos presenta a sí misma también como una actividad pensante.
Verónica nos esboza el camino a seguir, nos guía. Pero es el espectador quien debe hacer el resto, y cada uno será responsable de seguir uno u otro camino. Así pues, su interpretación es abierta, su belleza es libre y autosuficiente, irrumpiendo indirectamente en un mundo nuevo de autonomía estética.

Esta autonomía de lo estético, promulgada en su día por Kant, nos ayuda a entrar en el espacio subjetivista, y al nacimiento de la modernidad con la transposición del subjetivismo desde lo estético a lo artístico.

Ana Sansano: La fugacidad del instante

2009-01-29T15:24:00.000-08:00

La obra de Ana Sansano se caracteriza por su uso de la técnica mixta -lápices y óleo- empleando formatos cuadrados y rectangulares, de medidas reducidas inmersas en la tradición del realismo americano pero con paisajes metropolitanos fácilmente reconocibles. Naturalmente se aprovecha de la fotografía profesional que como la pintura moderna, lucha por conseguir su propia autonomía estética. Sus cuadros nos recuerdan a los de los neorrealistas americanos como Richard Estes, ya que, sus obras tiene un efecto hiperreal que está más allá de la capacidad del ojo, y hasta del objetivo de la cámara, independientemente de la nitidez del enfoque. Con una gran minuciosidad, Sansano reproduce la iluminación y los reflejos naturales y artificiales, desvelando un silencioso estatismo en las escenas cotidianas de comercios, automóviles, tráfico, calles, etc.

Posee una magia intemporal que nos recuerda a la pintura metafísica. Es como si el tiempo se detuviera ante nosotros; Ana se mueve constantemente ante la búsqueda del equilibrio que nos llega a través de la fugacidad del instante. Su intención es cambiar de forma porque en el cambio continuo, y en la velocidad de los acontecimientos, encuentra la verdadera tranquilidad y paz interior. Aunque, sin embargo, la armonía la trae consigo la contemplación.Ana Sansano se prenda de la vivacidad, de la actividad y agilidad, para introducirse en el canje constante, que transforma la propia realidad. Ligereza y sutileza para presentar, en resumen, un discurso basado en la estética del cambio, en la caducidad del segundo, para llegar a obtener la seguridad de que todo se transforma con el movimiento. En definitiva, acción que supone transgredir las limitaciones prohibidas para alcanzar la libertad, el concepto propio e ideal de nuestro mundo.
Sansano entiende que en la evolución, en la transformación y en el paso del tiempo, así como en la constatación de sus múltiples variaciones se esconde el arte.

Narcis Gironell: Lo femenino vende

2009-01-29T15:16:00.000-08:00

La obra de Narcís Gironell es sobre todo una obra actual, unareelaboración del pasado realizada con el lenguaje cotidiano del autor,pintura que mira hacia atrás para ir más allá. Se trata de una búsqueda dela feminidad desde una óptica pop. No hay ninguna otra denominación de una corriente del arte del s.XX que haya pasado a formar parte del uso común como lo ha hecho la de pop art. El cual se caracterizaba por la ampliación, la renuncia a la expresividad y al toque personal a favor de un distintivo globalizado, así como por la limitación temática y la preferencia por los objetos nuevos que destacan en la publicidad.

La mirada, pues, de Gironell se encarga de descontextualizar el cuerpode aquellas pin-ups de los años cincuenta o sesenta del siglo XX, hoy, pasadas de moda para ofrecernos lo en otros escenarios más próximos a nuestra realidad.

El cuerpo femenino se presenta como un bello y flameante envoltorio que podríamos perfectamente encontrar en los estantes o escaparates de un gran centro comercial. Con todo, la mujer rezuma, digamos, un falso erotismo que nos atrae como un elemento más del inmenso consumismo al que nos enfrentamos cada día.Así el efecto que consigue es que la feminidad se vea golpeadapor la mirada del espectador y quede convertida en un mero objeto de consumo.

A finales del siglo XX el cuerpo humano, sobretodo el femenino, se convierte en el máximo protagonista a nivel artístico. El cuerpo, es la parte ejecutora, obediente, dispuesta a realizar todo aquello que nuestra mente le dicta. Que junto a la lingüística es uno de los mayores medios de expresión universal.
El cuerpo ilustra y refleja el paso del tiempo, las emociones acumuladas, las sensaciones olvidadas, es decir, el cuerpo, cambia, crece, se ve alterado, maltratado, etc. llegando a convertirse en un símbolo, en la sombra de la mente. Aunque la historia se empeña en reducir el cuerpo al campo de la naturaleza, hay que tener en cuenta, que es el molde, el recipiente donde se originan y se reprimen los deseos, el placer, la agresividad, la ternura... y, por tanto, no debemos considerarlo indigno como antaño ocurría dentro de nuestra sociedad occidental. Y es por eso, que hoy día, existen profesionales/ artistas que han comenzado a trabajar para revindicar su estudio, su análisis y fundamentar todos aquellos secretos y enigmas que encierra dentro sí el cuerpo humano.

La pintura de Gironell, es un ejemplo más. En ella presenta tan sólo a un único cuerpo –femenino-, al que reubica en distintos espacios, como si de una escenografía se tratase. Se podría decir que es como si el cuerpo se transmutase en valorde cambio, o lo que es lo mismo, en una clara invitación al consumo y en el móvil perfecto para una transacción económica. Se trata también de una pintura lúdica que juega con el código publicitario, con el funcionamiento de la imagen comercial y con todo lo relacionado con lo kitsch.En definitiva, refleja una pintura que desvela los mecanismos sociales que utilizan el cuerpo dela mujer como propiedad, al cual reducen y doblegan a nuestro sistema económico actual de globalización.

Lo Kitsch

2009-01-25T05:40:00.000-08:00

El término Kitsch, de origen incierto, empezó a usarse a mediados del s.XIX entre los pintores y marchantes de Munich, designando el material artístico barato. A principios del s.XX ya se había generalizado.

El teórico rumano, George Calinescu, en su libro Cinco caras de la modernidad recoge algunas hipótesis etimológicas del término kitsch:

- Podría provenir de la palabra inglesa sketch (esbozo), mal pronunciada en alemán y que se aplicaría a las imágenes baratas vendidas a modo de recuerdo turístico.
- Podría también proceder del verbo alemán verkitschen, que en dialecto significa fabricar barato.
- Aunque también podría derivar del verbo ruso Keetcheesya (arrogante y engreído).
- Así como, del verbo alemán Kitschen (tomando el significado de “recoger basura por la calle”).

Por lo tanto se relaciona con el concepto de lo barato; se remite, estéticamente hablando, al fenómeno de la basura, conduciéndonos a lo que es ostentoso y, en cierta forma, vulgar. Pero no debemos olvidar que es un fenómeno muy amplio, por lo que una definición quedaría incompleta. Es un concepto que está de moda, aplicable a muchos objetos vulgares.
Hay otro kitsch, paralelo, al que podríamos clasificar de intelectual, que ha sido buscado por ricos y pobres; resumiendo, hay uno artístico y otro artesano.

El historiador del arte Fritz Karpfen publicó en 1925 un libro titulado Der Kitsch: Eine Studie ubre die Entartung der Kunst (“El Kitsch: Estudio de la degeneración del Arte”) en dónde amplió el término, abarcando otras formas de expresión. Aunque el primer ensayo crítico escrito en inglés sobre el término fue el de Clement Greenberg “Vanguardia y Kitsch” publicado en Partisan Review en 1939. Greenberg pensaba que el Kitsch era el resultado de un mundo en el cual, el dinero y el deseo se habían extendido mucho más que el gusto y el conocimiento, “un producto de la revolución industrial que ha urbanizado a grandes masas en Europa occidental y de Ámerica y, ha instituido lo que se ha dado en llamar alfabetización universal”. Se podría decir, que lo kitsch surgió para “[…] colmar la demanda del nuevo mercado, se previó un nuevo producto: un sucedáneo cultural, destinado a aquellos que, insensibles a los valores de la cultura genuina, están hambrientos de la diversión que únicamente la cultura puede proporcionar. El kitsch que utiliza la materia prima que degrada y academiza las imitaciones de la cultura genuina, favorece y cultiva esa insensibilidad. Es la fuente de sus beneficios. La condición previa para el Kitsch… es la disponibilidad al alcance de la mano de la tradición cultural en plena madurez, cuyos descubrimientos, adquisiciones y conocimiento profundo de sí misma el Kitsch puede aprovechar para sus propios fines”. Entre los ejemplos de artistas del Kitsch estaban Maxfield Parrish y Norman Rockwell, que hoy en día reciben un trato respetuoso dentro de la crítica.
La revitalización de este tipo de artistas rechazados por vulgares, se vio favorecida por el Pop Art, que al desdibujar las distinciones entre arte “elevado” y “bajo”, complicaron aún más las posturas frente al Kitsch. Igualmente, la llegada de la Postmodernidad añadió más dificultades al tema, pues, actualmente la iconografía Kitsch se utiliza como una forma de “ironía” por parte de los artistas serios, como Jeff Koons (aunque éste no perciba ningún rasgo irónico en su obra, sino más bien, trágico). Salvador Dalí podría ser considerado artista Kitsch, sobretodo en sus últimas obras religiosas, así como los fotógrafos franceses Pierre et Gilles o Vladimir Tretchikoff, considerado el “rey del Kitsch”.
Otros teóricos como Hermann Broch, y Theodor Adorno, junto a Greenberg, intentaban definir lo Avant Garde y el kitsch como opuestos. En aquella época el mundo del arte percibía la popularidad del kitsch como un peligro para la cultura. Los argumentos de los tres teóricos confiaban en una definición implícita del kitsch como una falsa consciencia, un término marxista que significa una actitud mental presente dentro de las estructuras del capitalismo que está equivocada en cuanto a sus propios deseos y necesidades. Los marxistas suponen entonces que existe una separación entre la situación verdadera y su fenomenología.
Adorno, por ejemplo, percibía esto en términos de lo que él llamaba la cultura industrial, donde el arte es controlado y planeado por las necesidades del mercado y es dado a un pueblo pasivo que lo acepta. Lo que es comercializado es un arte que no cambia y que es formalmente incoherente, pero que sirve para dar a la audiencia ocio y algo que mirar. El arte para Adorno debe ser subjetivo, cambiante y orientado contra la opresiva estructura del poder. Él clamaba que el kitsch es parodia de la catarsis, y también parodia de la conciencia estética.

En relación a lo kitsch podríamos englobar también “lo cursi”. Como explica L. Alas Minguez en el libro de A. Sanchez Casado, Kitsch español: “lo kitsch, intelectual y buscado, y lo cursi, que es sincero y sentimental. Estamos ante dos conceptos que se aproximan: son un poco el hermano rico y el hermano pobre. En lo cursi hay sentimentalidad y en lo kitsch hay dinero de más, ostentación, agresividad; lo cursi es blando y empalagoso, lo kitsch hiriente y deslumbrante […] lo kitsch hace referencia más a una tendencia cultural que a un mal gusto natural o espontáneo disfrazado de elegancia”.

Así pues, perfectamente se podría relacionar lo kitsch con dos vertientes, una en sentido intelectual, y otra en su faceta mas desmesurada y arrogante. Lo kitsch no se refiere únicamente al “souvenir” barato, igualmente de mal gusto, sino al otro que puede traer consigo dinero. Abraham Moles nos aclara esto último desde el punto de inadecuación estética. Inadecuación que se encuentra a menudo en objetos cuyas cualidades formales son inapropiadas en relación a su contenido cultural o a su intención. Es decir, un objeto estético mostrado como símbolo de abundancia no se convierte en Kitsch, pero el papel que desempeña es típico de mundo de lo Kitsch. En cuanto a este último sentido de inadecuación estética, Herman Broch ha observado una cierta similitud con el Romanticismo, ya que: “El kitsch es el modo más simple y directo de disparar esa nostalgia”, que guiaba a nuestros románticos. Aunque, hay quien ha dicho que se trata de la forma contemporánea del gótico, barroco o rococó. No deberíamos olvidar que hace algún tiempo se intentó acuñar a nuestra época con el apelativo de neo-barroca. Puesto que comparte el exceso, la repetición, la exageración, la ostentación, etc. que trajeron consigo la vuelta al neoclasicismo.

Para reconocer una obra Kitsch, según Moles, nos tendremos que guiar, pues, en el principio de inadecuación, de acumulación, de percepción sinestésica, de mediocridad y, por último, de confort. Sin olvidar, que lo kitsch es un fenómeno universal que se da en todas las artes y, también en el campo del diseño y de las costumbres. Sería propio del gusto popular, distinguiéndose otra vez, un sector adinerado y otro pobre. Aunque también es gusto de nuestra era postmoderna donde “todo vale”. Apoyado por las nuevas tecnologías, que ayudan a la reproducción masiva, consumida por nuestra cultura de masas. Así pues, todo lo que antes pudiera ser considerado como objeto artesano, hoy es kitsch.
Una vez reconocido lo kitsch como un verdadero estilo gracias a sus reglas, lo que tendríamos que preguntarnos es si podemos llamar artistas a sus ejecutores, si tenemos en cuenta que el factor de creación no lo tienen muy presente. ¿Podemos llamar artista a Jeff koons o a Pierre et Gilles? En nuestro mundo en el que todo vale, sí.

La escultura en hierro de Martín de Chirino

2009-01-25T05:36:00.000-08:00

Martín de Chirino (Las palmas de Gran Canaria, 1925), hoy en día dentro del panorama mundial su nombre es uno de los que se barajan junto al de Anthony Caro o Eduardo Chillida cuando se habla de escultura abstracta contemporánea.
Comparte con Julio González una gravedad y austeridad formal y, un respeto por el carácter antropológico del hierro, así como el sentido de complementariedad entre materia y espacio.
Este escultor canario rinde homenaje a su cultura ancestral, es decir, la guanche, y utiliza para ello uno de sus temas más recurrentes, la espiral. ¿Os habéis percatado de la cantidad de elementos y seres que poseen esta forma?, desde un petroglifo (dibujo en piedra) helicoidal, a un caracol...en fin; vemos en la espiral un signo cargado de misterio relacionado con el origen, la fecundidad y el desarrollo.

Este motivo arcaico representaría el viento y simbolizaría la fuerza de la naturaleza haciendo referencia al sentido primigenio en la cultura guanche.
Es curioso como en la iconografía mesoamericana precolombina, concretamente en la cultura zapoteca, encontramos también la espiral como tema recurrente representando igualmente el viento y simbolizando la fuerza de la naturaleza. Como podemos observar en alguno de los mosaicos decorativos en piedra de Mitla.
El propio artista afirma: “Un día supe que el viento se movía en espiral y que el germen de la vida es viento y espiral: ése podría ser el emblema de mi escultura”, al igual que explica que: “La espiral de hierro, cerrada en su punto de partida que se extiende y planea, sirve para que de esta materia surgiera la simulación de levedad y ligereza a la que aspiran algunas de mis obras”.
Las espirales evolucionaran hasta originar máscaras de Afrocanes, señalando su gusto por el arte primitivo que se despierta con las vanguardias modernas.
Llama la atención la sensación que evocan sus obras poniendo de manifiesto la solidez del material y su aparente ingravidez.
Chirino demuestra un gran interés por la línea que desembocará en un lenguaje sólido y consistente, transportándonos a una completa abstracción. Y para ello recurre al hierro revalorizando el trabajo y la tradición de los antiguos herreros rurales. La herramienta para Chirino no es un mero instrumento de trabajo, más bien, es la extensión de su propio proceso creativo.
Fundamentalmente se sirve del hierro forjado, que gira y trabaja intentando resaltar la calidad expresiva de la materia., es decir, renuncia a la figuración para centrarse en el proceso mismo del trabajo del hierro.
Al mismo tiempo enfatiza de nuevo sus raíces canarias mediante la representación de paisajes, muy parecidas a las raíces gracias a un desarrollo orgánico. La experiencia y el dominio técnico le permiten proyectar el tratamiento con la forja a una escala monumental.
La prolífica producción artística de Chirino y su gran formación en el arte del hierro forjado le convierten en uno de los escultores abstractos más representativos de nuestro país. Destacando su participación en el grupo El Paso, al que se uniría en 1958 y del que se separaría dos años después, y en la exposición que el MoMA (Museum of Modern Art) de New York dedicaría al “nuevo arte” español en 1960 junto a Chillida, Oteiza y Serrano.
Así pues, sus obras están presentes en los museos y colecciones más importantes del mundo, así como también le ha sido reconocida su trayectoria artística con numerosos galardones que le ha valido un “nombre”a nivel internacional.

La sombra como sugerencia: Joan Callergues

2009-01-24T10:31:00.000-08:00

Sus obras nos arrastran a un mundo de reflexión y percepción. Nos acercan a lo más íntimo que se suele esconder detrás de las apariencias de ese mundo construido a base de espacios bulliciosos, silenciosos, y múltiples impresiones; que sólo son eso, impresiones efímeras que paradójicamente nos evocan al recuerdo.
En sus obras, al igual que en sus escritos acerca de su pensamiento, queda patente su visión transitoria de la vida, hecha de rétales, de memoria, así como, de residuos de uno mismo que se van reforzando con el paso del tiempo. La clave tanto para sus obras como para sus pensamientos es la fugacidad, y la experiencia de uno mismo que hace que mitiguemos el pasado y avancemos hacia el futuro.
Para Callergues es importante la interpretación de la obra, debe captar e implicar al espectador, al mismo tiempo que tiene que ser capaz de expandir y desarrollar lo explícito en los diversos espacios y afrontar diferentes percepciones, según el espectador y su momento -in situ- estableciendo entre –obra y espectador- un dialogo. Que resulta fundamental para la sociedad, a modo de intercambio sociocultural, como método de evolución del pensamiento. Joan se sirve continuamente del azar como instrumento de creación, lo considera la parte incontrolable del proceso creativo, ligado a la parte irracional del artista que necesariamente se contrapone con la racionalidad estructural. Que maestramente domina y une creando un equilibrio entre ambas partes enriqueciendo, en sí misma, la obra. Integrada en planos conceptualmente distintos dentro de una única entidad poética.
Entre el pasado, la memoria, los recuerdos, el dialogo y el azar se encuentra nuestro –hoy- que como bien expresa, el propio artista: en mig de tot això em trobe jo i espere col·locar a l'espectador. Com a observador, com a moderador, com a participant del diàleg. Sense escapatòria. No hi ha terreny neutral. Participar en el joc és inevitable. La memòria pròpia i la història com a memòria col·lectiva es fonen per a crear nous records, noves opinions, en definitiva una evolució del pensament.
A Joan le gusta la idea de sombra como metáfora del recuerdo, que nos sobrevive, de ahí que, cuando dibuja una sombra no trate de reflejar ni captar la realidad, sino más bien, sugiere, nos reubica en el mundo de los recuerdos para que nosotros mismos construyamos nuestra realidad.
En resumen a Joan le interesa insinuar más que mostrar, para que el espectador se sumerja e interactúe y cree su propia experiencia, con la ayuda se sus recuerdos. De esta forma su obra está abierta a la insinuación, sugerencia y a todo tipo de percepciones que se proyectan en ella, enriqueciendo su significado.